El cantante del grupo británico falleció a los 62 años tras una larga lucha contra el cáncer de colon que padecía

Música | 21/05/2012 – 01:21h | 21/05/2012

Robin Gibb, cantante de los Bee Gees GYI

Londres. (EFE).- El cantante del grupo británico Bee Gees, Robin Gibb, falleció hoy a los 62 años tras una larga lucha contra el cáncer, informó su familia en un comunicado.

La leyenda del pop padecía cáncer de colon y el pasado abril estuvo hospitalizado en una clínica privada de Londres en estado de coma a causa de una neumonía.

Los familiares del Robin anunciaron el fallecimiento del músico «con gran tristeza» y pidieron que se «respete su intimidad en estos momentos difíciles».

Gibb, que había conseguido recuperarse de un cáncer de colón e hígado diagnosticado en 2010, fue sometido el pasado 25 de marzo a una operación intestinal.

Su hermano gemelo, Maurice, también integrante de los Bee Gees, falleció a los 53 años en 2003 a consecuencia de una obstrucción intestinal.

La formación Bee Gees, que se fundó en la Isla de Man (Reino Unido), y en la que también estaba el hermano mayor Barry, fue uno de los grupos más famosos de los años 70 y 80, con más de 200 millones de discos vendidos y temas tan conocidos como How Deep is your Love o Stayin’ Alive.

Los Bee Gees cosecharon récord de ventas de más de 200 millones de copias vendidas desde que alcanzaron la fama en la década de los 60.

La industria de la música no ha tardado en reaccionar al fallecimiento de Gibb y la discográfica Sony Music recordó al músico con un mensaje colgado en la red social Twitter: «Descansa en paz, Robin Gibb. Gracias por la música».

El comunicador Paul Gambaccini describió a Gibb, en declaraciones que recoge la cadena británica BBC, como «una de las principales figuras en la historia de la música británica».

Una leyenda de la música disco
La carrera del cantante y compositor Robin Gibb se extendió a lo largo de seis décadas, pero fue el grupo Bee Gees, que formó junto con dos de sus hermanos, lo que le convirtió en toda una leyenda de la música disco.

Bee Gees, fundada por Robin en 1958 junto a dos de sus hermanos, Maurice y Barry, logró, gracias a temas como Massachusetts, I’ve Gotta Get A Message To You, Lonely Days o How Can You Mend A Broken Heart, convertirse en un referente incuestionable en las pistas de baile de todo el mundo.

El delgadísimo y sonriente músico, que recientemente se centró en la composición de música clásica, tenía tres hijos, dos de su primer matrimonio y uno fruto de un segundo enlace.

Junto a su segunda mujer, Dwina, con la que se casó en 1985, el cantante y compositor vivía entre sus casas de Miami (Estados Unidos), Thame (Inglaterra) y la Isla de Man, donde nació en 1949.

Robin empezó su carrera musical en Australia donde se mudó con su familia en 1958 y donde los tres hermanos presentaron con gran éxito un programa semanal de televisión.

En 1967, cuando los Gibb regresaron al Reino Unido, su carrera musical despegó con composiciones de rock psicodélico como New York Minning Disaster 1941.

Fue durante la década de los 70 cuando Bee Gees se consagró como uno de los grupos más influyentes de ese momento, trabajando con el productor Arif Mardin y gracias a su participación en la archipopular banda sonora de la película Saturday Night Fever (Fiebre del Sábado Noche) en 1977, que contenía temas ya clásicos como Stain’ Alive.

La mezcla de baladas y música disco que hicieron furor en las discotecas de todo el mundo les ayudó a vender 35 millones de copias del álbum Spirits Having Flown (1979), aunque al principio de la siguiente década, los tres hermanos empezaron a experimentar el rechazo de la crítica y el olvido del público.

Robin Gibb, que recibió la prestigiosa Orden del Imperio Británico de manos de la reina de Inglaterra, Isabel II, en 2001, aprovechó ese momento para iniciar su carrera en solitario con los discos How Old Are You? o Juliet, además de escribir y producir para otros músicos como Barbara Streissand, Jimmy Ruffin o Dolly Parton.

El nombre de Bee Gees, que cosecharon récord de ventas de más de 200 millones de copias vendidas desde que alcanzaron la fama en la década de los 60, permaneció en activo con algunos discos y actuaciones, pero en 2003 quedó definitivamente disuelto con el fallecimiento a los 53 años de Maurice, el hermano gemelo de Robin por una obstrucción intestinal.

A partir de ese momento, el músico tocó alguna vez con su hermano Barry en eventos benéficos y se dedicó, como compositor, a luchar para que los artistas reciban derechos de autor por sus trabajos.

Desde 2007, era presidente de la Confederación Internacional de Sociedades de Autores y Compositores (CISAC siglas en inglés).

Más recientemente, el músico, a quien se calcula una fortuna, compartida con su hermano, de 180 millones de dólares, había trabajado con su hijo RJ en composiciones clásicas como Titanic Requiem, un álbum basado en el hundimiento del famoso transatlántico.

El 11 de abril, Robin Gibb canceló su asistencia en Londres al lanzamiento de esta obra a causa de una neumonía que le llevó a ingresar en una clínica privada de Londres, donde tras pasar varios días en coma, sorprendentemente logró recuperarse.

Todos sus actos públicos anteriores a ese susto se habían cancelado tras una operación intestinal que se le practicó el pasado 25 de marzo.

Su última actuación en un escenario tuvo lugar el pasado febrero en un concierto benéfico para ayudar a soldados heridos en el teatro Palladium de Londres.

Los problemas de salud para el cantante fueron constantes desde que en 2010 le fuera diagnosticado un cáncer de colon e hígado, del que en un principio se creyó que «milagrosamente» se había salvado.

Sin embargo, la recuperación no pareció ser completa y en 2011 fue sometido a una operación por una obstrucción intestinal, el mismo problema que provocó la muerte de su hermano gemelo.

Su delicada salud provocó finalmente su fallecimiento este domingo que su familia comunicó «con gran tristeza» en un comunicado en el que pidieron «respeto a su privacidad en estos momentos difíciles».

http://www.lavanguardia.com/musica/20120521/54296326699/muere-robin-gibb-bee-gees.html

El artista presentará las canciones de su último álbum, «Julio Iglesias 1», recopilación de sus grandes éxitos

EFE / VALENCIA
Día 18/05/2012

REUTERS Julio Iglesias actuará el 7 de julio en el Palau de Les Arts de Valencia

El cantante Julio Iglesias ofrecerá un concierto el próximo 7 de julio en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia, ciudad en la que por primera vez actúa en un recinto cerrado.

El artista presentará las canciones de su último álbum, «Julio Iglesias 1», una recopilación de grandes éxitos grabado con «nuevos sonidos y última tecnología», según informa la empresa promotora del recital.

El auditorio valenciano abrirá de esta forma su oferta a un espectáculo musical diferente a los géneros lírico y sinfónico, gracias a lo cual los espectadores podrán disfrutar de un concierto con «óptimas condiciones de sonido y visibilidad», señalan las citadas fuentes.

http://www.abc.es/20120518/cultura-musica/abci-julio-iglesias-palau-201205181349.html

Donna Summer en la gala de los Premios Nobel en 2009.| Reuters/Chris Helgren

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/05/17/cultura/1337270339.html

* La galería Bloomsbury subasta una foto del cuarteto de Liverpool cruzando el paso de peatones de Abbey Road de derecha a izquierda
* Se podrá pujar el próximo 22 de mayo y el precio de salida es de 11.298 euros

elpais.com – Manuel Cuéllar Madrid 15 MAY 2012 – 17:04 CET

Fotografía de Iain Macmillan que subasta la galería Bloomsbury / BLOOMSBURY

Si usted tiene al menos 12.000 euros que gastar en una fruslería y es fanático de los Beatles, el día 22 de mayo tiene una cita en la galería Bloomsbury de Londres. La prestigiosa casa de subastas ha puesto como precio de salida a una rara foto (46.4 x 45.7cm) del cuarteto de Liverpool la cantidad de 11.298 euros (9.000 libras esterlinas). La imagen, tomada por Iain Mcmillan en 1969, resulta curiosa: en ella se ve a los cuatro integrantes de la banda cruzando el mítico paso de peatones de Abbey Road pero en el sentido contrario al que se observa en la portada del disco titulado con el mismo nombre.

Los músicos grabaron ese LP entre febrero y agosto de 1969 y corresponde al penúltimo que pusieron a la venta antes de separarse. Así que, para esta sesión de fotos, las cosas entre ellos digamos que se podría considerar que estaban un poco tensas. El controlador de Paul McCartney tenía muy claro cómo quería que fuera la imagen y hasta hizo un croquis de ella, según ha contado el ya desaparecido fotógrafo Iain Mcmillan que sólo tuvo los 10 minutos que la policía cortó el tráfico en la calle para tomar la instantánea.

Este descarte tiene su morbo puesto que Abbey Road es una de las portadas en las que la leyenda urbana asegura que se escondía el mensaje secreto de que Paul McCartney estaba muerto. Supuestamente era suplantado por un doble según la teoría conspirativa. De ahí que en la foto original él sea el único que va con el paso cambiado, con los pies descalzos y fumando. Aquí, sin embargo, se le ve despreocupado calzando una chanclas como de ir por la playa, no está fumando y, sobre todo, cruza el paso de peatones, como el resto de sus compañeros, de derecha a izquierda.

En 1989, Mcmillan intentó poner en palabras la razón del éxito de esta fotografía: «Es una imagen que se ha convertido en un icono de los sesenta. Supongo que lo es. Creo que la razón principal para que sea tan popular reside en su simplicidad. También es una foto en la que la gente se puede ver identificada puesto que se trata de un lugar por el que todavía pueden caminar». Y tanto. Es famosa la cámara web que apunta desde los estudios Abbey Road al paso de peatones y en la que se puede ver cómo es todavía un lugar de peregrinación de miles y miles de fans.

Sarah Wheeler portavoz de Bloomsbury en Londres aseguró al diario británico The Guardian: «McMillan tuvo sólo 10 minutos para hacer esta fotografía y sólo pudo hacer siete disparos de los Beatles camiando de un lado al otro del paso de peatones».

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/05/15/actualidad/1337094267_066007.html

Javier Aracil, líder del extinto grupo cántabro de pop, falleció ayer a los 64 años en su domicilio santanderino

El Diario Montañes 15.05.12 – 00:15 –
Rosa M. Ruiz | Santander.

JAVIER ARACIL, CANTANTE
El pop de los años 60 perdió ayer a uno de sus máximos exponentes en Cantabria. El músico Javier Aracil Goñi, líder de la mítica banda Los Dixies falleció en su domicilio santanderino a los 64 años de edad. Con él se va uno de los precursores de este estilo musical en Cantabria y uno de los referentes de una época dorada de la ciudad en la que el pub El Drink, del Río de la Pila, era el punto de encuentro de los músicos que comenzaban a experimentar con los nuevos ritmos llegados de Londres.
Uno de estos era Aracil que, en 1965, lideró Los Dixies, acompañado por Antonio Casares (bajista), Juan Tobaruela (guitarra rítmica), Fernando Turrión (guitarra punteo) e Ito Luna (batería), una formación que se renovó prácticamente por completo cuando sus integrantes tuvieron que incorporarse al servicio militar y que fueron sustituidos por Javier Alegría (bajo), José R. Pérez Liaño (teclados), Ángel García (batería), Lili Alegría (saxo tenor) y Félix Fragua (saxo barítono).
Pero Aracil y su potente voz «negroide», tal y como la define el crítico Diego Manrique, continúo liderando el grupo que, en en el año 1969, en pleno apogeo, vivió su momento más importante tras firmar un contrato con el sello Movieplay para grabar seis singles y un LP.
Fatídico accidente
Sin embargo, la mala suerte se cebó con el músico cántabro que en ese mismo año y de regreso a Santander de un concierto en Laredo, sufrió un gravísimo accidente de coche que le mantuvo dos años ingresado en un hospital. Aracil nunca se recuperó del todo de las heridas, que resintió hasta el momento de su fallecimiento, y el grupo desapareció definitivamente. Sólo tuvo tiempo de grabar dos de las canciones y uno de los singles ‘Black cat’, en la ‘Cara A’ y ‘Georgia on may mind’ en la ‘Cara B’.
Aún así, los críticos especializados nunca olvidaron a esta banda que, según recoge la ‘Guía del pop español’, de Vicente Font Ribera, fue una de las esperanzas frustradas del pop español y su sonido «no ha sido superado por ningún otro grupo santanderino». También Gerardo Irles publica en otro libro titulado ‘Guía para fans’ que fueron «lo mejor de la época».
El funeral por Javier Aracil, que deja tres hijos, se llevará a cabo mañana, miércoles, a las 19.00 horas, en la iglesia de los PP Redentoristas, en el Alto Miranda (Santander).

http://www.eldiariomontanes.es/v/20120515/cultura/obituario/dixies-mitica-banda-anos-20120515.html

El músico norteamericano sacudió a mediados de los 80 el mundo del pop con su fusión de ritmos africanos

p.m.p.
Día 15/05/2012

ABC - Paul Simon rodeado de músicos sudafricanos

Ha sido el trabajo más importante publicado por Paul Simon desde su separación de Art Garfunkel. Mediada la década de los 80, la world music captaba el interés del gran público gracias, en buena medida, a la labor de Peter Gabriel y su festival Womad. Pero la forma en que el músico estadounidense llevó lo ritmos africanos al pop a través de «Graceland», sigue fascinando a nuevas generaciones, e influyendo en un gran número de bandas, como Vampire Weekend.

El sello Sony, aunque con un poco de retraso, quiere conmemorar los 25 años del lanzamiento de esta obra maestra, que vendió más de 14 millones de copias en 1986 y ganó el Grammy al Álbum del Año. El próximo 5 de junio se publica una edición especial, con el añadido, además de los pertinentes bonus track, del documental «Under African Skies» (título también de una de las canciones del álbum). Estrenado en Sundance y dirigido por Joe Berlinger, con él asistimos al regreso de Paul Simon a Sudáfrica.

Además de asistir a este reencuentro con los músicos africanos y dar a conocer los pormenores de aquella grabación, se hace hincapié en la polémica surgida en torno al hecho mismo del viaje, realizado en plena época del «apartheid». De la aportación de este álbum al pop internacional nos hablan Quincy Jones, Harry Belafonte, Paul McCartney, David Byrne y Peter Gabriel.

La edición de lujo incluye una caja con dos discos con el álbum original, bonus tracks y la versión del director de «Under African Skies», el concierto en África de 1987 en DVD, dos libretos de 80 y 60 páginas y una réplica del póster original «Graceland».

En España también se publicarán las siguientes ediciones: 1) Un CD+DVD con el álbum original, el filme «Under African Skies», tres vídeos y la grabación en «Saturday Night Live 1986». de «Diamonds on The Soles of Her Shoes». 2) Blu-ray con el documental «Under African Skies», tres vídeos y la grabación en «Saturday Night Live 1986 de Diamonds on The Soles of Her Shoes». 3) Un vinilo con el álbum original, póster y código para descarga digital. 5) Cuatro configuraciones diferentes para descarga digital.

ENLACE: http://www.abc.es/20120512/cultura-musica/abci-paulsimon-201205121800.html

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España en el Festival – Nuestros representantes

Javier Escartín

Vestida de faralaes y con mantilla oscura, una risueña Conchita Bautista se subió un 18 de marzo de 1961 al escenario de Eurovisión para poner a España en Europa. Era la primera vez que nuestro país participaba en el festival, una de las vías abiertas que el franquismo utilizó para proyectar a España en el panorama internacional.El tema, «Estando contigo», compuesto por Augusto Algueró y Antonio Guijarro, logró una discreta pero meritoria novena plaza. Comenzaba así, el camino de España en Eurovisión.

52 años dando el cante en Eurovisión52 participaciones después, España sólo ha logrado el triunfo en dos ocasiones, pero es el único país histórico que desde su debut en 1961 ha participado ininterrumpidamente en Eurovisión. El primer triunfo llegó en 1968 con Massiel. «La tanqueta de Leganitos», como así se la conocía por entonces en diversos círculos sociales, acudió a Londres en la octava participación de nuestro país. Con un espectacular vestido parisino de Courrèges, zapatos bajos y medias blancas, la madrileña encandiló a toda Europa con un estribillo sencillo pero pegadizo. Y eso que, a priori, ése parecía ser el año de Cliff Richards y su «Congratulations», que además contaba con el factor de actuar en casa; de Isabelle Aubret por Francia, que ya se había proclamado ganadora del certamen en el año 62; o de Sergio Endrigo por Italia. Nadie contaba con Massiel, que quedaba reducida al grueso de los poco destacados en las apuestas.

Alemania fue la penúltima en votar, concediendo seis puntos a España y dos al Reino Unido. Massiel logró así ponerse por delante de Cliff Richards justo en la recta final de las votaciones. Yugoslavia cerró la votación, y sorprendentemente no concedió ni un solo punto a ninguno de los dos países que pugnaban por la victoria. Entonces el resultado fue definitivo: España, 29 puntos; Reino Unido, 28. Un emocionado Federico Gallo, que narró la gala para TVE, sólo pudo decir: «Señoras y señores ¡España ha ganado ante doscientos millones de telespectadores!». La parte oscura del triunfo vino con el supuesto bloqueo del franquismo a Joan Manuel Serrat, elegido en un primer momento para representar el tema en Eurovisión, o la incorrección del Dúo Dinámico, autores de la canción, que desmerecieron el triunfo de Massiel en favor de Cliff Richards.

En 1969, España se encargaría de organizar el evento, que presentaría Laura Valenzuela. Se escogió como lugar para la ceremonia el Teatro Real de Madrid. Hubo que habilitarse una sala contígua al teatro con pantalla gigante para albergar a los muchos periodistas acreditados ya que el aforo de la sala era muy pequeño para el evento. Salvador Dalí recibió el encargo de hacer el cartel promocional y el lema del festival fue «La españa diferente». Era obvio que el régimen pretendió servirse del festival ese año para consumar el lavado de imagen de nuestro país en Europa. El resultado fue satisfactorio: pese a las presiones políticas de algún país (Austria no participó en repulsa por el franquismo), España supo estar a la altura de las circunstancias y organizó uno de los mejores festivales que se recuerdan. Sólo la confusión tras la conclusión de las votaciones, con cuatro distintos ganadores, puso la nota discordante a una noche que atrajo la mirada de más de doscientos millones de personas. El «vivo cantando» de Salomé fue una de las cuatro canciones triunfadoras de la gala. La última vez que España disfrutó del éxito en Eurovisión.

En los años setenta, TVE buscó a través de grandes cantantes de nuestro país la primera plaza en el festival (Julio Iglesias, Karina, Peret, Mocedades) pero a pesar de obtener en general buenos resultados, ninguno logró de nuevo el triunfo. A punto se estuvo en 1979, cuando a España se le fue la victoria en el último suspiro. La peruana Betty Missiego obtuvo un decepcionante segundo lugar con 116 votos, ya que a falta de la última votación España ganaba a Israel por 1 punto de diferencia. Pero parece ser que el “Hallelujah” les sirvió a los israelíes para conseguir el milagro y llevarse el primer puesto gracias a los 10 votos que le concedió el jurado español. Algunos vieron en este suceso la demostración de que TVE no quería volver a organizar el festival.

Después de continuos fracasos, la popularidad del festival en nuestro país cayó en declive. Los años ochenta y noventa fueron una sucesión de fracasos, a cual más sonado. Sólo las buenas posiciones de Bravo (tercer puesto en 1984), Azúcar Moreno (quintas, en 1990), Sergio Dalma (cuarto puesto, en 1991) y Anabel Conde (segundo puesto, en 1995) reportaron alguna alegría a TVE.

En el nuevo siglo, la hornada de «triunfitos» devolvieron la ilusión por el festival. Rosa, con su célebre «Europe´s living a celebration» (2002) volvió a poner a medio país frente al televisor para seguir la gala, al igual que sucedía décadas anteriores cuando TVE era la única cadena que se podía sintonizar. El séptimo puesto cosechado en Tallin (Estonia) supo a poco para los más de doce millones de espectadores que siguieron en directo su actuación. Beth (octavo puesto, en 2003) y Ramón (décimo, en 2004) tampoco pudieron culminar la nueva ofensiva de España y las aspiraciones de un nuevo triunfo se diluyeron.

En 2009, otra triunfita sumó un nuevo fracaso al bagaje español. Soraya, con «La noche es para mí», obtuvo un penúltimo puesto a pesar de que las apuestas concedían a la extremeña mayores aspiraciones. En 2010, Daniel Diges supo aprovecharse de la irrupción de Jimmy Jump en el escenario de Oslo para lograr una merecida 15ª posición. Pero el año pasado, España de nuevo ocupó su habitual lugar en el bottom 5, con una deshinibida Lucía Pérez y su profética canción “Que me quiten lo bailao”. Este año, TVE apuesta por un valor seguro, una de las mejores voces que atesora nuestro país. Pastora Soler se cita con el destino en Baku para recuperar la alegría por el festival. Y es que los ecos del “la la la” ya quedaron muy lejos.

ENLACE: http://www.abc.es/especiales/eurovision/espana-en-el-festival/

CONCIERTO | Inicio de su gira europea

Eva Díaz Pérez | Sevilla
lunes 14/05/2012

Ya se ha encargado de anunciarlo y las letras lo confirman. Bruce Springsteen quiere que su nuevo álbum ‘Wrecking Ball’ sea el himno para esta época de crisis. Este domingo en Sevilla sus fans coreaban las letras para una generación, aprendidas a base de pasión, fidelidad y entusiasmo, confirmando lo que pretende el cantante de Nueva Jersey: ilustrar con música la crónica de un tiempo, quizás adentrarse en el vientre de su propia época para escribirla, un cronotopos con el que quizás los del futuro puedan adivinar qué se coció en estos años.

Y qué mejor lugar para sugerir el himno de esta época que el territorio donde se cuece a fuego lento esta crisis: Europa. Sevilla, la Europa meridional que está sufriendo con más fuerza este ciclo de negrura, fue la primera plaza de este continente que vaga sonámbulo y sin certezas.

Comenzó con la canción ‘Badlands’ para continuar con ‘We take care of our own’, que es toda una declaración de principios, de grito de rabia contra lo que está ocurriendo. El ‘Boss’ más comprometido y entregado a la lucha. Por eso dedicó incluso una canción de su nuevo álbum, ‘Jack of all trade’, a los indignados del 15-M, consciente de estar cantando en las vísperas de un acontecimiento que le ha cautivado.

«También le dedicamos este tema a ustedes que están luchando duramente aquí en el sur de España. Demasiada gente ha perdido sus trabajos y sus casas. Aquí en Europa, los malos tiempos son incluso peores. Nuestro corazón está con vosotros». A esas alturas el público estaba arrodillado ante el ‘Boss’ como si ya hablara desde un fabuloso altar laico.
‘Qué alegría vernos otra vez’

Sevilla acogió sin reservas a Springsteen que además saludó en un castellano casi perfecto, recordó su anterior concierto en la ciudad en julio de 2009 e incluso explicó la historia y el alma de algunas canciones. «Sevilla, qué alegría vernos otra vez», dijo ante los más de treinta mil espectadores que se reunieron para escucharlo.

El ‘Boss’ y la E Street Band hechizaron en este primer concierto de la gira con la que recorrerá el continente que espera, al menos, una canción para el consuelo. Como suena en su canción ‘Death to my hometown’ (Muerte a mi ciudad): «Prepárate para cuando lleguen (…) consigue una canción para cantar (…) envía a los tiranos sin escrúpulos directos al infierno».

Los toques folk de esta canción y sus trepidantes ritmos cautivaron a un entregado público que llenó el Estadio Olímpico de Sevilla. El estadio abierto al cielo en una elipse parecía una olla a presión con una nube de bochorno suspendida que aspiraba vapores de emoción y música. Hacía, calor mucho calor, como ya previno el día anterior en la prueba de sonido entre bromas jocosas –»oleré como un perro»-, pero daba igual.

Una atmósfera mágica y caliente animaba a los fans que traen en su memoria la música de varias generaciones: los acordes legendarios de ‘The River’ o esa entraña de los clásicos que tiene ‘Born to Run’, con aquella fotografía mítica de Bruce apoyado en el hombro de su saxofonista Clarence Clemons y que ilustra un álbum que es el imaginario de toda una época. Aunque Clarence ya no esté para estremecer con su saxofón.

A la E Street Band le falta el alma, qué duda cabe: Clarence Clemons, el saxonista de los dioses, el ‘big man’ que forma parte de la leyenda Springsteen murió en junio del año pasado y su ausencia se nota. «¿Echáis de menos a alguien?», dijo refiriéndose a su entrañable amigo al que dedicó un final de concierto apoteósico con el tema clásico ‘Tenth Avenue Freeze-out’ mientras aparecían sobre las pantallas gigantes fotografías del Boss y Clemons en conciertos recordados.
Jack Clemons, a la altura de su tío

Tal vez su espectro siga vagando sobre los escenarios. En algunas ocasiones, pareció que seguía tocando con sus notas de escalofrío. Sin embargo, su sobrino Jack Clemons -‘the little big man’- estuvo a la altura, a pesar de que sabe que todos los oídos están pendientes de su actuación, de la resolución de sus solos, de su presencia en los escenarios. Ahora comienza su leyenda…

Y cumplieron con su leyenda el bajo de Garry Tallent, la batería de Max Weinberg, el piano de Roy Bittan, el violín de Soozie Tyrell y las guitarras de Nils Lofgren y Stevie van Zandt. También el resto de músicos y el coro de voces entre el soul y el gospel que acompañaron a Springsteen en canciones del nuevo álbum como la maravillosa ‘Rocky Ground’.

La gente se entregó desde el principio, pero el concierto fue in crescendo. Sorprendieron y gustaron las canciones de su nuevo álbum ‘Wrecking Ball’, que da título a la gira. Son pegadizas, tienen el ritmo del más puro Bruce Springsteen y además guardan el secreto de buenas letras que están hechas para hornearse y deleitarse en estos tiempos donde un buen concierto puede resultar la más deliciosa manera de evadirse.

Eso sí, no se trata de un entretenimiento frívolo, ahí esta el ‘Boss’ para hacer que sus letras de denuncia sirvan como emblema de la lucha en marcha. Y qué mejor que estos días en los que Europa -esta pobre Europa- vuelve a salir a las calles para tomar las plazas y el protagonismo de su propia Historia. Hubo soul, folk con recuerdos de baladas irlandesas, ritmo trepidante de rock a cielo abierto, de paisajes convulsos de estadios llenos y enfebrecidos y ese heartland que evoca larguísimas carreteras de la América profunda.
Cuatro ciudades más en España

Después del concierto de Sevilla, Bruce Springsteen viajará a Las Palmas (15 de mayo), Barcelona (18 y 19 de mayo), San Sebastián (2 de junio) y Madrid (17 de junio) para recorrer toda Europa y terminar en Helsinki el 31 de julio.

La gira continuará luego por ciudades de Estados Unidos hasta concluir en Nueva Jersey, ciudad natal del cantante, y además en el estadio de East Rutherford, el MetLife, el nuevo estadio que surgió del antiguo Giants Stadium –en el que el artista ha tocado en muchas ocasiones– y cuya demolición inspiró precisamente la canción escrita en 2009 que da título al tour: ‘Wrecking Ball’ (Bola de demolición).

Una demolición que sirve para narrar muchas cosas, muchos cambios, muchas ausencias, momento simbólico que Springsteen quiere que sirva para cantar este tiempo: «Cuando todo este acero y estas historias se devanezcan entre el óxido y toda nuestra juventud y belleza se conviertan en polvo y tiempos duros lleguen, trae tu bola de demolición». Este domingo, en Sevilla, el ‘Boss’ enseñó a Europa la fuerza de rabia que debe tener esa bola con la que demoler los tiempos infaustos.

ENLACE: http://www.elmundo.es/elmundo/2012/05/14/cultura/1336955557.html

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Fue miembro de Booker T. and the MGs y de los Blues Brothers.

Por Miriam Coleman

Donald ‘Duck’ Dunn.

Donald ‘Duck’ Dunn, bajista de la influyente banda de estudio de Booker T. and the MGs, ha muerto esta mañana –domingo13 de mayo- a la edad de 70 años. Dunn estaba en Japón en ese momento, tocando en una serie de conciertos en el Blue Note de Tokio. Steve Cropper, un amigo de Dunn y su compañero de banda que estaba en la misma gira en Japón, ha sido el que anunció la muerte del bajista en su Twitter: «Hoy he perdido a mi mejor amigo, el mundo ha perdido el mejor hombre y bajista que haya existido jamás. ‘Duck’ Dunn murió mientras dormía la mañana del domingo 13 de mayo en Tokio, Japón, después de tocar dos conciertos en el Blue Note”, dijo Crooper.

Dunn nació en Memphis, Tennessee, en 1941. Conoció a Cropper en la escuela secundaria, donde los dos formaron su primera banda, Royal Spades. Después cambiaron su nombre a los Mar-Keys y obtuvieron un gran éxito en 1961 con la canción Last Night. En 1964, Cropper invitó a Dunn a unirse a Booker T. and the MGs, la banda de estudio oficial del sello Stax. Mientras que la banda tuvo una serie de éxitos instrumentales propios, incluyendo Green onions y Time is tight, su papel de apoyo fue fundamental para importantes estrellas de Stax, como Otis Redding, Staple Singers y Sam & Dave. El grupo ayudó a definir el sonido del soul sureño.

Cuando Booker T. and the MGs se separó en 1971, Dunn encontró trabajo tocando como músico de sesión, grabando con Eric Clapton, Levon Helm y Bob Dylan, entre otros. En 1978, Dunn y Cropper, se unió a Dan Aykroyd y John Belushi como banda oficial de los Blues Brothers.

Como miembro de Booker T. and the MGs Dunn fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.

Os dejamos con el gran éxito de Booker T. and the MGs: Green Onions, donde podemos ver en acción a un jovencísimo Donald ‘Duck’ Dunn.

ENLACE: http://rollingstone.es/noticias/view/muere-a-los-70-anos-donald-duck-dunn-uno-de-los-mejores-bajistas-del-mundo

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El cantante presentará su último disco ‘1’, un recopilatorio de sus grandes éxitos

Música | 10/05/2012 – 16:15h

Barcelona. (EFE).- El cantante Julio Iglesias ofrecerá dos conciertos en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona, los días 2 y 4 de julio, para presentar su último disco 1, un recopilatorio de sus grandes éxitos, ha informado hoy la promotora Concert Studio.

En 1, un doble CD que salió a la venta el pasado noviembre, Iglesias presenta 32 canciones que el cantante y compositor español ha vuelto a interpretar y a grabar, y que le han convertido en uno de los artistas de más éxito internacional.

El disco ya es multiplatino en España, Brasil y todos los países de habla hispana, indica la promotora.

Julio Iglesias ha señalado que el álbum está dedicado «a tantas gentes anónimas que, durante 43 años», le han acompañado «con generosidad y cariño», y le han dejado «cantar hasta hoy», y que han sido «el gran motor» de su carrera.

El cantante actuará en el Gran Teatro del Liceu tras haberlo hecho en mayo del pasado año, cuando ofreció otros dos conciertos en el coliseo barcelonés.

ENLACE:  http://www.lavanguardia.com/musica/20120510/54291991437/julio-iglesias-liceu.html

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«Más que un bailarín, el líder de los Stones es un ‘showman’, con un estilo muy propio», afirma la biógrafa Lydia Azzopardi

Rolling Stones ‘ 50 | 12/05/2012

Jagger en plena perfomance de Street Fightin' Man en el Grand Garden Arena de Las Vegas, una década atrás Ethan Miller / Reuters

Maricel Chavarría / Barcelona

Pretender que los movimientos espasmódicos de Mick Jagger lo convierten en un bailarín digno de estudio es tal vez ir demasiado lejos. El cantante de los Stones no es a la danza, ni mucho menos, lo que fue Michael Jackson. Ahora bien, su elocuencia gestual y sus movimientos eléctricos llegaron cargados de significado, en plena década de los sesenta. Por otra parte, cincuenta años sobre el escenario dan para mucho. Tanto como para considerar que la actitud corporal de Jagger ha marcado la estética del rock tal como lo conocemos. Vitalidad, provocación, rebeldía, sensualidad, desesperación… y hasta un cierto peterpanismo definen el papel del cantante solista. Si puede ser, en un cuerpo fibroso y eléctrico. La expresión misma del sueño de la eterna juventud.

«Más que un bailarín, Jagger es un ser en movimiento, energético y sexual. Su cuerpo es una extensión visual de la música», apunta el coreógrafo Wayne Eagling, director del English National Ballet. «Se mueve por instinto, lleva su arte a un nivel físico con toda naturalidad. Quizás rítmicamente no sea muy bueno, pero lo cierto es que es un espíritu libre: él se mueve así, como aquél que habla con un acento determinado».

Cuenta Keith Richards en su autobiografía, Vida, que los movimientos de Jagger tienen mucho que ver con el hecho de que los Stones, en sus inicios, tocaran en escenarios pequeñísimos. «Dale a Mick Jagger un escenario del tamaño de una mesa y lo hará mejor que nadie, excepto tal vez James Brown -escribe Richards-. Twist, giros, unas maracas… y venga ya. Solía dar vueltas alrededor nuestro porque no tenía más espacio. Si movías la guitarra, le dabas a alguien en la cara (…). Me asombraba que pudiera hacer tanto en tan poco espacio. Era como ver danza española».

¿Bebió aquel Jagger primerizo del baile de los músicos negros igual que de su forma de cantar? «No, él quería cantar como un negro, pero no tanto bailar como ellos», dice la coreógrafa Lydia Azzopardi. «Su atractivo no estaba tanto en sus pasos, porque parecía que daba patadas. Pero era una torpeza atractiva. Un estilo muy propio que no se puede comparar a James Brown. Más que un buen bailarín, Jagger es un showman».

Sin embargo, al divo no se le escapó detalle viendo a James Brown en el Apollo, según cuenta Richards. «Mick se fijaba mucho en el movimiento de sus pies. Sacó más partido viendo aquel concierto que yo sobre qué suponía ser el cantante solista, sobre cómo bailar». Pero Jagger se fijó, sobre todo, en cómo Brown chasqueaba los dedos y todos le hacían caso. Le fascinó el liderazgo.

«Jagger tenía un movimiento muy personal, con sus caderas serpenteantes y ese modo energético de estar sobre el escenario. Le vi en 1964, cuando intentaba contaminarse del rythm & blues y la Tamla Motown, y se deslizaba de aquella manera tan típica». Lo cuenta Azzopardi, natural de Londres y una de las adolescentes que vivió en primera persona aquellos directos de los Stones. «Sin embargo, encontró su estilo en lo más explosivo, moviéndose de derecha a izquierda y yendo de aquí para allá, con sus piernas delgaditas y sus caderas expresivas».

A finales de los setenta y principios de los ochenta, cuando empezaron a actuar en grandes estadios, Jagger se olvidó de lo bueno que era en un metro cuadrado. Richards le acusa de haber comenzado a disiparse y de actuar de forma antinatural. «La gente quiere ver eso, espectáculo: pero eso no es necesariamente lo que él sabe hacer mejor», escribe Richards. Pero Jagger, muy competitivo, quería probar nuevas cosas, moverse como Bowie, vestirse de manera extravagante… Y en cuanto los shows se volvieron gigantescos, le dio por correr por las rampas, ávido de llenar el espacio. Lo eléctrico se tornó atlético.

Pero volvamos a sus inicios, en los que su boca, su rostro y toda su expresión acentuaban su movimiento salvaje. Años en que, cuando nadie bailaba, él ya lo hacía. Fue cuando los guateques se contaminaban con la ambigüedad sexual del Stone, cuyos pantalones de terciopelo enloquecían a las chicas.

«Jagger pertenece a una genealogía en la que los bailes sociales dejaron de ser de pareja para pasar a ser individuales, conectando con una emancipación de todas las etiquetas y protocolos: el twist, el boogie y la agitación eran para las generaciones anteriores danzas psicóticas». Lo explica el profesor de Teoría de la Danza Roberto Fratini. Primero, Elvis Presley; después, Jagger y luego, Ian Curtis, de Joy Division, convirtieron la danza en la expresión de un desenfreno inarmónico del cuerpo, porque respondía a una música de agitación cuyo objetivo era desmelenar el protocolo de participación de la danza. El cuerpo debía conectar con la electricidad, que la chispa de la vida lo sacudiera.

«Se usaba el cuerpo de modo expresionista y la de Jagger era una mueca corpórea», añade Fratini. Ahí, cuando la música popular deja de ser melódica, empieza a asociarse a un look específico, una imagen más integrada en la que los músicos parecían poseídos, afectados por la música, en el contexto de la liturgia del rock», añade.

«Es cierto que el mejor bailarín sobre el escenario musical ha sido Michael Jackson, pero Mick era algo fuera de lo común, y blanco», recuerda Azzopardi. «Y a sus 68 sigue moviéndose, nadie ha superado su energía en escena». Sin ir más lejos, actuó en febrero en la Casa Blanca, frente a Barack Obama. Véanlo en Youtube. Jagger jadea, pero no más que un cuarentón poco entrenado.

ENLACE: http://www.lavanguardia.com/cultura/rolllingstones/20120512/54292285348/mick-jagger-desenfreno-corporal-cambio-rock.html

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El musical «Beatles, la leyenda» vuelve a Madrid, al teatro Arteria Coliseum, para homenajear al cuarteto de Liverpool en su 50 aniversario, con proyecciones inéditas sobre la historia de la banda.

Paul McCartney - Foto: Gtres

10 Mayo 12 – Madrid – Efe

larazón.es

El espectáculo, que podrá verse desde hoy y hasta el 13 de mayo, contará con una serie de proyecciones inéditas sobre los Beatles, que serán narradas por Ramón Langa, conocido por doblar a Bruce Willis y Kevin Costner.

«Los Beatles nos gustan muchísimo. Hemos nacido y crecido con ellos. Han marcado las directrices artísticas que han inspirado a todas las generaciones posteriores a ellos», ha señalado a Efe el productor y director del musical, Eliseo Peris.

El repertorio del musical está compuesto por 34 canciones entre ellas «She loves you», «Yellow submarine» o «Let It be», que prometen hacer revivir a los más devotos seguidores de los Beatles grandes momentos.

El grupo «Beat Beat Yeah», formado por José Manuel Simón, Javier Polo, Coke Belda y Fernando López es el encargado de dar vida a la legendaria banda en esta versión de «Beatles, la leyenda».

«Es una gran responsabilidad interpretar a un grupo del que soy seguidor desde los once años. Por ello,»Beat Beat Yeah» ha querido ser muy fiel a su estilo intentando recrear exactamente lo que suena en sus discos», ha señalado uno de los miembros del grupo Polo.

La coreografía de «Beatles, la leyenda», que pondrá en escena a ocho bailarines, corre a cargo de Laura García, conocida por los musicales «Lord of de drums» y «Musical 80s».

El espectáculo, que se estrenó por primera vez en España en 2004, viajará, una vez que termine sus representaciones en Madrid, por Barcelona, Valencia y Bilbao aunque aún no hay fechas cerradas.

ENLACE: www.larazon.es/noticia/3615-el-musical-beatles-la-leyenda-regresa-a-madrid

Bruce Springsteen y la E Street Band durante el concierto de gira 'Wrecking Ball', en Atlanta AP

En el Estadio de La Cartuja, 120 trabajadores se afanan para que nada falle este domingo ante 30.000 espectadores

Cultura | 09/05/2012 – 18:32h

Víctor Bejarano

Sevilla Redactor de información local

Este domingo Sevilla recibe por segunda vez la visita de Bruce Springsteen. El escenario que acogerá a The Boss en el Estadio Olímpico de La Cartuja va tomando forma a pasos agigantados.

En realidad son dos grandes escenarios para esta primera cita de Springsteen en Europa, en la que presenta su último álbum, Wrecking Ball, el cual acaba de promocionar en una maratoniana gira por EEUU. El repertorio del concierto girará en torno a este último CD, aunque Springsteen es conocido por dejar mucho margen a la improvisación y promete sorprender al público en la elección de otros temas más clásicos. En la memoria de los seguidores estará sin duda el recuerdo del mítico saxofonista de la E Street Band, Clarence Clemons, que falleció en junio del año pasado.

Los sevillanos aún recuerdan el buen sabor de boca que les dejó la anterior visita de The Boss, a pesar del calor de infarto que reinaba en el estadio aquel 28 de julio de 2009. Las cifras que rodean el montaje también hacen presagiar un espectáculo a la medida. Según la promotora, hasta ahora se han vendido tres cuartas partes de las entradas disponibles, unas 40.000, cifra muy similar a la registrada en el concierto de 2009. De estas, un 40 por ciento corresponde a público sevillano, mientras que el resto procede de otros puntos de España.

Hasta la capital andaluza se han trasladado 28 camiones y un equipo internacional de 120 personas que trabajan en el montaje del escenario y el sonido. La escenografía desplegará  alrededor de 120.000 vatios de sonido y otros 600.000 de iluminación. Además, el evento prevé generar 500 empleos en los servicios asociados, tales como la seguridad, la limpieza y catering. Después de Sevilla, el Boss actuará en Las Palmas, Barcelona, San Sebastián y Madrid.

ENLACE: http://www.lavanguardia.com/cultura/20120509/54291796166/arranca-domingo-sevilla-nueva-gira-springsteen.html

ENLACE:http://www.abc.es/20120509/cultura-musica/abci-village-people-recuperan-derechos-201205091048.html

Recibirán el galardón de manos del Rey Carlos Gustavo de Suecia el próximo 28 de agosto en el Konserthus de Estocolmo

AP - Paul Simon, durante un concierto al aire libre el el Central Park neoyorquino

ENLACE: http://www.abc.es/20120508/cultura-musica/abci-polar-paul-simon-201205081100.html

Lo hará en la explanada del Guggenheim como aperitivo del Bilbao BBK Live

Ángel de Antonio - Dylan, en el Rock in Rio de Madrid, en 2008

El cantautor estadounidense, que posee cinco Grammys, popularizó el tema ‘You’ve Got a Friend’, escrito por su gran amiga Carole King

Lavanguardia.com | 04/05/2012

Barcelona. (EFE).- El cantautor norteamericano James Taylor, muy conocido por su versión del tema You’ve Got a Friend, de Carole King, actuará el próximo viernes en el Palau de la Música Catalana dentro de Festival Mil.leni, según han informado los organizadores del festival.

Sus cinco premios Grammy y los más de 50 millones de discos vendidos a lo largo de su carrera son algunos de los avales con que cuenta este prestigioso músico, que forma parte del Salón de la Fama del Rock And Roll y que el pasado mes de marzo recibió además la Medalla Nacional de las Artes de los EEUU.

Considerado uno de los precursores de la ola de cantautores de los años 70, Taylor ha compuesto canciones históricas, conocidas por su tempo suave y sensible, como Fire and Rain, Country Road, Something in the Way She Moves o Carolina In My Mind y, en 1971, popularizó el tema You’ve Got a Friend, escrito por su gran amiga Carole King.

Todos ellos están incluidos en su disco de 1976 Greatest Hits, el más exitoso de su carrera hasta la fecha y uno de los pocos álbumes que han conseguido la categoría de disco de diamante en EE.UU.

El grupo británico cerrará, el 14 de julio, el Festival de Guitarra de Córdoba

M. de la Fuente / Madrid
ABC.es – 04/05/2012

ABC - Actual formación de Jethro Tull. En el centro, el carismático Ian Anderson

Jehtro Tullson uno de los grandes de la historia del rock. Más de cuarenta años de carrera en la que siempre ha sonado la flauta, la flauta de Ian Anderson, su carismático y estrambótico líder, uno de esos tipos inclasificables e inverosímiles, capaz de llenar un escenario él solito.

Y uno de esos escenarios (actualmente están de gira por Gran Bretaña y pronto por Europa) afortunadamente va a ser español, el del Festival de la Guitarra de Córdoba cuya 32 edición van a cerrar, precisamente, los Jethro, el día 14 de julio.

La banda de Ian Anderson, además, está de aniversario y está de estreno. De aniversario, porque se cumplen cuarenta años de la publicación de uno de sus discos emblemáticos, «Thick as a brick», y de estreno porque hace unas pocas fechas que han publicado la continuación de ese álbum, «Thick as a brick 2».

Rock progresivo, mezcla de folclore y música medieval británicos, mucha potencia, mucho baile, y mucha pegada aportarán los Jethro a la muestra cordobesa por la que también van a desfilar otros destacados artistas. Entre ellos, John Scofield, Serrat y Sabina, Luar Na Lubre, Saratoga, el cantaor Miguel Poveda y Amaral.

Cómo ‘La naranja mecánica’ influyó en el ‘look’ de Jagger y Richards | En Liverpool nadie se cree el mito de los Beatles buenos y los Stones malvados

Rolling Stones ‘ 50 | 05/05/2012

John Lenon y Mick Jagger, en una de sus frecuentes apariciones conjuntas - Archivo

Andy Robinson | Liverpool

Lavanguardia.com – Enviado especial

No es fácil hablar de los Rolling Stones en Liverpool. No porque no gustase su música, sino porque siendo uno de Liverpool, cuesta creerse aquel poderoso mito de que los Beatles eran cuatro chicos buenos y los Stones cinco chicos malos. El mito ha recorrido el mundo durante 50 años creando role models para adolescentes desde Delhi a Dallas, desde Tokio a Tarragona.

En España, ser de Jagger y Richards venía a ser una seña de identidad revolucionaria frente a los conformistas ye ye de la beatelmania. «Los Beatles cantaban I wanna hold your hand, (quiero sujetar tu mano) a nosotros, nos gustaban más los Stones porque querían sujetar otras partes del cuerpo», afirmó Dick Waterman, manager de bluesmen diversos que viajó con los Rolling Stones en su gira europea de 1970.

Pero aquí, en Liverpool, la idea no cuadra. Ni tan siquiera en la nueva colección del merseybeat del vanguardista Museo de Liverpool abierto este año. Los chicos buenos brillan por su ausencia cuando recorres el viejo dockland, detrás del icónico Liver Building y los clubes nocturnos, donde John Lennon compraba sus discos de rhythm and blues y rock and roll a marineros norteamericanos antes de que estos se perdiesen en Lime Street entre prostitutas. Mujeres como Maggie May, la protagonista de la canción skiffle que John Lennon y los Quarrymen cantaron a los dieciseis años, cuando conocieron a Paul McCartney

Tampoco hay muchos chicos buenos cuando recorres la historia oscura de violencia urbana que siempre convive con la cultura bohemia de poetas como Adrian Henri, del teatro alternativo y de la música rompedora de Liverpool, una oscuridad ambiental que no era ajena a la compleja psicología de Lennon. Chicos graciosos, irónicos, eso sí; pero buenos…

Ese no es el recuerdo de quienes iban al Cavern Club en Matthew Street a ver a aquellos que, con peinado rockabilly y pantalones de cuero, tocaban de espaldas al público. «Liverpool era una mezcla de rock y violencia entre 1959 y 1963», explica Gerry Marsden, de Gerry and the Pacemakers en una de las entrevistas concedidas con ocasión de la inauguración este año del nuevo museo. «Hubo 400 grupos de merseybeat y podías tocar en un club distinto cada noche durante un año entero». El circuito del rhythm and blues londinense que recorrían los Rolling Stones parecía, en comparación, provinciano.

Sólo Hamburgo podía competir con Liverpool en aquellos años. Era justo cuando Keith Richards, con unos tiernos 19 años, iniciaba una relación «cariñosamente inocente» (según confiesa en su autobiografía Vida) con su primera novia, Lee Mohamed. Los Beatles estaban en otra honda: «¿Has visto el Satyricon de Fellini? Pues Hamburgo era así», le dijo Lennon a Jay Wenner, de la revista Rolling Stone, en la famosa entrevista de 1971.

En realidad, la dicotomía chico bueno-chico malo, Beatles contra Rolling Stones, es una fabricación de mercadotecnia de dos brillantes relaciones públicas. El primero de ellos fue Brian Epstein, el vendedor de discos de vinilo de Merseyside, logró convertir a los Beatles en el grupo que enamoraba hasta a la abuela, salvando así la brecha generacional que el propio cuarteto había abierto (She’s leaving home). «Epstein nos enfundó dentro de trajes y nuestra música en directo murió», llegó a decir Lennon.

Y luego llegó Andrew Loog Oldham -más maquiavélico que Epstein-, que buscaba, en 1962 y 1963, un grupo que cumpliera con sus planes de crear un alter ego nihilista y misántropo (quizás también misógino) que contrarrestara las acarameladas sonrisas de los fab four. Es decir, un conjunto ideado a partir de la novela La naranja mecánica, de Anthony Burgess, tal como Oldham admite en una entrevista telefónica concedida esta semana a La Vanguardia desde su residencia de Bogotá: «La naranja mecánica fue uno de los culpables, desde luego», explica. «Para aquel cambio de imagen, me dejé influir por varias cosas, como la novela ¿Por qué corre Sammy?, de Budd Schulberg, que cuenta la historia de un joven que llega al éxito apuñalando a otros por la espalda».

Oldham aun defiende lo que Epstein y él crearon: «Lo de los chicos buenos y los chicos malos es tan viejo como mi abuelo. Para cada Elvis hay un Pat Boone. Para cada Cliff Richard hay un Billy Fury… Eso explica tu identidad a tus padres, y a tus amigos. Si te gustaban los Beatles, eso explicaba quién eras», dice, aún hoy dando por bueno su propio mito. «Y si te gustaban los Rolling Stones, estabas lanzando una advertencia al mundo…»

El problema para Oldham y los Stones era que -a diferencia de ellos- los Beatles jamás cumplían con su estereotipo de marketing. Cada vez más influido por el LSD, Lennon componía canciones que llevaban a los fab four a lugares oscuros que los Stones jamás alcanzarían. «Let me take you down where I’m going to…», cantaba en Strawberry fields, en 1967. Todo un descenso psicodélico a lo desconocido.

Y cuando los Beatles crearon el extraordinario Sergeant Peppers en 1967, los Stones respondieron con su Satanic Majesties, una imitación tan mala que el propio Richards califica ahora de «un montón de mierda». No era el único plagio mal hecho: «Todo lo que hacíamos nosotros entonces, lo hacían ellos (los Stones) dos meses después», dijo Lennon en la misma entrevista.

Richards se jacta en su libro de haber tenido más aguante con la droga que Lennon. Pero los Stones jamás lograron trasladar sus viajes de conciencia a sus canciones, como sí hicieron los Beatles en Sergeant Peppers. Con ocasión de For the benefit of Mr. Kite, Lennon tomó LSD y escribió una letra surrealista que recuerda al Adrian Henri de Liverpool. Intentó explicar la experiencia al productor George Martin, describiendo imágenes de infancia en parques de atracciones. Los dos introdujeron la grabación de un órgano de feria, y, luego, trocearon la cinta, recomponiéndola al azar dadaísta para dar el sonido onírico al tema. En comparación con esto, los Stones parecían un grupo del montón con un rock cada vez más previsible…

Las entradas saldrán a la venta el próximo 8 de mayo

The Beach Boys, uno de los grupos más legendarios del mundo, arrancará su gira europea, en la VII Edición de Músicos en la Naturaleza. El Festival se ha convertido en una referencia en el panorama musical a nivel internacional, tanto por el lugar, la Sierra de Gredos, como por la organización y los grupos que han pasado por el escenario ubicado en la Finca de Mesegosillo.

Los Secretos serán los primeros en subirse al escenario de Hoyos del Espino (Ávila) el próximo 21 de julio