Busqueda para diciembre, 2012

Phil Spector, el number one de la música ?

Esta semana ha cumplido años, no se sabe cuantos ya que hay dudas en la fecha de su nacimiento, el quizás más grande músico de la historia de los años 60 y 70, el gran Phil Spector.

Harvey Philip Spector que así se llamó al nacer, es un músico y productor estadounidense, conocido por su técnica de orquestación, el “muro de sonido” (wall of sound), consistente en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y único.

Phil comenzó su carrera musical como integrante de los Teddy Bears. En 1958 una canción suya tuvo un gran éxito “To know him is to love him”.

Pasándose poco después a la producción musical, especializándose en grupos femeninos como The Crystals (“Da Doo Ron Ron (When He Walked Me Home)” y The Ronettes “Be My Baby”.

Algunas de las canciones mas famosas de los años 60 como “You’ve Lost that Lovin’ Feelin” de los Righteous Brothers, y “River Deep, Mountain High”, de Ike y Tina Turner fueron de su propia cosecha.

En 1970 John Lennon le pide en 1970  que ayude a The Beatles en la publicación del  “Let it be”.

Durante la decada de los setenta produce para artistas como John Lennon, Leonard Cohen, George Harrison  y los Ramones.

Hoy en día, Phil Spector, está cumpliendo condena de 19 años por homicidio en segundo grado  el 13 de abril de 2009.

En el siguiente video se puede ver un pequeño, muy pequeño, resumen de algunas de sus innumerables canciones.

Selección de albumes y singles en los Phil Spector tuvo todo que ver:

Álbumes
1959: The Teddy Bears Sing – The Teddy Bears
1963: A Christmas Gift for You from Phil Spector – Various Artists
1963: Twist Uptown – The Crystals
1963: He’s A Rebel – The Crystals
1964: Presenting the Fabulous Ronettes Featuring Veronica – The Ronettes
1965: Ronettes – The Ronettes
1966: River Deep – Mountain High – Ike and Tina Turner
1970: Let It Be – The Beatles
1970: All Things Must Pass (co-producer) – George Harrison
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – Yoko Ono and The Plastic Ono Band
1971: Imagine (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band
with the Flux   Fiddlers
1971: The Concert for Bangla Desh (co-producer) – George Harrison and Friends
1972: Some Time in New York City (co-producer) – John Lennon and Yoko Ono
With Elephant’s Memory plus Invisible Strings
1975: Rock N’ Roll (co-producer) – John Lennon
1975: Born To Be With You – Dion
1977: Death of a Ladies’ Man – Leonard Cohen
1980: End of the Century – Ramones
1981: Season of Glass (co-producer) – Yoko Ono
1986: Menlove Ave. (co-producer) – John Lennon
1991: Back to Mono (1958-1969) (Box set compilation) – Various Artists
2003: Silence Is Easy (co-producer) – Starsailor

Sencillos
“To Know Him Is to Love Him” – The Teddy Bears (12/01/58, #1)
“Corrine, Corrina” – Ray Peterson (1/09/61, #9)
“Pretty Little Angel Eyes” – Curtis Lee (8/07/61, #7)
“Every Breath I Take” – Gene Pitney (9/11/61, #42)
“I Love How You Love Me” – The Paris Sisters (10/30/61, #5)
“Under the Moon of Love” – Curtis Lee (11/27/61, #46)
“There’s No Other (Like My Baby)” – The Crystals (1/22/62, #20)
“I Could Have Loved You So Well” – Ray Peterson (1/27/62, #57)
“Uptown” – The Crystals (3/03/62, #13)
“He Knows I Love Him Too Much” – The Paris Sisters (3/10/62, #34)
“Let Me Be the One” – The Paris Sister (5/26/62, #87)
“Second Hand Love” – Connie Francis (6/09/62, #7)
“He’s A Rebel” – The Crystals (11/03/62, #1)
“Zip-a-Dee-Doo-Dah” – Bob B. Soxx & the Blue Jeans (1/12/63, #8)
“He’s Sure the Boy I Love” – The Crystals (1/19/63, #11)
“Puddin N’ Tain (Ask Me Again, I’ll Tell You the Same)” – The Alley Cats (2/16/63, #43)
“Why Do Lovers Break Each Other’s Hearts” – Bob B. Soxx and the Blue Jeans –  (3/30/63, #38).

“(Today I Met) The Boy I’m Gonna Marry” – Darlene Love (5/11/63, #39)
“Da Doo Ron Ron (When He Walked Me Home)” – The Crystals (6/08/63, #3)
“Not Too Young to Get Married” – Bob B. Soxx and the Blue Jeans (7/13/63, #63)
“Then He Kissed Me” – The Crystals (8/17/63, #6)
“Wait ’Til My Bobby Gets Home” – Darlene Love (9/07/63, #26)
“Be My Baby” – The Ronettes (10/12/63, #2)
“A Fine Fine Boy” – Darlene Love (11/23/63, #53)
“Christmas (Baby, Please Come Home)” – Darlene Love
“Baby, I Love You” – The Ronettes (2/01/64, #24)
“(The Best Part of) Breakin’ Up” – The Ronettes (5/16/64, #39)
“Do I Love You?” – The Ronettes (8/01/64, #34)
“Walking In the Rain” – The Ronette (12/05/64, #23)
“You’ve Lost That Lovin’ Feelin'” – The Righteous Brothers (2/06/65 #1, UK #1)
“Just Once in My Life” – The Righteous Brothers (5/15/65, #9)
“Unchained Melody” – The Righteous Brothers (8/28/65, #4)
“Ebb Tide” – The Righteous Brothers (1/08/66, #5)
“River Deep – Mountain High” – Ike and Tina Turner (6/18/66, #88 UK #3)
“Love Is All I Have to Give” – The Checkmates, Ltd. (5/03/69, #65)
“Black Pearl” – The Checkmates, Ltd. (7/05/69, #13)
“Proud Mary” – The Checkmates, Ltd. (11/01/69, #69)
“Instant Karma (We All Shine On)” – John Lennon (3/28/70, #3)
“The Long and Winding Road”/”For You Blue” – The Beatles (6/13/70, #1)
“My Sweet Lord” – George Harrison (12/26/70, #1)
“What Is Life” – George Harrison (3/27/71, #10)
“Power To The People” – John Lennon/Plastic Ono Band (5/15/71, #11)
“Try Some, Buy Some” – Ronnie Spector (5/22/71, #77)
“Bangla-Desh” – George Harrison (9/11/71, #23)
“Imagine” – John Lennon (11/13/71, #3)
“Rock ‘n’ Roll High School” – Ramones (8/04/79, UK #67)
“Baby, I Love You” – Ramones (2/04/80, UK #8)
“Do You Remember Rock ‘n’ Roll Radio?” – Ramones (5/16/80, #54)
“Unchained Melody – The Righteous Brothers (10/20/90 Reissue, #13)
“Silence Is Easy” – Starsailor (01/09/03, UK #8)

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Fontella Bass, gloriosa voz negra

La creadora de ‘Rescue me’ comenzó y terminó cantando música religiosa

Diego A. Manrique 28 Dic 2012 – 01:56 CET

Fontella Bass, cantante de soul, en los años setenta. / FIN COSTELLO (GETTY)

Fontella Bass murió el miércoles 26 de diciembre en su St. Louis natal; tenía 72 años y había sufrido un ataque al corazón a principios de mes. Cantante de poderosa garganta, rica en recursos expresivos, Fontella está identificada por Rescue me, arrollador tema de soul que ella ayudó a componer. Éxito global a mediados de los sesenta, se trata de una de esas piezas que han terminado retratando aquella década, por su impetuosa línea de bajo y su urgente mensaje.

Para muchos, por tanto, podría encarnar el prototipo del one hit wonder, el artista de un solo éxito. En realidad, Fontella disfrutó de una vida musicalmente rica, que partió del góspel y llegó hasta el jazz de vanguardia. Casada con el trompetista Lester Bowie, participaría en discos del Art Ensemble of Chicago como la banda sonora de Les estances a Shophie.

Sin embargo, Fontella representaba mejor el arquetipo de la cantante de soul: familia musical, ya que su madre había actuado con Clara Ward; formación en la iglesia, donde aprendió piano y órgano; el salto a la música profana, como opción profesional con muchos reparos morales; el maltrato en una industria que se aprovechaba de la abundancia de talento. En St. Louis, Bass trabajó como instrumentista y vocalista dentro de la banda de Oliver Sain, que acompañaba a Little Milton. También conectó con Ike Turner, uno de los más astutos (y peligrosos) cazatalentos del momento. Finalmente, fichó para Chess, el luminoso sello de Chicago.

El sello Chess está mitificado por sus grabaciones de blues y rock and roll, pero se tiende a olvidar que también vivió una tercera edad de oro con el soul a mediados de los sesenta, gracias a Billy Stewart, The Dells, Sugar Pie de Santo, Gene Chandler, Etta James o el mismo Little Milton. Fontella triunfó haciendo duetos como Don’t mess a good thing, con Bobby McClure; como solista, su Rescue me fue uno de los discos más vendidos en la historia de la compañía.

Desdichadamente, como era demasiado habitual, apenas fue recompensada. Tuvo luego un éxito menor con Recovery pero se sintió estafada. Abandonó Chess y se instaló en París, que a finales de los sesenta acogió con los brazos abiertos a su marido y a otros exiliados del rebelde free jazz. De vuelta en Estados Unidos, a veces con la ayuda de Lester, grabó discos excelentes que demostraban su talento compositivo; editados por pequeñas compañías, como Paula, pasaron desapercibidos.

Regresó al góspel, una música que suele perdonar a sus fugitivos. Era madre de cuatro hijos y eso también requería su dedicación. Ocurrió que sus joyas siguieron sonando en circuitos especializados, en el northern soul británico y en su equivalente estadounidense de la beach music; aunque no recibía royalties, su nombre se decía entre susurros.

Para su asombro, dos décadas después de su impacto, Rescue me volvió a ambientar anuncios y bandas sonoras. Fontella pleiteó para que se reconociera que era coautora de la pieza. Su nueva fama permitió que sacara No way tired (1995) en el sello Nonesuch, con distribución internacional.

También giró por Europa, con el proyecto From the root to the source y, más tarde, con su hermano David Peaston y el grupo Voices from St. Louis. Sabía exactamente lo que se esperaba de ella pero —como se pudo ver en su concierto en Galapagar, en diciembre de 2000— insistió en interpretar su cancionero religioso antes de deleitar a los espectadores con vibrantes recreaciones de Rescue me y demás maravillas de la era Chess.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/28/actualidad/1356656191_832527.html

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Otro año “político” más, el pasado domingo

El pasado domingo día 23 de diciembre y tal y como viene siendo costumbre desde hace ocho años, nuestro programa de radio “Diamantes Musicales de los años 60 y 70″ recibió en los estudios a los portavoces de todos los partidos políticos en el Ayuntamiento de Torrelavega, así como al Alcalde de la Ciudad.

En primer lugar, estuvo con nosotros  la portavoz del Partido Socialista, la ex-alcaldesa, Blanca Rosa Gómez Morante quien recordó vivencias pasadas, hablo sobre el futuro y trajo las canciones de Juan Carlos Calderón, “Bandolero” y “Mediterráneo” temas el primero compuesto por él y el segundo de cuyos arreglos fue responsable el músico cántabro.

Después intervino Esther García, portavoz de ACPT, hizo un balance de la situación actual y expuso cual era su visión sobre el futuro año 2013. Las canciones que trajo Ester fueron: “Cuervo ingenuo” de Javier Krahe y “Confidente secundaria” de Los Teen Tops.

Dani, Ildefonso (Alcalde); Esther (ACPT); Blanca Rosa (PSOE) y Pedro (PRC)

El Alcalde, Ildefonso Calderón Ciriza,  además de comentar temas de actualidad  seleccionó dos temas musicales de plena Navidad como fueron “White Night” de Bing Crosby y “La canción del tamborilero” intrepretada por Raphael.

A continuación, Pedro García Carmona, Portavoz del Partido Regionalista de Cantabria, fue quien nos acompañó y que después de hacer un balance de este año que termina y del futuro, trajo de casa y puso los temas: “You don’t bring me flowers” de Barbra Streisand acompañada de Neil Diamond y el tango “El día que me quieras” de Diego El Cigala.

Finalmente intervino la Portavoz del Partido Popular, Maria Luisa Peón, quien al igual que sus predecesores hablo del año 2012 y del próximo Año Nuevo. Las canciones que seleccionó, fueron: El cover de “Your song” de Elton John interpretado por Ewan McGregor y Alessandro Safina  de la película “Moulin Rouge”, y, el “Rock And Roll Star” de Loquillo y Los Trogloditas.

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Muere Lee Dorman, bajista de Iron Butterfly

Fue encontrado en su coche a los 70 años cuando iba al médico.

Por Rolling Stone

Lee Dorman, en su época dorada.

Lee Dorman, bajista de Iron Butterfly, murió el pasado viernes a los 70 años. El músico fue encontrado muerto en su coche en su casa de Laguna Nigel (California), donde parece que sufrió un ataque al corazón provocado por una de las periódicas crisis cardíacas que tenía. Según ha afirmado la policía el bajista iba en ese momento al médico.

Natural de St. Louis, Missouri entró en Iron Butterfly un poco antes de que el grupo lanzase su segundo disco y el más conocido: In-A-Gadda-Da-Vida, publicado en 1968. En él estaba la canción homónima de 17 minutos, que ocupaba toda la cara B del disco y  que ayudó a que el álbum vendiese más de 30 millones de ejemplares.

En la década de los setenta, durante una separación temporal de Iron Butterfly, Lee formó junto al guitarrista Larry Reinhardt y Rod Evans, de Deep Purple, el grupo Captain Beyond.

Así sonaba el gran éxito de Iron Butterfly.

http://rollingstone.es/noticias/view/muere-lee-dorman-bajista-de-iron-butterfly

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El vinilo se revoluciona

    Los discos llevan tiempo de moda: en su versión original o con remasterizaciones como la que acaba de hacerse con los Beatles

«Sgt. Pepper’s…», uno de los grandes discos de los Beatles, que acaba de ser remasterizado

23 de diciembre de 2012. 21:44h Ulises Fuente.  Madrid.

«Si es que las cosas ya no se hacen como antes» es la frase favorita de algunas generaciones. Y es casi siempre verdad: los tópicos no fallan, aunque en el caso de la música este tipo de afirmaciones haya que cambiarlas a veces por un «hay que ver lo que inventan, hijo». Por esa manera de hacer las cosas «a la antigua» se explica el auge desde hace unos años que viene protagonizando el soporte en vinilo, que ha dejado de ser nicho de coleccionistas para pasar a un segmento popular medio-alto, pero que tenía un lunar fundamental que acaba de subsanarse: EMI, el sello de los derechos de los de Liverpool, ha remasterizado toda la discografía de la banda especialmente para el soporte en vinilo. Y aparecen sonidos que no estaban ahí antes.

Sonido cálido

Pero volvamos al caso del principio. Los melómanos más veteranos no tienen dudas: el vinilo suena mejor, eso es una verdad universal que también ahora esgrimen los más jóvenes que se han gastado unos euros en un plato y una incipiente colección de discos de plástico. Cualquiera que ose contradecir esta verdad no sabe nada de música. Pero Javier Pintor, de la compañía EMI, aclara: «En realidad, las diferencias son mínimas. Se trata de conceptos más subjetivos como la calidez o la profundidad del sonido, que es mucho más amplia. Hay a quien no le gusta el sonido de un vinilo», asegura. Aún más, si insistimos, «tampoco el oído humano es capaz de discernir a la primera si se trata de remasterizaciones o no. Eso se puede apreciar con cierta facilidad, pero sólo si comparamos inmediatamente las dos versiones, o dos fragmentos. Pero si entre uno y otro pasan unos minutos, tampoco es fácil percibirlo».

Ahora bien, lo que es un hecho, y en lo que se han centrado los trabajos de Apple, el sello de The Beatles y que ha demorado los trabajos casi dos años, es en el salto de calidad entre las grabaciones originales y las presentes. «Los discos que se editan ahora no tienen nada que ver con los originales. El que se haya quedado en los antiguos vinilos, encontrará algo totalmente diferente», dice Pintor. «Fueron los propios Ringo y McCartney los que insistieron en que se hiciese un trabajo nuevo especial para los discos de vinilo», asegura Pintor.

Ellos dos y Yoko Ono y Olivia Harrison tienen la última palabra sobre el uso de su obra. También fue suya la decisión final sobre entrar en iTunes. Y ellos mismos decidieron cómo se debía hacer el proceso. Pintor lo explica: «Los discos que han grabado a partir de las cintas originales, la primera de ellas, del año 62 –explica–, estaban muy bien conservadas en Abbey Road, pero son cintas analógicas que llevan una emulsión que se va perdiendo. Incluso en muchos casos, esas cintas analógicas se tienen que hornear antes de ponerlas en reproductores». ¿Hornear? «Sí, para que el rollo de cinta se despegue sin arrancar la emulsión de la capa de debajo».

Inconvenientes del directo

Después de ese paso, se limpiaron todos los ruidos de fondo. «Los Beatles grabaron tocando en directo y con micros de ambiente, que son esos que cuelgan sobre la batería, por ejemplo; y a veces, Harrison, Lennon y McCartney cantaban juntos en el mismo. Al tocar en directo, el sonido de la batería se mete por el de las voces y al revés. Se forma un batiburrillo que hay que limpiar. Hoy se hace con un «software», pero antes se tenía que hacer con los antiguos reproductores, eliminando ruido de fondo de cada pista. Ha llevado años», explica Pintor.

Detalles como los sonidos que nunca se han escuchado nítidos al final de «Sgt. Peppers» ahora pueden apreciarse. Incluso se han bajado los niveles de volumen en la voz para las palabras cantadas que empiezan por las letras «S» o «T», que generan distorsión. Todo para evitar interferencias cuando la aguja viaje por el surco. Otra desviación frecuente es cuando la aguja se acerca al centro del vinilo. Se alteran las lecturas, cambian las frecuencias y se difumina la voz. No lo habrán notado, pero así es. Ahí también se ha intervenido para evitarlo. Los discos finales para la fabricación han pasado varios controles de calidad de fábrica.

El espíritu es que suene nuevo pero respetando el original, es decir, acrecentando la mitomanía de los beatlemaniacos. Se ha hecho una reedición facsimilar, a partir de una en especial: la primera edición británica en estéreo. Todos los discos son réplicas exactas de aquella versión inglesa e incluyen lo mismo que en los años de su edición: el recortable del cuadernillo del Sgt. Peppers, el póster del Disco Blanco… Las mismas fotografías de portada, los mismos textos en el cuaderno y en la «galleta» del disco. Todos los detalles de 14 álbumes (dos de ellos dobles) que se publican sueltos y en una caja, con un libro de lujo y fotografías inéditas.

La venta de vinilos en España lleva cuatro años creciendo. En 2006 se vendieron 19.000, al año siguiente 99.000, cifra que se mantuvo estable hasta 2010. El pasado, se despacharon 141.000 copias en disco de ese plástico. En Estados Unidos, el mercado más importante del mundo, la tendencia es la misma, con algunos ceros. En 2010 las ventas ascendieron a 2,8 millones. En 2011, más de 3,9. Según los primeros datos, en el primer semestre del año también subieron con respecto al ejercicio anterior. Es la consecuencia lógica de la venta de platos, que marca la pauta, también de la apuesta comercial de las discográficas (hoy publican vinilos de Alejandro Sanz a Pastora y de Loquillo a The New Raemon) y finalmente una pequeña consecuencia positiva para la industria de la aparición del soporte digital. El disco bien editado se ha convertido en una posesión de indudable valor. En cambio, tienes 50.000 canciones en un iPod y, al mismo tiempo, no posees nada.

En todo caso, el lanzamiento de los vinilos de los de Liverpool será, seguro, un bombazo. La reedición en CD ya arrasó en ventas y barrió con las perspectivas. En siete meses se vendieron 17 millones de ejemplares. En esta apuesta que acaba de llegar a las tiendas también confía la discográfica, pero, si la quieren completa, preparen la cartera: la broma sale por unos 400 euros. Y aún no queda así la cosa: en 2013 está previsto el lanzamiento de los LP remasterizados… con sonido mono.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/477391/cultura+musica/el-vinilo-se-revoluciona

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‘The Beatles 50 aniversario’ presenta imágenes inéditas de la historia del cuarteto

Exposición en Pamplona

The Beatles, en una playa de Miami durante su gira por EEUU (1964). | Getty Images

Europa Press | Pamplona
Actualizado sábado 22/12/2012 15:47 horas

Fotografías de Ringo Starr, George Harrison, Paul McCartney y John Lennon en conciertos o en platós de televisión de países como Estados Unidos o Suecia o recibiendo premios. Imágenes del cuarteto fuera de los escenarios, en actitudes relajadas y curiosas, como por ejemplo un baño en las playas de Miami, en un café en Estocolmo, jugando a las cartas, siendo recibidos por una multitud en Londres o compartiendo vagón de tren con Mick Jagger.

El Ayuntamiento de Pamplona presenta la exposición ‘The Beatles 50 aniversario’, una muestra que nunca se ha visto fuera de Londres y que recoge 35 fotografías, en color y en blanco y negro, de los componentes de la mítica banda de Liverpool.

Estas instantáneas ‘unseen’, propiedad de la agencia mundial más importante en la creación y distribución de fotos, Getty Images, ofrecen al visitante un recorrido por la historia del grupo desde su nacimiento hasta su última actuación pública en el tejado del edificio de su discográfica en 1969.

En esta imagen, que abre la exposición, aparecen los ‘Fab four’ en pleno concierto antes de que la policía decidiera intervenir para suspenderlo (el concierto duró 42 minutos) tras las quejas de los vecinos por el ruido que estaban provocando tanto los músicos como la gente concentrada en la calle y en las escaleras.

Ringo Starr, George Harrison, Paul McCartney y John Lennon nos enseñan en esta exposición su lado menos conocido por el gran público, que va a poder ver a los cuatro Beatles ensayando en una habitación de un hotel sueco (Suecia fue el primer país fuera de las islas que acogió una gira del grupo), tomando café en un aeropuerto o dándose un baño en las playas de Miami.

La gira de 1964 por Estados Unidos, los momentos de ensayo y de grabación para diferentes televisiones, los rodajes para las películas ‘Help!’ o ‘The Magical Mystery Tour’ y sus encuentros con los fans son algunos de los escenarios que el espectador puede visitar a lo largo de la exposición.

Una de las joyas de la colección es la fotografía que muestran a los policías tratando de contener en Buckingham Palace a una multitud de fans que quiere acceder para ver como The Beatles reciben la Orden del Imperio Británico de manos de la Reina Isabel II de Inglaterra. Estamos hablando del año 1965, cuatro antes de que John Lennon decidiera devolverla.

Era un 25 de noviembre de 1969 cuando el guitarrista y vocalista del grupo leía las noticias que hablaban de la guerra de Vietnam y de la muerte de niños en Biafra. Cuentan que en ese momento, Lennon llamó a su chófer y le pidió que cogiera la medalla y la llevara de vuelta a la reina con una carta que decía: “Su Majestad, le devuelvo mi MBE como protesta contra la intervención de Gran Bretaña en el asunto Biafra, por apoyar a Norteamérica en la Guerra de Vietnam y por el descenso de ‘Cold Turkey’ en las listas de éxito. Con amor, John Lennon”.

Para Daniel Gluckmann, director de Getty Images para España y Portugal, esta exposición permite ver además una auténtica gema “como es la fotografía de Victor Blackman, del Daily Express, que muestra a Paul McCartney y Mick Jagger en un compartimento de tren. No fue publicada en su día, y ha sido encontrada muy recientemente entre nuestros fondos. Es una fotografía muy especial, cargada de significado. Fue el comienzo del viaje a una conferencia de 10 días de meditación transcendental ofrecida en Bangor (Gales) por el gurú Yogi Maharishi Mahesh”.

“A este viaje iniciático en la pasión por lo oriental y la trascendencia que impregnó gran parte de la cultura musical de los primeros sesenta acudieron no solamente los Beatles, sino también el citado Mick Jagger o Marianne Faithfull entre otros”, agrega Blackman. “La foto muestra la relación de amistad que realmente existía entre ambas superbandas que diríamos hoy en día, en contra de la creencia popular. Asimismo, la imagen apunta al comienzo de la relación de Lennon con Yoko Ono, teniendo en cuenta la rocambolesca, por sus circunstancias, ausencia de Cynthia Lennon del pasaje”.

La muestra se inaugurará este sábado a las 20.00 horas en la sala Conde Rodezno y contará con la actuación del grupo navarro The Beat-Less, conjunto que reproduce fielmente las canciones del cuarteto de Liverpool.

Estará abierta al público desde el domingo 23 de diciembre hasta el domingo 27 de enero, con entrada gratuita.

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/12/22/cultura/1356187233.html

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Atracón navideño de Raphael en Madrid

El Niño de Linares continúa la tradición de cerrar su año de conciertos en la capital. La voz prodigiosa le flaquea en algún instante, pero el carisma y la entrega siguen intactos.

Por Jorge Arenillas


Raphael, agradecido ante su público, anoche en Madrid. (Foto: Ana Pérez)

Concierto: Raphael

Lugar: Palacio de Deportes (Madrid)

Fecha: 22/12/12

Precio: de 38 a 60 euros

Asistencia: 7.000 personas (lleno en esta configuración del recinto)

Buffet libre de canciones de Raphael anoche, en su fin de gira en el Palacio de Deportes. Y hubo variedad de platos en los que picar, unificados en bloques temáticos: desde el pop sesentero de Tu Cupido, Casi, casi y Todas las chicas me gustan, hasta los marcianos villancicos Llegó Navidad y Bendita y maldita Navidad; pasando por el tramo latinoamericano con dueto necrófilo con Carlos Gardel incluído. Un repertorio de 41 canciones, ahí es nada, en tres horas de recital que equiparan el directo de Raphael a los de Leonard Cohen y Bruce Springsteen. En el Olimpo de los grandes, vaya.

Pero ya sabemos que lo de “fin de gira” no es más que un eufemismo en el caso del Niño de Linares: desde que recuperara la salud y el vigor hace casi una década, vive atrapado en un bucle feliz, a caballo entre el día de la marmota y el Neverending Tour dylaniano. La tradición obliga a acabar el año en Madrid, bien con una tanda de conciertos en teatros, bien con uno grande en pabellón. Esta segunda opción resulta más práctica, pero el magnetismo que irradia Raphael se diluye un poco en grandes recintos (a cambio, si uno está sentado a partir de la fila 20 y se abstiene de mirar a las pantallas, se obra el prodigio de estar viendo al Raphael de 1965).

Con sillas en pista y telones para cubrir las gradas altas, el Palacio lucía ayer a la mitad de su aforo, sin que eso reste valor a la hazaña de convocar a 7.000 personas en estos tiempos difíciles. Pocos, muy pocos de esos espectadores veían a Raphael por primera vez en directo, pues si algo define a los fans de este artista es su fidelidad. La mayoría son contemporáneos suyos que se resignan al peaje de las canciones nuevas a cambio de olfatear una vez más ese aroma de su juventud que traen adheridos los clásicos.

El concierto arrancó pasadas las diez de la noche, con una puntualidad imprescindible vista la longitud del repertorio. Un sonido claro y robusto, pero con ecos de catedral, y una luminotecnia de alto nivel no disimulaban que el escenario, pensado para una gira de teatros, parecía mucho más modesto plantado en la pista del Palacio de Deportes. Cinco músicos (ninguneados por las luces y la realización de las pantallas, y ni siquiera presentados) tendían el colchón sonoro a la voz del cantante, indudable protagonista de la velada.

Sin embargo, amagos de afonía pusieron en aprietos a Raphael en temas como Eso que llaman amor o El tamborilero, esta última más graznada que cantada. Se sobrepuso a base de tablas, pero tal vez su calendario (una docena de conciertos en el último mes) sea excesivo para un artista de casi 70 años que le exige siempre el máximo a sus cuerdas vocales. Irónicamente, temas más desatados como Balada triste de trompeta los pasó con nota, desbocando sus característicos alaridos después de dos horas y media de espectáculo.

La voz, en cualquier caso, no es lo único que forja la leyenda de Raphael: también está el carisma. Y ese no flaqueó anoche. Rejuvenecía por momentos mientras movía las caderas al ritmo de Casi, casi, y se deleitaba interpretando, en sentido literal, las canciones: doblándose a sí mismo en Payaso mientras el joven Raphael nos cantaba desde la pantalla, poniendo carita de gato de Shreck antes de hacer mutis por el foro al final de En carne viva, o fingiéndose abrumado tras hablarle a una silla vacía durante Para volver a volver. El momento más surrealista fue cuando nos bendijo haciendo la señal de la cruz al final de un villancico. Varias veces durante las tres horas de concierto te sorprendías a ti mismo con una sonrisa estúpida en los labios, musitando “qué tío más grande”. Y grande es Raphael, no cabe duda.

La terrible Naturaleza muerta, con su burda denuncia del abuso de los recursos naturales por parte del hombre, fue el momento más bajo del show. Los coros de este tema eran pregrabados, al igual que algunas cuerdas y metales espolvoreados por el resto de las canciones (como la trompeta en, vaya, Balada triste de trompeta) . Nada de eso pareció molestar al respetable, que ovacionaba al final de cada tema, a veces por voluntad propia y otras condicionado por los focos que apuntaban hacia las gradas, dando la entradilla para el aplauso.

Podemos ponerle pegas, pues es cierto que el de ayer no fue un concierto memorable; pero fue uno de Raphael, y con eso está todo dicho. Medio siglo después de comenzar su carrera, su entrega y su personalidad le mantienen en la estratosfera de la canción melódica, y mirando tan por encima del hombro a todos los que sueñan con destronarle que no queda otra que seguir reverenciándole. Raphael se bajó anoche del escenario con la sonrisa satisfecha de quien sabe que aún le quedan muchas noches de gloria por delante. Ave, Raphael.

Repertorio: Mi gran noche, Cantares, Yo sigo siendo aquel, La noche, Digan lo que digan, Tu Cupido, Casi, casi, Todas las chicas me gustan, A pesar de todo, Poco a poco, Sin un adiós, Ella, Enfadados, Cuatro estrellas, Eso que llaman amor, Sexo sentido, Hablemos del amor, Estuve enamorado, Cuando tú no estás, Desde aquel día, Un sueño, Maravilloso corazón, Y fuimos dos, Naturaleza muerta, La fuerza del corazón, Adoro, Payaso, Nostalgias, Volver, Gracias a la vida, Llegó Navidad, Bendita y maldita Navidad, El tamborilero, Para volver a volver, En carne viva, Escándalo, Ámame, Qué sabe nadie, Balada triste de trompeta, Como yo te amo, Yo soy aquel

http://rollingstone.es/concerts/view/atracon-navideno-de-raphael-en-madrid

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El fin del mundo sonaría al ritmo de «The End», de The Doors

National Geographic Channel y Spotify han elegido la banda sonora para el Apocalipsis

OTR/PRESS / MADRID
Día 20/12/2012 – 18.34h

ABC – The Doors

Si el fin del mundo, como pronostica la profecía maya, se produjera este viernes 21 de diciembre sonaría al ritmo de «The End», de The Doors. Esta es la banda sonora para el apocalipsis elegida a través de la iniciativa de National Geographic Channel y el servicio de música digital Spotify.

El concurso, que se ha prolongado durante cinco semanas, ha contado con más de 10.000 participantes, que han ido depositando sus propuestas musicales para el apocalipsis en la página web del canal.

Cada semana se han publicado las canciones más solicitadas por los usuarios, hasta configurar la lista final, en la que además de la ganadora hay otros temas legendarios como «The Final Countdown», de Europe, «Viva La Vida», de Coldplay, «I Don’t Want To Miss A Thing», de Aerosmith, o «It’s the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)», de R.E.M.

Queen entra en la lista con dos de sus éxitos, «The Show Must Go On» y «Bohemian Rhapsody», y John Lennon figura entre los finalistas con su inmortal «Imagine». Otras canciones incluidas son «Última noche en la tierra», de La Musicalité, «In the End», de Linking Park, «Highway To Hell», de AC/DC, o «Gangnam Style», de Psy.

Destaca también la presencia en la lista final de dos temas corales de la música clásica. Es el caso del famoso fragmento de Carmina Burana de Carl Off titulado «O Fortuna!» y el «Lacrimosa de la misa de Réquiem» que Mozart dejo inacabada antes de morir en 1791.

http://www.abc.es/cultura/musica/20121220/abci-doors-mundo-maya-201212201820.html

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Padres fundadores del ‘rock’n’roll’

El sello barcelonés HooDoo rescata clásicos olvidados de la cultura popular

Fernando Navarro Madrid 18 DIC 2012 – 21:17 CET

Tal y como es hoy el mundo de la música, cuesta imaginar que hubo una época en la que una cantante llamada Ruth Brown, desconocida para la gran mayoría de los oyentes en la actualidad, vendía más discos a mediados del siglo pasado que los que despacha ahora Rihanna. Como difícil es saber que, antes incluso que Elvis Presley, el incipiente rock tuvo a su mejor evangelista en un locutor de radio que respondía al nombre de Rufus Thomas. O que el hermanamiento entre blancos y negros en la sociedad estadounidense tuvo una de sus primeras cimas en el rockabilly del afroamericano Ray Sharpe. Cuesta pensar en un mundo musical muy distinto al conocido pero hubo un periodo en la historia protagonizado por nombres poco escuchados hoy en día que, con sus obras, construyeron los grandes pilares de la música popular que ahora apreciamos. Fue el tiempo de los padres fundadores del rock’n’roll.

Hoodoo Records, un sello nacido en Barcelona, perteneciente a Distrijazz, se ha lanzado a la aventura arqueológica de desenterrar a muchos de estos músicos que, desde sus distintas visiones del rhythm and blues en los cincuenta norteamericanos, dieron forma e identidad a todo el rock’n’roll posterior y sus muchas ramas estilísticas hasta nuestros días. “Hay muchos artistas que no están tan bien tratados como se merecerían por la historia”, dice Jordi Soley, responsable del sello, cuyo catálogo está formado por 68 álbumes que exploran con una admirable profundidad de rastreo el maravilloso legado de los pioneros a los que acudieron en sus comienzos The Beatles, The Rolling Stones, The Clash o Nirvana, entre tantos.


Desde los primeros trabajos de clásicos imperecederos como Elvis Presley, Roy Orbison, Little Richard, Brenda Lee, Johnny Cash o Chuck Berry hasta verdaderos ignorados por la memoria colectiva como Billy Lee Riley, héroe personal de Bob Dylan y gigante del rockabilly vibrante de Sun Records, Hank Ballard, influencia directa de James Brown con su sensual rhythm and blues, o Bobby Mitchell, joya oculta del sonido de Nueva Orleans que impulsó el nacimiento del soul. “En la época muchos tuvieron éxito aunque se perdieron con el ruido de los sesenta”, afirma Santi Comelles, productor de la colección. “Además, los sellos les pervertían mucho y les ponían la miel en los labios”, añade. En la Norteamérica segregacionista de los cincuenta, el vicio del engaño o la infravaloración no solo pasaba con los negros sino también con músicos blancos. “Johnny Burnette está en el repoker de mejores cantantes de rockabilly de todos los tiempos y se hubiese merecido un reconocimiento masivo”, afirma Comelles.

Desde que la industria discográfica está de capa caída con la piratería, han sido varios los sellos que se han dedicado a desempolvar sus archivos para ofrecer colecciones de un estilo determinado, cuidadas en su presentación y más o menos populares en su precio. Aparte del exhaustivo criterio de selección, el mimo con el que está elaborado cada disco de Hoodoo, que se hace acompañar de fotografías, memorabilia y un amplio libreto biográfico del artista, guarda el atractivo de otros celebrados catálogos como el de Ace Records con el jazz y el soul, Rhino con el rock y el rockabilly o Esoteric con el heavy-metal. “Queremos significar esta música”, dice Comelles. “No solo se trata de buscar un concepto y un tono atractivos sino también pasar los masters de sonido por laboratorios de tecnología punta”, apunta Soley.

En el caso de Hoodoo, que surgió de la pasión musical de Soley y Comelles hacia este tipo de sonidos, la publicación de los discos ha sido posible gracias a la polémica ley de dominio público contra la que combaten superestrellas como Paul McCartney o los Rolling Stones, temerosos de que sus primeras grabaciones se queden sin el copyright en unos años. En Europa, las obras musicales pierden sus derechos de autor a los 50 años de su creación mientras que en Estados Unidos perduran hasta los 95. “Investigamos cómo está el mercado y hacemos combinaciones para saber qué grabaciones podemos utilizar”, explica Soley. Y, de ese agujero de la industria, ha surgido la colección de Hoodoo, un enloquecedor viaje en el tiempo, explorando el alma original y menos conocida del rock’n’roll, un embriagador potingue sónico del que bebieron casi todos en el futuro.

Aquellos maravillosos años del ‘Rhythm & Blues’


De Wanda Jackson, reina del rockabilly, a The Isley Brothers, pioneros del sonido Motown, o Dale Hawkins, arquitecto de eso que se dio en llamar rock pantanoso, la música creada en los cincuenta y primeros sesenta y que se denominó con la etiqueta omnicomprensiva de rhythm & blues es objeto de rescate por sellos de reediciones como HooDoo Records o Ace, además de referencia ineludible, aún hoy, en artistas como Bob Dylan o la nueva generación de música estadounidense de raíces.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/18/actualidad/1355861126_086178.html

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Bruce, McCartney, los Stones… un aluvión de rock para las víctimas del «Sandy»

El Madison neoyorquino vibró la noche de este miércoles con un emotivo concierto bénefico que será editado en disco

Reuters
Bruce y Bon Jovi, nacidos en Nueva Jersey, en el concierto del Madison

abc.es / Nueva York
Día 13/12/2012 – 14.31h

El mundo del rock and roll siempre ha arrimado el hombro cuando se han puesto feas, y decir rock y solidaridad es desde hace décadas algo bastante habitual. El pasado 1 de noviembre el huracán «Sandy» hacía estragos en la costa este de los Estados Unidos, principalmente en la ciudad de Nueva York y en el estado de Nueva Jersey. [Las fotos del concierto de ayer]

Precisamente, un nativo de Nueva Jersey y que además grabó hace años una maravillosa canción llamada «Sandy. 4 de julio Asbury Park», es decir, señoras y señores,Bruce Springsteen, fue el encargado de abrir en la noche de este miércoles en el Madison Square Garden neoyorquino el concierto para recaudar fondos para las víctimas del terrible ciclón.

Bruce abrió esta velada cantándole a la esperanza con una de sus más hermosas piezas, «Land of hope and dreams» («Tierra de esperanza y sueños»). «Esta noche es una oración por nuestros hermanos y hermanas de Nueva York y Nueva Jersey que siguen pasándolo mal», dijo Bruce antes de pasar a interpretar «Wrecking Ball» y «City of Ruins», canciones referentes a su Nueva Jersey. Más adelante, en compañía de otro hijo afamado del estado, Bon Jovi, cantó «Born to Run». Seguidamente, Bon Jovi emocionó al público con su versión de «Living On A Prayer», iniciada a capella en uno de los momentos más bonitos del recital en el que también participaron como presentadores Billy Cristal, Katie Holmes, Quentin Tarantino y Adam Sandler.
McCartney en el papel de Kurt Cobain

Otra de las grandes actuaciones fue la de Paul McCartney, que tomó el papel de Kurt Cobain al actuar acompañado por los dos antiguos miembros de Nirvana, el batería Dave Grohl y el bajista Krist Novoselic.

Los Stones tampoco se perdieron la fiesta solidaria y allí estuvo un simpático y entregado Mick Jagger dirigiéndose al público neoyorquino: «Ésta tiene que ser la mayor colección de viejos músicos ingleses jamás reunida en el Madison Square Garden.Si llueve en Londres váis a tener que venir a ayudarnos también, ¿vale?». Los Rolling concluyeron su participación con un tremendo «Jumpin’ Jack Flash», que hizo vibrar al público de este concierto llamado 12-12-12.

Solamente con las entradas del concierto, de entre 150 y 2.500 dólares (entre 114 y 1.909 euros), ya se han recaudado 35 millones de dólares ( unos 26,7 millones de euros) para la fundación Robin Hood, a los que se sumarán las donaciones recibidas a durante el concierto gracias a una iniciativa en la que colaboraron estrellas como Susan Sarandon o Whoopi Goldberg recibiendo llamadas.
Columbia publicará el disco

Igualmente, la discográfica Columbia recaudará fondos con la elaboración de un álbum con 24 de las canciones que sonaron en este recital, en el que también se dejó ver la cara más blusera de Eric Clapton y un sorprendente dueto entre el cantante de Pearl Jam, Eddie Vedder, y el exlíder de Pink Floyd, Roger Waters.

Iluminado solamente con la luz de los teléfonos móviles el Madison también asistió colmado de emoción a la interpretación del «No One» de Alicia Keys, quien dijo estar «orgullosa» de la «capacidad de resistencia» de su ciudad y que, como no podía ser de otra manera, puso el broche de oro a la noche con «Empire State of Mind».

Por el concierto, en el que se dejaron ver los gobernadores de Nueva Jersey, Chris Christie, y de Nueva York, Andrew Cuomo, también pasaron The Who, Billy Joel, Kayne West y el cantante de Coldplay, Chris Martin, quien cantó en un inesperado dúo «Losing My Religion» con el líder de R.E.M, Michael Stipe.

El espectáculo fue retransmitido en directo en una treintena de webs, 37 canales de televisión en EEUU, otros 200 en el extranjero y fue proyectado en múltiples cines de todo el país, por lo que su audiencia podría haber alcanzado hasta 2.000 millones de personas, convirtiéndose en el concierto de mayor alcance de la historia.

http://www.abc.es/cultura/musica/20121213/abci-concierto-beneficio-victimas-sandy-201212131340.html

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Rod Stewart, Travolta y Newton-John se las ven con la Navidad del siglo XXI


Efe.

Aunque pocos dudan de que el disco de estas Navidades será “Merry Christmas Baby” de Rod Stewart, no hay que perder de vista álbumes que satisfarán paladares sin prejuicios, como la reunión de John Travolta y Olivia Newton-John, y otros más audaces en pos del sonido del siglo XXI, el caso de Sufjan Stevens.

A sus 67 años, el intérprete de “Da ya think i’m sexy” abandona al menos levemente su lado más provocador en su primer disco navideño, en el que versiona clásicos como “Santa Claus is coming to town” o “Let it snow!” y da continuidad en clave festiva a la faceta de “crooner” desarrollada en la última etapa de su carrera, esta vez apoyado por otros artistas como CeeLo Green y Mary J. Blige.

No parece que vaya a reeditar el éxito en ventas que en 2011 vivió el también cantante melódico Michael Bublé, pero Stewart -que se ha atrevido a solapar su ronca voz con la de Ella Fitzgerald en “What are you doing New Year’s Eve?”- ya ha conseguido colocar su disco entre los diez más vendidos de Reino Unido.

Otro veterano a tener en cuenta es el dúo compuesto por Olivia Newton-John y John Travolta, que se reencuentran 35 años después del éxito de “Grease” en un álbum benéfico titulado “This Christmas”, que incluye el tema original “I think you might like it” y que sus responsables presentan como “la secuela” del famosísimo “You’re the one that I want”.

El proyecto, concebido “como aquellos programas especiales de televisión que reflejaban una Navidad clásica y tradicional”, reúne un amplio abanico de colaboraciones estelares, con Barbra Streisand, Kenny G, Cliff Richard, Tony Bennet, James Taylor y Chick Corea.

Otros que vuelven a sus fueros por Navidad son The Killers, que por séptimo año consecutivo han puesto a la venta a favor de la lucha contra el Sida un tema inédito, “I feel it in my bones”, con un Papa Noel malvado a lomos de una moto astada.

Hablando de “clásicos”, se reedita el álbum “A very special Christmas” con motivo del 25 aniversario de esta colección de discos. En él se incluye el primer álbum publicado en 1987 y se añade otro CD grabado en 2012, resultando en un catálogo de temas tan imprescindible como los artistas que lo interpretan, véase Bruce Springsteen, Whitney Houston, Sting, U2, Madonna, Bryan Adams.

Quienes prefieran huir de versiones al uso pueden refugiarse en la original fórmula de “Christmas rules”, un recopilatorio con 17 nuevas grabaciones coordinado por tres productores de Portland (EEUU) en busca del “registro de esta generación”.

En él, Paul McCartney (“The Christmas song”) se sitúa al frente de una amplia hornada de jóvenes artistas como Fun (“Sleigh ride”), The Shins (“Wonderful Christmas time”), Rufus Wainwright (“Baby, it’s cold outside”), Calexico (“Green grows the Holly”), Eleanor Friedberger (“Santa Bring my baby back to me”) o Andrew Bird (“Auld Lang Syne”).

Es la demostración de que las Navidades no son solo terreno para propuestas manidas. Lo sabe el “enfant-terrible” de la música “indie”, Sufjan Stevens, que presenta “Silver & Gold: Songs for Christmas”, con temas nuevos y clásicos como “Joy to the world”, presentados en la manera poco convencional a la que acostumbra el estadounidense.

Otra artista a la que no le ha dolido prendas acercar su música a la temática de estas fechas es Tracey Thorn, la cantante de Everything But The Girl, que publica “Tinsel and lights”.

Y para los que quieran romper con todo, la elección idónea pasa por una banda de rock española que sitúa sus locas coordinadas en un punto equidistante entre Raffaela Carrá y Los Ramones, las Nancys Rubias del “showman” Mario Vaquerizo, que presentan su nuevo recopilatorio con “El mejor regalo eres tú”, versión del tema de Mariah Carey “All I want for Christmas”.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/345974/cultura+musica/rod-stewart-travolta-y-newton-john-se-las-ven

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Ravi Shankar muere a los 92 años

El músico indio, maestro del sitar y conocido como el ‘padrino de las músicas del mundo’, fue profesor de George Harrison y una gran influencia para bandas como los Beatles o Grateful Dead.

Por Rolling Stone

George Harrison y Ravi Shankar en 1967.

Fallece Ravi Shankar, el maestro de sitar que ayudó a popularizar la música de la India en la década de los 60, influenciando la cultura hippie y a músicos desde los Beatles y The Grateful Dead a John Coltrane, según ha confirmado la oficina del primer ministro de la India a Associated Press. De acuerdo con el diario Times of India, Shankar ha muerto en un hospital de San Diego, donde estaba en tratamiento desde la semana pasada, después de quejarse de dificultades para respirar. Tenía 92 años.

Bautizado como el ‘padrino de las músicas del mundo’ por su alumno más famoso, George Harrison, Shankar aprendió a tocar varios instrumentos clásicos de la India en su adolescencia y comenzó a viajar por el extranjero en la década de los 50, introduciendo las ragas indias a las audiencias de Europa y EE UU. Shankar conoció a Harrison en 1966 en casa de un amigo, donde el beatle le propuso que le enseñara a tocar el sitar después de que él usara uno en Norwegian Wood (This Bird Has Flown). Bajo la tutela de Shankar, Harrison se convirtió en experto en el instrumento y lo tocó en la canción Within you without you, incluida en Sgt. Pepper’s lonely hearts club band, incentivando entre los fans de los Beatles el interés por las ragas y por el trabajo Shankar.

“Cuando George se convirtió en mi pupilo, gané un público nuevo: la generación más joven”, dijo Shankar ROLLING STONE en 1997. “Y, por supuesto, llegaron com una riada, porque todo sucedió junto con el movimiento hippie y este nuevo interés por la cultura india. Desgraciadamente, se mezcló todo con drogas y el Kamasutra y todo eso. Yo era como una estrella de rock … Yo nunca dije que no hay que beber alcohol o consumir drogas, pero su asociación a nuestra música y cultura, es algo contra lo que siempre he luchado. Yo les pedía que vinieran sin estar drogados. Les decía: ‘Dadme la oportunidad de que haceros sentir que estáis puestos a través de la música”, algo que en realidad, sí ocurre. Creo que está bien que tomara esa posición, y eso es por lo que todavía estoy aquí hoy”.

Shankar también fue profesor del icono jazz John Coltrane, que fue tan influenciado por el músico que llamó a su propio hijo Ravi.

A medida que su popularidad aumentó, Shankar actuó en el festival Monterey Pop en 1967 y en Woodstock, dos años después. En 1971, Shankar y Harrison organizaron el Concierto para Bangladesh, que ayudó a recaudar fondos para los refugiados que huían del país para instalarse en India, sentando las bases de futuros eventos benéficos con estrellas como el Live Aid.

Shankar, ganador de tres premios Grammy, continuó tocando en directo en la década de los 2000 con su hija Anouska, que cómo él, tocaba el sitar. También es el padre de la cantante de y compositora Norah Jones.

Aquí pudes ver a Shankar y a Harrison tocando el sitar juntos en 1968:

http://rollingstone.es/noticias/view/ravi-shankar-muere-a-los-92-anos

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Más que nostalgia, prefiero llamarlo gusto por lo bueno. Emoción.

Diamantes Musicales, o lo que es lo mismo el Pincha y Dani, con el merecido apoyo del la Concejalia de Cultura del Ayuntamiento de Torrelavega, tuvieron a bien invitar el pasado día 7 de diciembre a sus convecinos a que se unieran a ellos en las celebraciones del octavo aniversario de su programa radiofónico. Una efemerides que vino a coincidir con el ojo del puente de la Constitución y que tuvo como acto central un atractivo concierto de los sevillanos Biggles en el Teatro Municipal Concha Espina. Dos horas de canciones de los Béatles, Credence Clearwater Revival, Eagles y otros grandes que seguro que algún cronista caerá en la tentación de definir como una “velada para la nostalgia”. Topicazo vacío y ñoño del que apostaría que idéntico firmante no tendría el cuajo de aplicar si la música interpretada fuera de Vivaldi o Lucio Lazaro por citar algunos nombres.


No, no creo que fuera una velada para la nostalgia. Si acaso para la conmiseración, si nos atenemos a odiosas e improcedentes comparaciones con Biber o Gaga, el Danza Koduro o el Gangnam Style. Lo que sí que fue, y de esto estoy seguro, es que se trató de una bonita noche para las guitarras. Dos Fender Stratocaster y un bajo Hoffner de violín, como el de McCartney, que en 120 minutos nos hablaron con el acento sufrido y quejumbroso del blues de Eric Clapton o el regusto a desierto y pradera de la Marshall Tucker Band. Sonido Mersey del Liverpool de los Fab Tour y aires de baja California donde los Eagles nos dijeron que había un hotel en el que siempre puedes entrar, pero del que nunca vas a salir. Que no s acercaron por unos minutos a los Bayous de Florida de los hermanos Fogertty  o a las comunas sureñas de los también hermanos Allman. Guitarra eléctrica, la misma esencia del rock and roll, que se apoderó de nosotros otros 120 minutos más para recordarnos que “Its only R`n`roll, but we like it”. Nostalgia? La misma que siento cuando contempló El jardín de las Delicias, de El Bosco, la misma que cuando escucho el concierto numero 2 de Brandemburgo de Bach, la misma que cuando leo La vida del Buscón, llamado de Pablos, de Quevedo. Pero yo, más que nostalgia, prefiero llamarlo gusto por lo bueno. Emoción.

Expertos. Buenos, los Biggles, especialmente en el blues y en un duelo no intencionado entre temas de Eric Clapton y George Harrison. Y acertados una vez más Diamantes Musicales, regalándonos con música de calidad.

Manolo Teira (Diamantes Musicales)

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The Rolling Stones, Springsteen, The Who, McCartney, Waters, Grohl, Vedder, Clapton y más, juntos en NYC

El 12 de diciembre tendrá lugar en Nueva York el concierto benéfico ‘12.12.12.’ a beneficio de los damnificados por el huracán Sandy, con una nónima de participantes extraordinaria.

Por Rolling Stone

El próximo 12 de diciembre tendrá lugar en el Madiso Square Garden de Nueva York el concierto benéfico 12.12.12, cuya recaudación íntegra se destinará para los damnificados por el Huracán Sandy, con una nómina de participantes que quita el hipo.

Por el escenario pasarán The Rolling Stones (los últimos en incorporarse), Bruce Springsteen & The E Street Band, Paul McCartney, Kanye West, Bon Jovi, The Who, Roger Waters, Billy Joel, Alicia Keys, Eric Clapton, Chris Martin, Dave Grohl y Eddie Vedder.

Con semejante plantel, no es raro que ya se haya anunciado que podrá verse en streaming a través de internet y por diversos canales televisivos (toda la información está en www.121212concert.org)

“La respuesta de la comunidad del entretenimiento para ayudar a los afectados por el huracán Sandy no dejará de asombrar”, han indicado las firmas Madison Square Company, Clear Channel Media y The Weinstein Company en un comunicado conjunto.

“Confiamos en que el acto garantizará que los que lo necesitan no serán olvidados y llegará una ayuda vital para reconstruir nuestras comunidades en la costa este”, han explicado los organizadores.

http://rollingstone.es/noticias/view/the-rolling-stones-springsteen-the-who-mccartney-waters-grohl-vedder-clapton-y-mas-juntos-en-nyc

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Los Rolling Stones vuelven a Nueva York por la puerta grande

Es el primero de sus conciertos, donde el nuevo Barclays Center de Brooklyn se llenó para vibrar con la energía y el sonido de la veterana banda británica

Música | 09/12/2012 – 12:50h

Nueva York. (EFE).- Los Rolling Stones volvieron por la puerta grande a Estados Unidos en el primero de sus conciertos en Nueva York, donde el nuevo Barclays Center de Brooklyn se llenó para vibrar con la energía y el sonido de la veterana banda británica.

Mick Jagger, Keith Richards, Ron Wood y Charlie Watts volvieron a mostrar que, a pesar de que están ya rondando los setenta, la edad parece no pesarles y pueden actuar con la fuerza que les ha hecho una leyenda, incluso si los temas que hace cincuenta años asustaban a muchos ahora parecen inocentes.

El concierto comenzó con Get off my Cloud y continuó con una selección de canciones de la historia del grupo, incluyendo algunos de los más famosos, como Paint it Black, It’s Only Rock’n Roll, o Honky Tonk Women.

Temas nuevos estrenados este año, como One More Shot o Gloom and Doom figuraron también en el programa, mientras que la neoyorquina Mary J. Blige y Gary Clark Jr., que hicieron de teloneros, interpretaron además un tema con ellos.

Entre canciones y solos de guitarra de Richards, Jagger hizo un esfuerzo por conectar con el público, bromeando al decir que habían llegado en metro o recordando que su primer concierto en la Gran Manzana fue en 1964 “¿Alguien estaba allí?”.

Para delirio de los casi 20.000 admiradores, el concierto concluyó con Can’t always get what you want, junto con el coro de la famosa Iglesia de la Trinidad, en Wall Street, y, por supuesto, con su tema más emblemático: (I Can’t Get No) Satisfaction.

El concierto de esta noche abrió una semana intensa del grupo en la ciudad de los rascacielos, que pondrá el broche a la mini gira “50 And Counting”, que comenzó a finales de noviembre con dos conciertos en Londres y que ha generado una enorme expectación al coincidir con el 50 aniversario de la banda.

El próximo miércoles, los Stones participarán en el concierto benéfico 12-12-12 en apoyo a los damnificados por el huracán Sandy, y que reunirá en el Madison Square Garden a estrellas como Bruce Springsteen, Eric Clapton, Alicia Keys, Bon Jovi, Billy Joel o Paul McCartney.

El jueves y el sábado cerrarán la parte de su gira de 50 aniversario con dos actuaciones más en la vecina Newark (Nueva Jersey).

http://www.lavanguardia.com/musica/20121209/54356209402/rolling-stones-vuelven-nueva-york-por-puerta-grande.html

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Vídeo del día: John Travolta y Olivia Newton-John cantan juntos a la Navidad

La pareja lanza un disco benéfico de canciones navideñas con colaboraciones de Barbra Streisand, Tony Bennett, James Taylor, Chick Corea, Kenny G o Cliff Richard.

Por Rolling Stone

John Travolta y Olivia Newton-John se unen por primera vez en 29 años (desde la película Two of a Kind de 1983) para cantarle a la navidad en el disco This Christmas, lleno de estándares y clásicos, y con colaboraciones de ilustres como Barbra Streisand, Tony Bennett, James Taylor, Chick Corea, Kenny G o Cliff Richard.

La recaudación obtenida con las ventas de este disco será donada por los artistas a sus respectivas organizaciones benéficas, la Fundación Jett Travolta y el Centro Olivia Newton-John de ayuda contra el cáncer.

John Farrar, compositor de dos de los grandes éxitos de la película Grease como You’re The One That I Want y Hopelessly Devoted to You, se ha sumado al proyecto para componer la única canción inédita, titulada I Think You Might Like It. Este es el correspondiente edulcorado y empalagoso videoclip:

http://rollingstone.es/noticias/view/video-del-dia-john-travolta-y-olivia-newton-john-cantan-juntos-a-la-navidad

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Paloma San Basilio se despide de la música con un «hasta siempre»

La artista está llena de proyectos para la nueva etapa que inicia, entre los que destaca la pintura

EFE / MADRID
Día 09/12/2012 – 12.02h

EFE La artista Paloma San Basilio, en una imagen de archivo

No siente nostalgia, tampoco tristeza por la decisión tomada, decir un “hasta siempre” a la música, a la que ha dedicado más de 40 años de su vida, y es así porque Paloma San Basilio está llena de proyectos para la nueva etapa vital que ahora inicia. Y de entre todos ellos destaca uno: la pintura.

Sí, la pintura, una afición de infancia y juventud que, después de permanecer dormida durante mucho tiempo, hoy se ha convertido en pasión, desde que hace ocho años decidiera pasar largas temporadas en su casa frente al mar de Cádiz, donde amigos pintores no pararon hasta conseguir que retomara los pinceles. “Voy a pintar porque me gusta pintar”, comenta por teléfono Paloma San Basilio a Efe desde su refugio en el sur.

La decisión de pintar -“mis obras son abstractas, con mucho color y hasta ahora sin firma”, precisa- y de exponer por vez primera en su vida -el próximo día 14 en Sevilla, en Caixafórum- es paralela a otra en la que ya venía pensando desde hace tiempo: poner fin a su carrera musical. Decir “hasta siempre” a algo que fue también pasión, la música, y durante cuatro décadas.

“Prefiero decir hasta siempre que adiós. Es más bonito, suave, sutil… Es un cambio de ciclo vital”, argumenta San Basilio al hablar de una decisión muy meditada. “Cada etapa en la vida -continúa- tiene unos componentes, unas necesidades, una filosofía. Y las mías en este momento son otras”. Habla de la necesidad de “ir hacia adelante”, de no quedarse parada nunca, “en ninguna etapa”, algo que, asegura, ha hecho siempre en su vida y que quiere seguir haciendo. “No hay excusas para quedarse quieto”, insiste.
Adiós musical

Su adiós musical, aunque a ella no le guste la palabra, se prolongará todo 2013, cuando tiene previsto realizar una extensa gira de conciertos que le permitirá despedirse de su público español y del latinoamericano. Una gira de agradecimiento a un público que le ha sido fiel durante tanto tiempo. “Me parece una ordinariez -bromea- irme de una casa a la que he sido invitada sin decir adiós”.

Y como huye de la palabra “adiós”, Paloma San Basilio quiere que tan extensa gira de conciertos en ambas orillas del Atlántico lleve precisamente por nombre “Hasta siempre”. “Quiero dar las gracias a la gente por seguirme, por estar ahí. Agradecer lo recibido”. Paloma San Basilio se va, dice, en un buen momento de su carrera, “podría seguir, pero en otras direcciones”, apostilla, con la voz intacta y una íntima sensación de paz. “Era -comenta- algo que venía gestándose dentro de mí. No es nada forzado. Siempre he hecho, y hago, las cosas en el momento en que he pensado que las tenía que hacer. Es algo natural, que va de dentro hacia afuera”.

Una decisión “natural, lógica, coherente” para dejar atrás una carrera que la ha llevado a los escenarios más prestigiosos del mundo, a grabar más de una treintena de discos, todos ellos superventas de oro o platino, a compartir escenario con muchos grandes (Plácido Domingo, José Carreras,…) y a atesorar más de treinta galardones. “No siento sensación de ruptura, ni de nostalgia. Me hace mucha ilusión recuperar la libertad, que cada día es un bien más preciado”, reflexiona en voz alta Paloma San Basilio, que habla con apasionamiento de la etapa vital que ahora se cierra.

“Ha sido larga y maravillosa, apasionante, sorprendente y me ha aportado también mucho como persona. Me ha hecho ser quien soy ahora. ¡He visto tanto, sentido tanto,…!”, recuerda ahora, cuando está a punto de dejar los escenarios. Escenarios que sólo volvería a pisar en situaciones excepcionales, si, en su condición también de actriz, le ofrecen un papel interesante, “sin que tenga que cantar”, puntualiza, o si la llaman para participar en un concierto benéfico.

“He ido a cara descubierta, sin apoyarme en nada, sin oportunismo y sin utilizar a nadie para avanzar. Me siento orgullosa de ser como soy, de nadar a contracorriente cuando ha sido necesario, de ser coherente y honesta. Nunca hice nada en lo que no creyese”, afirma quien asegura haber sido “fundamentalmente feliz” con la música. En cuarenta años “ha habido más ratos placenteros que sinsabores. ¡Sí, por favor!. Ha habido dolor a nivel personal, por la pérdida de muchos seres queridos”, comenta quien, además de pintar, quiere escribir, “relatos cortos”, precisa, viajar de verdad, no como ha hecho durante su vida artística, y dedicarles mucho más tiempo a su hija y a sus dos nietos, Neo y Alma, que viven en California.

Un lugar en el que piensa pasar no menos de cuatro meses al año, para estar con los suyos y para mostrar, “¿por qué no?”, su nueva faceta de pintora. “Cuando voy desprendiéndome del pasado ¡me siento tan ligera!”, comenta Paloma San Basilio. “Soy de las que tiran todo con el paso de los años. Hay que aligerar nuestro equipaje vital. Casi siempre vamos cargados; de sentimientos, emociones, vivencias… Es como una tela de araña viscosa en la que muchas veces nos dejamos atrapar”.

http://www.abc.es/cultura/musica/20121209/abci-paloma-basilio-201212091153.html

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Hoy se cumplen 32 años del asesinato de John Lennon

Mark David Chapman mató al músico a las puertas de su casa en Nueva York el 8 de diciembre de 1980.
Por David Gallardo

Hoy se cumplen 32 años de la muerte de John Lennon, ‘el día en que la música murió’. Recopilamos algunas portadas de periódicos informando del fallecimiento del ex Beatle pocas horas después del triste suceso.

http://rollingstone.es/noticias/view/hoy-se-cumplen-32-anos-del-asesinato-de-john-lennon

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VIII ANIVERSARIO DE DIAMANTES MUSICALES

THE BEAGLES es un grupo sevillano formado por Manolo Soldan (guitarra y voz), Valentin Ponce (guitarra y voz), José Antonio Soldan (bajo y voz) y Manuel Montenegro (batería).  Su repertorio está compuesto por canciones miticas del country-rock, pop,  y rock clasico de los  60′ y 70′, interpretadas con cuidada  atención, tanto a los detalles instrumentales como vocales.

Están influenciados por el  jazz y el blues clásicos,  solo basta con ver sus dilatas carreras personales.

Tienen una larga experiencia tanto como grupo como a nivel personal dado que han participado en muy diversas formaciones de la Comunidad Andaluza, principalmente, asi como de otras.

INTEGRANTES DE THE BEAGLES:

MANUEL SOLDAN SANTOS

Guitarra solista del grupo THE BEAGLES con una extensa carrera musical.

En el terreno del rock, blues y músicas populares, ha realizado giras y actuaciones con artistas  como PATA NEGRA,  HOOK HERRERA, DIEGO  AMADOR, JOSE MANUEL SOTO, asi como actuaciones en programas de radio y television.

Ha pertenecido a grupos como RESTLESS, CHILE BLUES BAND, RAGTIME,  también es miembro de LOS CAVERNÍCOLAS,  formación  tributo a la música de The Beatles, con actuaciones a lo largo de toda la geografía española y en diversos lugares de Europa y considerado en los foros especializados como el grupo que más fielmente reproduce la música sinfónica del cuarteto.

Se inicia en el blues y el jazz de manera autodidacta ampliando mas tarde sus conocimientos con  ABDU SALIM y en diversos  seminarios internacionales con profesores como KENNY BURRELL,  CEDAR WALTON,  BILLY HIGGINS, JERRY BERGONZI,  BRUCE FORMAN, RALPH MOORE, MIKE RICHMOND, BEN MONDER.

Su experiencia profesional abarca  en el terreno del jazz  actuaciones en diversos festivales con solistas como  ANTONIO SERRANO,  REINALD COLOM, ANTONIO MESA, MANUEL MACHADO o JESUS LAVILLA  y   grupos como ANGEL DE JESUS  JAZZ Q., MAGGO JAZZ, JUNGLE JAZZ BAND O  BLUE TRAIN, (con estos dos últimos grupos ha participado  en las ediciones de  los año94, 96, 98, 2000, 2002 y 2009 del Festival Internacional del Jazz  de Sevilla.

También es miembro  de la UNIVERSITARIA  BIG BAND  con la que  ha realizado diversas grabaciones  y participado  en numerosas ediciones  de los festivales  de jazz en las universidades de Sevilla y Málaga,  y en  otros eventos de la comunidad Autonoma  Andaluza, destacando entre ellos su participacion en el ciclo de Jazz del Teatro Central de Sevilla  en noviembre de 2002, donde compartio escenario con el quinteto de TOM HARRELL.

Paralelamente  a estas actividades  ha desarrollado sus estudios  de guitarra clásica  en el  Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde obtuvo el titulo de profesor  de guitarra  en el año 2003.

Como guitarrista clásico  ha trabajado en varios conciertos con la REAL ORQUESTA SINFONICA DE SEVILLA, con la que también ha colaborado tocando guitarra  eléctrica en ciclos de música de cine bajo la batuta de  directores como  ENNIO  MORRICONE  o LEO BROUWER.

VALENTÍN PONCE

Guitarrista, cantante, compositor, arreglista y productor musical, ha trabajado también como músico de sesión en múltiples grabaciones de estudio.

Ha formado parte de los grupos PATA NEGRA, KIKO VENENO, RAIMUNDO AMADOR, JOSE MANUEL SOTO, Y, LOLE Y MANUEL.

Colaboraciones con Canal Sur en programas como 1001 Noches, Maremagnum, etc, formando parte de las bandas de dichos programas.

Como artista en solitario, editó un disco de canciones originales llamado Mi Paraiso Privado en el 96.

JOSE ANTONIO SOLDAN SANTOS

Bajista y guitarra.

Ha formado parte de numerosas bandas tanto de temas propios como de versiones.

Con el grupo Albania  publicó dos LP´s con la discográfica Zafiro, “Dias de sol”1988  y “Cada paso que des” 1990.                                                                                                                                      Posteriormente formó grupos como LOS SHERIFF (versiones de Police); RESTLESS (versiones 70´s); KAYA (Bob Marley); CHILE BLUES BAND y el grupo DOGFACE, en el que retoma la labor de componer temas propios, editando  el CD “The Universe is swingin”1996.

Miembro del grupo los CAVERNICOLAS (Versiones Beatles) con el que lleva más de 15 años y de SCREAM (versiones Cream). También forma parte de The BEAGLES grupo que pretende homenajear a bandas tan importantes como Eagles, Creedence, Clapton, Beatles, etc…

Señalar su labor de compositor y productor en varios trabajos discográficos para otros artistas, así como en anuncios publicitarios para TV.

MANUEL FERNÀNDEZ MONTENEGRO (Batería)

Se inicia en el mundo de las artes a la edad de 15 años en el conservatorio Cristóbal de Morales de Sevilla en la especialidad de percusión.                                                                                                       Se traslada a Barcelona con la idea de ampliar sus conocimientos y es allí donde de la mano del gran maestro uruguayo ALDO CAVIGLIA se adentra en el mundo del jazz y ritmos africanos.

Ha asistido a diferentes masterclass y a seminarios como  los impartidos por  la Universidad  de Sevilla y Cádiz en la especialidad de jazz y música moderna, dominando métodos de batería y caja como:

-Wilcoxon’s: Estudios para Caja

-Syncopation: Ritmos sincopados

-Sitck control (George Lawrence): Técnica de Caja

- FortyRudiments: 40 rudimentos básicos para caja

-Gary chaffe: Batería y patrones rítmicos

-Afrocubandrumset (EnildoRasua): Ritmos afrocubanos para batería

-Afro caribbean & Brazil rhytms for drumset: Ritmos afro y brasileños para bacteria

-4 waycoordination (Marvin dahgren): Ejercicios de coordinación para el desarrollo de la independencia.

-Preparationforsight: Ejercicios de lectura rítmica a primera vista.

En cuanto a su actividad como músico ha tocado y sigue tocando con grupos de muy diferentes estilos; ATARAXIA (graba LP 1998) Silice (rock experimental con bases electrónicas y proyecciones) JAZZ DIABLO ORGANIZATION (grupo con cuyos miembros de diferentes nacionalidades, tocan clásicos de la música brasileña) SLIM JAZZ QUARTET (formación de jazz con la que estuvo de residente durante 2 años en el mítico club barcelonés Bell Luna y le dio la oportunidad de tocar con músicos como SALVADOR FORNIELLES, CARLOS BARCELO, PAVEL ZAZUETA, SERGIO CONTRERAS, LEANDRO ZAPPINO, MARTI BARBA, DIMITRI SKIDANOV Y JORGE PARDO entre otros).

LOOVERDOSE (grupo catalán con el que gira por Cataluña e Italia).

THE SCREAM versiones del grupo mítico de rock y blues  ingles liderado por Eric Clapton.

LOS CAVERNÍCOLAS antiguos Escarabajos (Tributo a los Beatles) actuó en el programa “El Intermedio” del Gran Wyoming.

Tres años como profesor de batería y percusión (2009-2011) en la escuela Todomusica de Sevilla y en la escuela municipal de Valencina de la Concepción (Sevilla).

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El dúo Kraftwerk tocará sus ocho discos en la Sala de Turbinas de la Tate Modern

Efectos audiovisuales y en 3D acompañarán el repaso a su obra en sus primeros directos en Londres desde 2004

Borja Bergareche / Corresponsable en Londres

Día 05/12/2012 – 14.29h

ABC – Krafwert, en una imagen de archivo

El dúo pionero de la música electrónica, Kraftwerk, desplegará todo el poderío visual y sonoro de su obra en ocho actuaciones en la Sala de Turbinas de la Tate Modern durante el mes de febrero. Repasarán mediante «espectaculares visualizaciones en 3D y efectos», según explica la pinacoteca londinense, los ocho discos que componen su obra. «Kraftwerk – The Catalogue 1 2 3 4 5 6 7 8» supone el regreso del tándem alemán a Londres desde su última actuación en 2004. Y servirá para explorar cuatro décadas de experimentación musical y técnico que han tenido una influencia fundamental en la explosión de la música electrónica de los últimos 20 años.

Los ocho actuaciones seguirán un orden cronológico y cubrirán cada una uno de los álbumes de la banda en su integridad. Así, el célebre «Autobahn» (1974) estrenará la serie, seguido de «Radio-Activity» (1975), «Trans Europe Express» (1977), «The Man-Machine» (1978), «Computer World» (1981), «Techno Pop» (1986) (también conocido como «electric Café»), «The Mix» (1991) y «Tour de France» (2003). Este último disco fue una reedición de su conocido single de 1983 grabada para la celebración del centenario de la carrera ciclista. Recuperaron la misma portada con cuatro ciclistas que tenía el «hit» del 83, también celebratorio del deporte sobre dos ruedas al que es aficionado Ralf Hütter, uno de los fundadores de la banda.

Hütter y Florian Schneiderarrancaron su proyecto musical en 1970 en Düsseldorf (Alemania), y en pocos años su instrumentación a base de sintetizadores, cintas y remezclas y la ilustración de su obra a base de «pinturas sonoras» alcanzaron fama mundial. Sus actuaciones en directo se caracterizan por un uso espectacular de la robótica y la tecnología para subrayar el espíritu futurista de la banda y su fe en la simbiosis entre hombre y máquina. En los últimos tiempos, Kraftwerk actuó en la Bienal de Venecia en 2005 y ha sido objeto este año de su primer retrospectiva artística en el MoMA de Nueva York. Ahora actuarán en la imponente Sala de Turbinas de La Tate Modern de Londres entre el 6 y el 14 de febrero. Las entradas costarán 60 libras (73 euros) y salen a la venta el próximo día 12. Solo podrán adquirirse en http://www.tate.org.uk/kraftwerk.

http://www.abc.es/cultura/musica/20121205/abci-kraftwerk-tocara-ocho-discos-201212051424.html

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