Busqueda para agosto, 2014

Muere Glenn Cornick, bajista de Jethro Tull

El músico, de 67 años, era miembro de la formación original de la mítica banda británica

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abcabc_cultura / madrid
Día 31/08/2014 – 18.21h

El músico británico Glenn Cornick, o uno de los miembros fundadores de la banda de rock Jethro Tull, ha muerto a los 67 años de edad, según informa la BBC. Cornick se hizo cargo del bajo en los orígenes del grupo, y tocó en la banda desde su aparición en 1967 hasta que la abandonó tres años después.

De acuerdo a varias informaciones, el músico sufría de insuficiencia cardíaca y falleció este viernes en su casa de Hilo, Hawai (Estados Unidos). Su hijo, Drew Cornick, ha declarado que el artista recibió cuidados terminales antes de fallecer para concluir que su padre fue un tipo «brillante y gruñón» hasta el día de su muerte.

Por su parte, el líder de Jethro Tull, Ian Anderson, también se ha sumado al homenaje a Cornick. Anderson ha admitido que la contribución de Cornick a la legendaria banda, fundamental para entender la música sixties, fue «considerable». «Glenn era un hombre muy afable listo para ser amigo de todo el mundo, especialmente de los colegas músicos», apuntó Anderson en un comunicado difundido en la página web de la formación.

Cornick participó en los tres primeros álbumes del grupo –«This Was», «Stand Up», y «Benefit»– así como en su gran éxito, «Living in the Past». Tras abandonar Jethro Tull, el bajista reunió su propia banda, Wild Turkey.

http://www.abc.es/cultura/musica/20140831/abci-muere-bajista-jethro-tull-201408311736.html

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SUSPENDIDO EL CONCIERTO DE “LOS PUNTOS”

TENEMOS LA URGENTE NECESIDAD DE COMUNICAROS QUE EL CONCIERTO DE LOS PUNTOS PREVISTO PARA EL SÁBADO DÍA 30 HA QUEDADO SUSPENDIDO, SEGÚN NOS INFORMA LA PROMOTORA QUE LLEVA AL GRUPO, DEBIDO AL ACCIDENTE QUE EL BATERÍA A SUFRIDO LESIONÁNDOSE LA MANO Y EL BRAZO.

AMBAS PARTES, GRUPO Y ASOCIACIÓN, INTENTAREMOS QUE EL CONCIERTO SE LLEVE A CABO DENTRO DE UNOS MESES EN EL TEATRO MUNICIPAL CONCHA ESPINA A FECHA A DETERMINAR.

OS ROGAMOS POR FAVOR QUE DIFUNDÁIS  QUE EL CONCIERTO HA SIDO SUSPENDIDO Y QUE LAS ENTRADAS SE PUEDEN DEVOLVER EN LOS MISMOS SITIOS DONDE SE ADQUIRIERON

Viajes Carrefour Torrelavega, C/ Mártires, 6;

Tiendas Manuel Muñoz (Torrelavega);

Cafetería Sajonia (Torrelavega);

Viajes Carrefour Laredo, C/ Padre Ignacio Ellacuria, 1;

Viajes Carrefour Santander, C/ Los Ciruelos, 40 (El Alisal).

MUCHAS GRACIAS POR TODO

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‘Jersey boys’, vuelve el sueño americano

Clint Eastwood adapta a la gran pantalla el ascenso y caída de la banda The Four Seasons

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La película de Clint Eastwood, ‘Jersey boys’, se estrena el 5 de septiembre.

Carles Gámez 28 AGO 2014

Bob Gaudio, Tommy DeVito, Nick Massi y Frankie Valli, cuatro muchachos italoamericanos, prototipos de los héroes de barrio que Martin Scorsese entronizara en la gran pantalla, saltan a los primeros lugares de las listas de éxitos americanas. La beatlemanía está a punto de estallar al otro lado del Atlántico. Canciones como Sherry, Big girls don’t cry, Walk like a man o Rag doll los convierten en los nuevos ídolos del show business en esa división de honor donde se encuentran Frank Sinatra, Elvis Presley o los Everly Brothers. Melodías contagiosas y adhesivas, armonías en estilo doo-wop y la inconfundible voz falsetto de Frankie Valli —que recuerda al crooner Jimmy Scott— constituyen sus señas de identidad.

The Four Seasons, un nombre que tomaron de los rótulos de una bolera, reproduce la vieja historia del sueño americano y sus protagonistas, en ese salto vertiginoso desde los márgenes de la sociedad hasta la cima de la fama y la riqueza. Rupturas, problemas sentimentales, “malas compañías”, dinero fácil, divisiones en el grupo, deudas y decadencia. van construyendo su perfil biográfico y profesional. Una historia, a fin de cuentas, conocida en el mundo del espectáculo.

No es extraño que con estos ingredientes Broadway no tardara en llamar a su puerta. Jersey boys, el musical sobre Frankie Valli y The Four Seasons debutaría con éxito en el 2005, con esa combinación tan querida por la escena musical de lista de éxitos (jukebox) y llamada a la nostalgia, que lo ha convertido en uno de los musicales más populares de las últimas décadas. En las marquesinas de Broadway volvían a reunirse los nombres de Bob Gaudio y Bob Crewe, autores de los grandes éxitos del grupo. ¿Quién se podía resistir al poder mainstream de un tema como Can’t take my eyes off you que, curiosamente, en España, llevaría a las listas de éxitos a finales de los sesenta el crooner británico Matt Monro?

Ahora el musical Jersey boys, siguiendo esa dinámica de vasos comunicantes entre Broadway y Hollywood, conoce una nueva mutación con su traslado a la pantalla. El elegido para reseñar las glorias y miserias del grupo no ha sido otro que Clint Eastwood, que debuta en el género musical como realizador. Eastwood, que ya ha dado pruebas de su exquisito gusto para las bandas sonoras de sus películas, tuvo su bautismo musical con la comedia La leyenda de la ciudad sin nombre. Para la adaptación cinematográfica ha contado con el elenco original del elenco de Broadway encabezado por el actor y aquí cantante, John Lloyd Young, que interpreta a Frankie Valli, el solista de la voz “equívoca” de The Four Seasons.

Jersey boys. Music from the motion picture and Broadway musical. Rhino.

Jersey boys, dirigida por Clint Eastwood, se estrena el próximo 5 de septiembre.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/08/26/babelia/1409075210_789887.html

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«Whole lotta love» de Led Zeppelin, ¿el mejor riff de la historia?

Los oyentes de BBC Radio 2 han elegido el comienzo de esta canción de entre una lista de cien canciones. AC/DC o Guns ‘N’ Roses también están entre los favoritos

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creative commons – Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin y autor del riff ganador

abc.esabc_cultura / madrid
Día 27/08/2014 – 12.33h

«Whole Lotta Love» de Led Zeppelin ha sido nombrado como el mejor riff de guitarra de todos los tiempo por los oyentes de BBC Radio 2. Los seguidores de esta emisora han votando desde el mes de julio sobre una lista de cien candidatos elaborada por un grupo de expertos en música.

Al hablar de su riff icónico y el voto de los oyentes, Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, se mostró sorprendido por su éxito. «Estoy noqueado por esto, no esperaba que sucediera», recoge la revista especializada en música NME. «Ha habido tantos riffs maravillosos a lo largo del camino… Yo quería un riff que realmente mueva a la gente y que le haga sonreír».

Entre las diez favoritas de los oyentes se han colado otros grandes temas como «Sweet Child O’ Mine» de Guns ‘N’ Roses, «Back in black» de AC/DC o el celebérrimo «Smoke on the water». La lista completa la forman las siguientes canciones:

1. Led Zeppelin – «Whole Lotta Love»
2. Guns ‘N’ Roses – «Sweet Child O’ Mine»
3. AC/DC – «Back In Black»
4. Deep Purple – «Smoke On The Water»
5. Derek And The Dominoes – «Layla»
6. The Smiths – «How Soon Is Now?»
7. Status Quo – «Down Down»
8. Dire Straits – «Money For Nothing»
9. The Kinks – «You Really Got Me»
10. Pink Floyd – «Money»

http://www.abc.es/cultura/musica/20140827/abci-zeppelin-best-riff-201408261356.html

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El disco póstumo de Robin Gibb saldrá a la venta el 30 de septiembre

«50 St. Catherine’s Drive», cuyo título rinde homenaje a la casa donde el cantante nació en la Isla de Man, incluye temas grabados entre 2006 y 2008

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EFE – Robin Gibb, en 2011, durante un concierto en Varsovia

abc.es / madrid
Día 27/08/2014 – 18.40h

Rhino pone a la venta el próximo 30 de Septiembre el disco póstumo de Robin Gibb, fallecido en mayo de 2012. Junto con sus hermanos Barry y Maurice, Robin formó parte de Bee Gees, uno de los grupos pop de mayor éxito en la historia de la música contemporánea.

El disco, titulado «50 St. Catherine’s Drive» en homenaje a la dirección de la casa donde Robin nació en la Isla de Man, contiene una colección de canciones grabadas entre el 2006 y el 2008 que ven la luz ahora por primera vez. El repertorio se completa con las que fueron las últimas grabaciones de Robin, informa la casa de discos en un comunicado.

La última canción del disco, «Sydney», es precisamente la última canción que Robin compuso y grabó en vida. Según declaraciones de su viuda Dwina Gibb. «Robin compuso esta canción una noche de Agosto del 2011, en nuestra casa The Prebendal. Uso los teclados del dormitorio y el programa Garageband de su iPad. Deseaba terminar el tema en el estudio con Barry para un disco que esperaba que grabasen juntos pero su salud se lo impidió».

El disco contiene también tres canciones escritas con su hijo RJ Gibb. Puedes reservar aquí tu copia y hacerte con la canción «I Am the World» gratis.

«50 St. Catherine’s Drive» es una mirada personal y autobiográfica al talento de uno de los grandes compositores pop de la historia. Autor de canciones inmortales como «Stayin Alive», «Jive Talking», «More Than A Woman», «Tragedy», «Massachusetts» o «How deep Is Your Love», Robin Gibb deja un legado que será recordado durante generaciones.

http://www.abc.es/cultura/musica/20140827/abci-disco-postumo-robin-gibb-201408271628.html

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Bob Dylan lanzará en noviembre la edición definitiva de «The Basement Tapes»

Este volumen recoge todo lo que el artista creó y grabó –un total de 138 canciones– junto a los miembros de «The Band» en los meses de retiro posteriores a su accidente de moto

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Bob Dylan, en una imagen de 1966, año en el que sufrió el accidente de moto

efeabc_cultura / madrid
Día 27/08/2014 – 11.04h

Un total de 138 canciones distribuidas en seis discos compondrán la edición definitiva de «The Basement Tapes», el álbum salido de las míticas sesiones de grabación de Bob Dylan y The Band en 1967. Se trata de una volumen que cuenta con un buen número de canciones inéditas que saldrán a la venta el 4 de noviembre.

Bajo el título «The Basement Tapes Complete: The Bootleg Series Vol. 11», este lanzamiento aspira a recoger todo lo que Bob Dylan creó y grabó junto a Robbie Robertson, Rick Danko y el resto de The Band en los meses de retiro posteriores a su accidente de moto en julio de 1966, según la página oficial del artista.

Ese encuentro entre algunos de los mejores músicos de los años sesenta suscitó desde entonces una gran curiosidad por parte de los melómanos. No en vano, Dylan se hallaba en pleno auge creativo (en mayo de 1966 había publicado «Blonde on blonde») y conocía perfectamente a The Band, ya que habían girado juntos.

Encerrados en un sótano, Bob Dylan y The Band grabaron versiones de clásicos de la música norteamericana y empezaron también a componer nuevas canciones, algunas de las cuales serían posteriormente grandes éxitos como «I shall be released».

Tras diversos rumores y la circulación de grabaciones piratas, en 1975 se editó una primera edición de «The Basement Tapes» que recopiló 16 de esas canciones. No obstante, se sospechaba que había mucho más material grabado o perdido, que es el que ahora por fin sale a la luz.

Junto a la edición completa de seis discos de «The Basement Tapes», se publicará además una versión reducida de todo el listado formada por 38 canciones en dos discos.

http://www.abc.es/cultura/musica/20140827/abci-dylan-basement-tapes-201408261948.html

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La vida de Bob Marley se llevará al escenario

El director británico Kwame Kwei-Armah prepara un musical sobre el artista jamaicano, que se estrenará el año próximo

Bob Marley Singing with Clenched Fist -musica_marley_b.jpg de ArchivoABC-

ABC – Bob Marley, durante un concierto

J. B.juliobravo1963 / MADRID Día 28/08/2014 – 17.01h

Era cuestión de tiempo que la música de Bob Marley, mascarón de proa del reggae, se convirtiera en un musical. En mayo del año próximo se estrenará en el Center Stage de Baltimore, en Estados Unidos, un espectáculo basado en la vida y la obra del artista jamaicano, y que dirigirá Kwame Kwei-Armah.

El dramaturgo británico será también el autor del libreto, que se basará en una etapa concreta de la vida de Bob Marley, que murió en 1981, a los treinta y seis años. Según explicó Kwei-Armah al New York Times, el musical no será un «jukebox» (así se denomina a las producciones creadas en torno a las canciones de artistas o grupos de éxito, tipo «Mamma mia!» u «Hoy no me puedo levantar», por ejemplo).

El espectáculo, dijo, se centra en un «momento realmente dinámico» de la vida de Marley: su exilio en Londres después de sufrir, en 1976, un intento de asesinato. «No podemos ignorar lo que Bob significa para la comunidad negra, y cómo atraía este hombre salvaje y con rastas a la comunidad blanca.

Fue un profeta», añadió Kwei-Armah, que explicó que en el musical se interpretarán una veintena de canciones de Bob Marley. «Trataremos de presentarlas como una unidad, tal y como él exigiría; no se trata de coger las canciones y encajarlas sin más dentro de la trama. Hay una investigación sobre ese período de su vida, durante el que grabó dos de sus álbumes más importantes».

El musical incluye canciones como «Exodus», «Kaya» o «Rastaman Vibration», compuestas durante esos años. «Escribir esta obra -añadió Kwei-Armah- es mi manera de rendir tributo a todo lo que he aprendido de Marley a lo largo de los años». Falta ahora encontrar al intérprete que encarne a Bob Marley. «No tiene que parecerse físicamente a él, pero tiene que ser capaz de generar su energía física, espiritual y sexual que él emanaba».

http://www.abc.es/cultura/teatros/20140828/abci-musical-marley-201408271150.html

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El sábado día 30 Los Puntos en Torrelavega

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 Los Puntos, uno de los grandes grupos de la historia del pop español estará en Torrelavega el próximo sábado día 30 de agosto en el Pabellón Vicente Trueba a las 21 horas.

El precio de las entradas anticipadas será de 10 euros y en taquilla de 15 euros.

Se distribuirán en: Viajes Carrefour Torrelavega, C/ Mártires, 6; Tiendas Manuel Muñoz (Torrelavega);  Cafetería Sajonia (Torrelavega);  Viajes Carrefour Laredo, C/ Padre Ignacio Ellacuria, 1; Viajes Carrefour Santander, C/ Los Ciruelos, 40  (El Alisal).

Formación actual

  • José (“Pepe”) González-Grano de Oro Guirado: Voz y Guitarra (Fundador grupo)
  • José Belmonte Uribe: Bajo
  • Juan Roque Cano Pérez: Guitarra y voces
  • Francisco Caparrós Millán (“Millagui”): Teclados y voces
  • Pablo León: Batería

Las primeras actuaciones de Los Puntos datan de 1967, en su pueblo  Cuevas del Almanzora (Almería) y el conjunto se bautiza como Los Puntos, el resto, una leyenda….

El líder de Los Puntos es Pepe González Grano de Oro guitarra. Con él, al bajo José Belmonte, el teclista Francisco Caparros,  Juan Roque  Guitarra y voces y a la batería Pablo León.

“Good Morning” (1970) con el que van a aparecer por primera vez en las listas de venta.

Durante el año 1971 llega “Magdalena” (1971) que vuelve a llevarlos a las listas.

Desde allí crean algunos de los temas más recordados de la década de los 70.

Su primer hit será “Cuando Salga la Luna” (1973) con la que alcanzarán el top de ventas nacionales. Ese mismo año publicarán su primer long play de título homónimo al del citado single.

A partir de ahí, Los Puntos van a realizar sus mejores canciones, introduciendo elementos arábigos en la instrumentación y las melodías sin perder un ápice de la fresca comercialidad que caracterizaba sus temas.

Su mejor año sería justo el siguiente con temas como  “Esa Niña que me Mira” (1974) o la memorable “Llorando por Granada”1974).  Ambos discos rozan el número uno absoluto de ventas.

Por ese mismo camino de las raíces, llegarán poco después otras canciones importantes del grupo, como ese himno costumbrista rural titulado Feria”“Tierra cristiana”  “El sur”, con el lograrán el puesto cabecero de las listas de éxitos.

 http://www.lospuntos.es/lospuntos_biografia.htm

http://amigosdelospuntos.blogspot.com.es/

http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Puntos

https://www.facebook.com/lospuntosoficial

http://lafonoteca.net/grupos/los-puntos

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‘The cry of love’ y ‘Rainbow bridge’, de Jimi Hendrix, reeditados para septiembre

Los relanzamientos mantendrán el diseño original de ambos álbumes

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UNSPECIFIED – CIRCA 1970: Photo of Jimi Hendrix Photo by Michael Ochs Archives/Getty Images

Por Rolling Stone – 22 de agosto de 2014

Los dos primeros álbumes de estudio póstumos de Jimi Hendrix, The cry of love y Rainbow bridge – que originalmente fueron publicados en 1971 – se volverán a remasterizar y lanzar en CD, LP y digital el próximo mes. El ingeniero de sonido Bernie Grundman, cuyos créditos de masterización incluyen el Purple rain de Prince y el Thriller de Michael Jackson, volvió a los másters analógicos originales de ambos álbumes para tratar de obtener el mejor sonido posible, y cada lanzamiento contará con el diseño y orden de pistas originales. También será la primera vez que Rainbow bridge esté disponible como CD oficial.

The cry of love fue publicado menos de seis meses después de que Hendrix muriera en septiembre de 1970, y compilado por el ingeniero Eddie Kramer y el batería de Jimi Hendrix Experience Mitch Mitchell. El icónico guitarrista grabó la mayoría de las canciones del álbum entre diciembre de 1969 y el verano siguiente en su estudio de Nueva York, Electric Lady, con la intención de lanzarlo como doble álbum, bajo el título de First rays of the new rising sun. El álbum fue completado en un relanzamiento posterior de 1997 incluyendo grabaciones de Mitchell, el bajista Billy Cox, el batería Buddy Miles y el bajista de Experience Noel Redding, así como con Steve Winwood como invitado especial.

Rainbow bridge, en el que también participaron Kramer y Mitchell, originalmente salió al mercado en octubre de 1971 y contenía más música de las sesiones de The cry of love. El álbum contiene una versión de estudio de Hendrix de Star spangled banner, así como un single grabado en directo de Hear my train a comin’, que se grabó en 1970. El álbum también incluye apariciones de Miles y Redding, así como una aparición estelar de The Ronettes haciendo los coros para Earth blues.

http://rollingstone.es/noticias/the-cry-of-love-y-rainbow-bridge-de-jimi-hendrix-reeditados-para-septiembre/

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Escucha un nuevo tema de Leonard Cohen

‘Almost like the blues’ es el primer adelanto de ‘Popular problems’. También conocemos su portada.
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                                                     Leonard Cohen por Simone Joyner/Redferns via Getty Images
Por Rolling Stone – 19 de agosto de 2014
Hace poco anunciaba alguien cercano a Leonard Cohen que el próximo 23 de septiembre saldría a la venta Popular problems, su próximo álbum, coincidiendo con su 80 cumpleaños.
Hoy tenemos por fin pruebas audibles que confirman el rumor, en forma de Almost like the blues, el primer single que escuchamos del nuevo disco y que reafirma por enésima vez sus señas de identidad.
También se ha dado a conocer la portada de Popular problems (que ya ha suscitado polémica), similar a la anterior Old ideas, álbum que publicó en 2012 y que lo llevó a alcanzar el tercer puesto para Billboard, además de llegar a ser el disco más vendido en once países y proclamarse como el artista más longevo en alcanzar el primer puesto.
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                                                     Portada de ‘Popular Problems’, de Leonard Cohen
La mayoría de los temas serán nuevos para los fans de Cohen, aunque ya debutó Born in chains en directo en 2010, y tocó My oh my en una prueba de sonido ese mismo año. No está claro si Cohen presentará Popular problems con una gira, aunque ya ha confirmado que no dará ningún concierto en 2014.
Popular problems es el segundo álbum que Cohen publica desde su milagroso regreso en 2008. Estuvo 15 años ausente hasta ese momento, y dejó a sus fans de piedra tras cantar durante tres horas y media en conciertos que lo llevaron rápidamente desde pequeños teatros de Canadá hasta estadios que colgaban su cartel de sold-out por todo el mundo.
A continuación puedes ver el tracklist de Popular problems:
1. Slow
2. Almost Like The Blues
3. Samson In New Orleans
4. A Street
5. Did I Ever Love You
6. My Oh My
7. Nevermind
8. Born In Chains
9. You Got Me Singing
Escucha a continuación Almost like the blues:

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McCartney desata la locura en el estadio del último concierto de los Beatles

El Candlestick Park de San Francisco, estadio que pasó a la historia por ser el escenario del último concierto de la banda en 1966, vivió otra jornada memorable

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Paul McCartney, en el Candlestick Park de San Francisco AP/Marcio Jose Sanchez

Música | 15/08/2014 – 07:30h | Última actualización: 15/08/2014 – 09:32h

San Francisco (EEUU). (EFE/Marc Arcas).- El Candlestick Park de San Francisco, estadio que pasó a la historia por ser el escenario del último concierto de los Beatles en 1966, vivió anoche otra jornada memorable, con el concierto en solitario de Paul McCartney, el último evento que acogerá antes de su demolición.

Del mismo modo que el Candlestick despidió al cuarteto de Liverpool un frío 29 de agosto de 1966 -en San Francisco el verano es especialmente frío-, el destino ha querido que fuese uno de los protagonistas de esa jornada, sir Paul McCartney, quien 48 años después regresase al estadio para despedirse del que fue escenario de su último concierto junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr.

Después del concierto de hoy, que se ha vuelto a celebrar bajo el frío de agosto y una intensa niebla, el estadio será demolido para darle al terreno donde se encuentra usos residenciales y comerciales.

La actuación de McCartney, que ha interpretado tanto piezas de su repertorio en solitario como de los Beatles, ha llenado por última vez el Candlestick con casi 50.000 asistentes (el doble de los presentes en el concierto de 1966) y ha desatado una auténtica locura en la ciudad.

“No podía perdérmelo, sencillamente no podía. Estuve cuando los Beatles tocaron en el 66 y ese concierto me marcó para toda la vida, así que ahora tenía que volver”, explicó a Efe Rose Kurtz, una vecina de Reno (Nevada) que se desplazó a la ciudad expresamente para asistir al concierto y que ya por la mañana del jueves se acercó a dar una vuelta junto a su marido por los alrededores del estadio.

Tal era el grado de expectación para el concierto de McCartney, que cuando las entradas se pusieron a la venta (a un precio de entre 50 y 255 dólares), se agotaron en sólo dos horas.

El propio McCartney quiso hacer del concierto una ocasión especial, y animó la fiesta con más de 900 efectos pirotécnicos, una cifra muy superior a la que habitualmente usa en sus actuaciones.

Hace casi medio siglo, John Lennon, George Harrison, Ringo Starr y el propio McCartney ofrecieron a los 25.000 asistentes a su último concierto clásicos del cuarteto de Liverpool como “Yesterday”, “Long Tall Sally”, “Paperback Writer” y “She’s a Woman”.

En aquella ocasión, las entradas para los aficionados costaron entre 4,5 y 6,5 dólares.

Siempre se hace referencia al del Candlestick como el último concierto “oficial” de los Beatles porque estos volvieron a reunirse una vez más el 30 de enero de 1969 por sorpresa en el tejado de la discográfica Apple Records de Londres en la que fue su última actuación juntos.

El concierto de este jueves, bautizado como “Farewell to Candlestick” (Despedida al Candlestick) se celebró en el marco de la gira “Out There” de McCartney, que también le ha llevado a varios países latinoamericanos como Uruguay, Chile, Perú, Ecuador y Costa Rica y a otras ciudades de Estados Unidos como Chicago y Los Ángeles.

El Candlestick Park, en la zona sureste de San Francisco y de propiedad municipal, fue inaugurado el 12 de abril de 1960 por el entonces vicepresidente de EE.UU. Richard Nixon para albergar a los “Giants” de beisbol, que se habían trasladado a la ciudad californiana sólo dos años antes procedentes de Nueva York.

En 1971, a los “Giants” de beisbol se les unieron los “49ers” de fútbol americano, y ambos equipos compartieron estadio hasta 1999, cuando los “Giants” se trasladaron al actual AT&T Park y el viejo Candlestick quedó reservado exclusivamente para el fútbol americano.

El año pasado, los “49ers” jugaron su última temporada en el Candlestick, y ahora se han trasladado a un nuevo campo en Santa Clara (al Sur de San Francisco), por lo que el estadio municipal ha quedado huérfano de equipos.

http://www.lavanguardia.com/cultura/20140815/54413068682/mccartney-desata-la-locura-en-el-estadio-del-ultimo-concierto-de-los-beatles.html

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Julio Iglesias arrasa en el Starlite de Marbella

Con todas las localidades vendidas y la presencia de su familia y muchos rostros conocidos, ofreció un gran concierto

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ABC

pedro luis gómez / marbella
Día 15/08/2014 – 13.18h

Un concierto muy personal. Público y artista solo uno. 3.000 personas entregadas. Un auditorio a reventar con un lleno hasta la bandera. Julio Iglesias llegó, cantó y arrasó en un Starlite Festival que no sería lo mismo sin el gran cantante español, seduciendo a todos con sus canciones, pero también con su forma de ser y de entender la vida.

Fue una noche maravillosa para los afortunados que pudieron conseguir una entrada, porque desde hace un mes no había ni una sola localidad libre, pese a tener los precios más elevados de todo el ciclo de conciertos. Julio es el único artista del festival marbellí que ha cantado en todas sus ediciones y que en todas ha conseguido poner el cartel de «localidades agotadas». Un fenómeno. Sólo eso, ni más ni menos.

La expectación era enorme. Llegaba Julio Iglesias, el único que ha conseguido en todas sus apariciones en la Cantera de Nagüeles agotar las entradas. Desde dos horas antes ya había colas de coches y de personas en las inmediaciones del Auditorio de Marbella, que lucía como pocas veces.

Muchas caras conocidas, muchos rostros famosos, desde ex presidentes del Gobierno, como José María Aznar; presidentes autonómicos, como el madrileño Ignacio González, hasta alcaldes y alcaldesas como Ana Botella (Madrid), Ángeles Muñoz (Marbella), Francisco J. Fragoso (Badajoz); presidentes de Diputación, como Elias Bendodo (Málaga), o presidentes de equipos de Fútbol, como el de la Ponferradina, que venía con Álvaro del Bosque, hijo del seleccionador español, o empresarios de relevancia como Félix Revuelta, Pedro Rodríguez, Pedro Trapote, Manuel Villafaina, Ramón Soler, Federico Beltrán, y personalidades del mundo de la cultura y de la sociedad en general.

Todo un mundo de personalidades para ver al más grande, al mejor artista latino de la historia, al único cantante vivo que ha conseguido vender casi 400 millones de discos, y que a sus 70 años sigue recorriendo el mundo y despertando pasiones, porque eso es lo que hace Julio Iglesias, todo un mito, una leyenda viva. Un gran hombre y un excepcional artista.

Julio Iglesias no desaprovechó la ocasión para reivindicar su categoría. Y lo hizo como los grandes: con sus canciones. Con su dominio del escenario, con su complicidad con el público, un público entregado y «suyo» que disfrutó de principio a fin en un concierto que tuvo mucho de íntimo y que duró dos horas, con las canciones que han hecho grande a su autor, como «Amor, amor», «La gota fría», «Galicia», «Manuela», «Quijote», «Crazy», «Manuela», «De niña a mujer», «Carusso», «Hey», «Me va, me va», «La vida sigue igual» o «A mi manera», entre otros de los 30 temas que interpretó entre el delirio y el gozo de su público.

Llenó Nagüeles, triunfó como siempre, y demostró que el Starlite Festival no sería lo mismo, ni por asomo, sin su mágica presencia. Entre el público, felices, Miranda y sus hijos. Su ahijado. Su hermano. Su familia. Su gente. Otra noche para el recuerdo.

http://www.abc.es/cultura/musica/20140815/abci-julio-iglesias-starlite-201408142102.html

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Michael Jackson estrena en Twitter el clip ‘A place with no name’

Del álbum póstumo XSCAPE

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Foto: MICHAEL JACKSON

MADRID, 14 Ago. (EUROPA PRESS)

La cuenta oficial en Twitter de Michael Jackson ha estrenado A place with no name, el video del nuevo single del álbum póstumo XSCAPE, de Epic Records.

El video, de más de cuatro minutos de duración, está compuesto de tomas descartadas de otros videoclips del Rey del Pop y está dirigido por Samuel Bayer.

El cinesta responsable del remake de Pesadilla en Elm Street ya ha dirigido clips para artistas como Metallica, Green Day, The Offspring, The Smashing Pumpkins, The Cranberries o My Chemical Romance.

El disco XSCAPE, que vio la luz el pasado 13 de mayo, está integrado por ocho canciones inéditas y ha contado con diferentes productores, entre los que destaca Timbaland.

El proyecto ha sido dirigido por el presidente y consejero delegado de Epic Records, L.A. Reid, quien ha sido autorizado por los herederos de Jackson para tener acceso ilimitado a todas sus grabaciones.

El propio Reid seleccionó las canciones que después fueron entregadas a los productores para actualizar su sonido y “contemporaneizar”. Junto a Timbaland, han trabajado también Rodney Jerkins, Stargate, Jerome ‘Jroc’ Harmon y John McClain.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-michael-jackson-estrena-clip-place-with-no-name-20140814175130.html

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La foto de The Beatles en Abbey Road cumple 45 años

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Actores del musical “Let it Be” remomemoran la foto de The Beatles en Abbey Road Efe

09 de agosto de 2014. 07:54h Efe.  Londres.

Un concierto sorpresa en la conocida calle Abbey Road a cargo de los actores del musical “Let it Be” rememoró ayer en Londres el 45 aniversario de la legendaria foto de The Beatles cruzando un paso de peatones.

El mismo día y a la misma hora que en 1969, un 8 de agosto a las 11.30 de la mañana, los actores, caracterizados como The Beatles, hicieron su aparición en Abbey Road para, ante la sorpresa de todos los allí presentes, dar un pequeño concierto y cruzar el paso de peatones como hace 45 años lo hizo banda de Liverpool original.

Las canciones elegidas para el recital improvisado fueron dos clásicos de los “fab four”: “Come Togheter” y “Here Comes The Sun”, que los seguidores corearon junto con los músicos.

La foto original se tomó de manera casi improvisada, mientras The Beatles grababan en los estudios situados a escasos metros del cruce, y fue la que acabó convirtiéndose en la portada del undécimo álbum de estudio de los músicos, “Abbey Road”.

Desde ese momento, aquel paso de peatones pasó a convertirse en un lugar obligado de peregrinación para los seguidores de The Beatles que cada día se acercan hasta allí y emulan la instantánea igual que lo hicieran sus ídolos 45 años atrás.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/7099703/cultura+musica/la-foto-de-the-beatles-en-abbey-road-cumple-45-anos#.Ttt12ZEAhJf4ufV

Esta es la foto original con The Beatles como protagonistas

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DIAMANTES MUSICALES TAMBIÉN ESTUVO ALLÍ

Jose pisando el paso de peatones

Jose pasando en buena dirección por el paso

Conchi pasando por El Paso

Conchi pasando con buena marcha

 

 Con motivo de ese momento que se hizo histórico el día 8 de agosto de 1969 y en su recuerdo varios integrantes de Diamantes Musicales se fueron a Londres y más concretamente a Abbey Road a esa misma hora las 11,30, para conocer y atravesar varias veces y en todas direcciones el famoso paso de peatones.

Para mayor satisfacción estuvimos con los actores que componen el musical “Let it be”, fuimos a ver la obra al Theatre Garrick y hacer fotos, grabar videos y audios del musical.

 
Fachada del Teather Garrick

Theatre Garrick donde vimos el musical Let it be

Los mismos acores que vimos y oímos, son los que aparecen y recuerdan también esa foto y ese momento en el artículo de prensa arriba plasmado.

Final de la actuación

Momento en que en fondo de escenario se ve el paso de peatones

Patio butacas Teathre Garrick

Patio butacas Teathre Garrick, por encima tres plantas más

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Las diez joyas del cine musical pop

Se cumple medio siglo de ‘¡Qué noche la de aquel día!’, la película que desató el fenómeno Beatles a gran escala. Repasamos una década que transformó la relación del séptimo arte con la música

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Carles Gámez 7 AGO 2014 – 18:17 CEST

1. ¡Qué noche la de aquel día!

Richard Lester. 1964

Cuando ¡Qué noche la de aquel día! llegó a las pantallas parecía un objeto no identificado en comparación con el cine juvenil de la época. Solo había que mirar las comedias almibaradas de Elvis Presley o de Cliff Richard, por señalar otro producto británico, como referentes. Artífice de la primera incursión de los Beatles en la pantalla, Richard Lester consiguió volcar con éxito los ingredientes originales: humor, juventud, alegría y una excelente banda sonora a cargo de los autores. No sabemos si estos componentes se les atragantaron a los censores españoles que a punto estuvieron de prohibir la película. El tándem Lester & Beatles repetiría (Help, 1965) y dejaría un proyecto frustrado, la versión del clásico Los tres mosqueteros a cargo del cuarteto con una sexy Milady, ni más ni menos, Brigitte Bardot.

1406737473_339576_1406738229_sumario_normal2. Don’t look back

D. A. Pennebaker. 1965

Durante tres semanas el documentalista D. A. Pennebaker siguió a Dylan por su tournée británica. Como una road movie la película nos muestra al cantante —por delante y por detrás— como no se le volvería a ver en la pantalla. Un Dylan con su círculo más íntimo, Grossman, Bob Neuwirth; sus encuentros fallidos, Donovan, o dolorosos, Joan Baez. Un retrato en vivo del cantante realizado con impecable honestidad que recoge ese momento de tránsito del juglar folk al cantautor eléctrico que unos meses después grababa Like a Rolling Stones, su ascensión al Everest musical. Para la secuencia de obertura unas imágenes que acabarán haciendo historia: el clip de la canción Subterranean homesick. El documental tendría su continuación, 65 Revisited (2007) a cargo del propio Pennebaker.

1406737473_339576_1406892792_sumario_normal3. Anna

Pierre Koralnik. 1967

Pensada para la televisión esta comedia musical pop se sostiene por dos de sus vigas maestras, por un lado, la actriz Anna Karina, que había dejado atrás definitivamente su etapa Godard y se sumergía en otros paisajes plásticos, y de otro, la figura de Serge Gainsbourg, aquí como intérprete y compositor de la banda sonora que sustenta las imágenes del telefilme dentro de la imaginería nueva ola de la época. Gainsbourg se encontraba en lo más alto de la cresta de su etapa pop y dejaba una canción para el álbum de los clásicos de los sesenta Sous le soleil exactament en la voz de Anna Karina y Ne dis rien interpretada a dúo. Como figuras complementarias, Marianne Faitfhull, en versión francesa, y el rockero, Eddy Mitchell.

1406737473_339576_1406739025_sumario_normal4. Cita en Las Vegas

George Sidney. 1964

Aunque el título original de Viva Las Vegas mudó por el más convencional de Cita en Las Vegas, la comedia musical siguió arrojando esa corriente de alto voltaje propiciada por la “colisión” entre Elvis Presley y una joven estrella como Ann-Margret en expansión libre. Dirigida por un maestro del musical, George Sidney, dentro de los cánones del cine clásico de Hollywood, Viva Las Vegas le daba aliento y una buena carga de erotismo a un género que parecía haber tenido su canto de cisne en West Side Story. Los números musicales de Elvis Presley y Ann-Margret, juntos o por separados, continúan haciendo saltar los contadores. Ann-Margret conquistaba su estatus de sex symbol y de paso le robaba más de un plano al mismísimo The King.

1406737473_339576_1406739164_sumario_normal5. Monterrey Pop

D. A. Pennebaker. 1967

El Festival Monterrey Pop se adelantó a la otra gran celebración pacifista y festividad hedonista de la década, Woodstock, el festival de rock inmortalizado en el documental que fragmentó la pantalla. Pennebaker documentaba la gran fiesta californiana como obertura del llamado Verano del Amor. Casi medio siglo después las imágenes de la actuación “incendiaria” de Jimi Hendrix en el festival siguen sobrecogiendo en medio de la fraternidad Flower-power. También queda para el recuerdo y la épica musical la actuación de Otis Redding, que solo unos meses después desaparecía trágicamente y que delante de un auditorio, de entrada poco receptivo, mostraba la musculatura de la música soul.

1406737473_339576_1406739321_sumario_normal6. Sympathy for the devil (One plus One)

Jean-Luc Godard. 1968

Encuentro imposible y, al mismo tiempo, magnético entre el exportavoz de la Nouvelle Vague y la heterodoxia del rock and roll, los Rolling Stones. El director suizo se cruza con el grupo en un estudio durante la grabación del álbum, Beggars Banquet. A medio camino entre el documental y la ficción, la cita —Godard & Rolling Stones— no puede decirse que se saldara con un intercambio o diálogo muy fértil. En el balance final quedaban las imágenes grabadas del proceso de creación de uno de los temas destinados a formar parte de la mitología rollingstoniana,</CF> Simpathy for the devil. Godard abría de par en par la trastienda íntima y creativa del grupo. Las imágenes “revolucionarias” de la película han soportado peor el paso del tiempo.

1406737473_339576_1406739636_sumario_normal7. Les idoles

Marc’O. 1968

Una obra teatral que triunfaba en los escenarios del off-off parisiense y en un año tan cargado de referencias como 1968. El propio director de la pieza escénica es el encargado de trasladar esta sátira despiadada del mundo del espectáculo y de los ídolos juveniles. Tres estrellas de la llamada música yeyé se confiesan ante el público desvelando las mentiras, su marketing prefabricado y las caras ocultas del show-bussines. Una jovencísima Bulle Ogier en el papel de una cantante yeyé —un clon de France Gall, Sylvie Vartan— y sobre todo un electrizante Pierre Clementi, recién salido de Belle de jour, como divo pop-star. De visión obligada para seguidores y participantes de Operación Triunfo y programas similares.

1406737473_339576_1406739859_sumario_normal8. Gimme Shelter

Albert Mayles, David Mayles, Charlotte Zwerin. 1969

Los hermanos Mayles sin proponérselo filmaban el acta de defunción del “sueño de una noche de verano” que había comenzado dos años atrás en el Festival de Monterrey y cerrarían como citas musicales, Woodstock y la Isla de Wight. El festival de Altamont acaba escribiéndose en la crónica de sucesos y los Rolling Stones confirmando su filiación de “majestades satánicas” del rock and roll. El documental Gimme Shelter queda como una sobrecogedora y dramática crónica sobre la épica del rock donde sobrevuela la figura fantasmal de Mick Jagger enfrentado a sus miedos, temores, impotencia sobre el escenario.

1406737473_339576_1406739954_sumario_normal9. El submarino amarillo

Georges During. 1968

Aunque Blake Edwards se había adelantado dejando un submarino de color rosa en la película Operación Pacífico, la alianza de los Beatles y el creador gráfico Heinz Edelmann puso los colores definitivos al sumergible naval. Después de la experiencia televisiva y algo frustrante de Magical Mystery Tour, el grupo se embarcó en un proyecto de película de dibujos animados para un público adulto, aunque sin desdeñar al espectador infantil. El resultado final: una especie de Walt Disney destilado por la imaginería psicodélica y bañado en colores lisérgicos. A partir de ahora El submarino amarillo pasaba a formar parte del álbum de oro del pop junto a la Barbarella de Roger Vadim y 2001 Odisea del espacio de Stanley Kubrick.

1406737473_339576_1406740090_sumario_normal10. Un, dos, tres al escondite inglés

Iván Zulueta. 1969

El cine juvenil español, más allá de Marisol y Rocío Dúrcal y de las producciones a la carta para Raphael, había dejado algunas muestras aceptables, Megatón ye-ye (Jesús Yagüe, 1965), Cada vez que (Carlos Durán, 1968) o el debut de Los Bravos, Los chicos con las chicas (Javier Aguirre, 1967,) siguiendo la inevitable herencia lesterniana y su experiencia con los Beatles. Realizador del programa musical de TVE, El último grito, Iván Zulueta, para su debut cinematográfico, trasladaba a la pantalla una buena parte de su experiencia creativa como artista pop. Al margen de ese inevitable —y envejecido— perfume de comedia progre, la película sigue mostrándose como un producto insolente y bastante insólito para su época.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/07/30/babelia/1406737473_339576.html
 Carles Gámez 7 AGO 2014 – 18:17 CEST

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The Original Blues Brothers Band actuará en septiembre en Madrid y Murcia

GIRA ESPAÑOLA

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MADRID, 7 Ago. (EUROPA PRESS) -

The Original Blues Brothers Band estará en concierto en Madrid (día 2, La Riviera) y Murcia (el 4 en el Parque Fofó) en el próximo mes de septiembre.

Con dos de sus miembros originales aún al frente, Steve Cropper y Lou Marini, acompañados por músicos como John Tropea, Leon Pendarvis, Eric Udel o Lee Finkelstein, que llevan décadas en el grupo.

The Blues Brothers Band regresa con dos nuevos cantantes, dispuesta a ofrecer un concierto recordando grandes canciones como ‘Everybody needs somebody’, ‘Think’, ‘New Orleans’, ‘Soul Man’ o ‘Sweet Home Chicago’.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-the-original-blues-brothers-band-actuara-septiembre-madrid-murcia-20140807165319.html

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El exnovio de Marianne Faithfull mató a Jim Morrison por accidente

La actriz confiesa a la revista Mojo que Jean de Breiteuil fue el culpable de la sobredosis del artista
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Jim Morrison (1943-1971),
cantante y compositor de The Doors.
 EFE Dublín 6 AGO 2014 – 14:25 CEST

La inglesa Marianne Faithfull ha revelado que su exnovio, el traficante de drogas Jean de Breiteuil, “mató por accidente” al líder de The Doors, Jim Morrison, según publica hoy la revista musical británica Mojo. En una entrevista, la cantante y actriz parece confirmar así una de las muchas versiones que han circulado sobre el fallecimiento de Morrison el 3 de julio de 1971 en París, cuando tenía 27 años de edad.

El informe de un doctor reflejó entonces que el cantante estadounidense murió por un fallo cardiaco, agravado por el abuso del alcohol, pero no se llegó a efectuar una autopsia pues las autoridades galas no consideraron que la muerte se debiera a causas violentas. En consecuencia, muchos han sostenido que Morrison sufrió una sobredosis de heroína suministrada por el también fallecido De Breiteuil, compañero sentimental de Faithfull en aquella época y conocido “camello” de famosos.

La pareja se quedaba esos días de verano en un hotel parisino y De Breiteuil fue a visitar al líder de The Doors en su apartamento de la Rue Beautreillis, mientras Faithfull se quedó en la habitación porque, dice a Mojo, “tuve la intuición de que podía haber problemas”. “Pensé, ‘me voy a tomar unas pocas Tuinal (barbitúricos) y no voy a ir allí’. Y él (De Breiteuil) se fue a ver a Jim Morrison y lo mató. Lo que quiero decir es que estoy segura de que fue un accidente”, precisa la artista, también exnovia del líder de los Rolling Stone, Mick Jagger.

“Pobre bastardo ¿Fue que el ‘caballo’ era demasiado fuerte? Sí. Y murió. Y yo no sabía nada sobre esto. De todas maneras, todo el mundo relacionado con la muerte de este pobre chico está muerto ya. Excepto yo”, agrega Faithfull, de 67 años. Según declara en la entrevista, su confesión ahora, 43 años después, es consecuencia de las “increíbles preguntas” que le formulan los periodistas cuando viaja a Londres para “hacer promoción”.

“No me gusta Londres (…) La última vez que estuve aquí un periodista me preguntó por qué exactamente maté a Jim Morrison”, cuenta Faithfull. “Decidí tomármelo en serio —apunta— y contar exactamente lo que pasó y por qué yo no maté a Jim Morrison. Aunque sé quien lo hizo”. El nuevo álbum de Marianne Faithfull, Give my love to London, saldrá al mercado el 29 de septiembre y cuenta con colaboraciones de artistas como Nick Cave, Roger Waters y Anna Calvi, entre otros. La cantante, compositora y actriz se embarcará después en una gira mundial para promocionar su último trabajo y celebrar el 50 aniversario del comienzo de su carrera artística.

http://cultura.elpais.com/cultura/2014/08/06/actualidad/1407327938_029388.html

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Al Bano y Romina, al reencuentro de la «Felicità» en Perelada

Dos décadas después de su última actuación, la pareja volvió a compartir ayer escenario, en Gerona

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Iconna – Joan Castro
Romina y Al Bano, anoche durante su actuación en Peralada

DAVID MORÁN / BARCELONA
Día 06/08/2014 – 13.46h

Quizá no sea esa «Felicità» a la que le cantaban a principios de los ochenta, cuando aún eran una de los parejas más dinámicas de la canción italiana, pero por lo menos es un deshielo. O eso es lo que le gusta pensar a Albano Carrisi (Al Bano), quien empieza a vislumbrar un poco de calma entre tanta tormenta. «Hemos roto el hielo», aseguraba el cantante italiano cuando, a finales de mayo, se dejó ver en Barcelona para presentar la actuación que anoche le llevó a reencontrarse en Perelada (Gerona) con Romina Power.

Atrás quedaban las puñaladas televisivas, los reproches envenenados y las ruinas de un matrimonio personal y artístico que se hizo añicos tras la desaparición de su hija Ylenia en Nueva Orleans a principios de 1994. Y atrás quedaban también casi dos décadas en las que cada uno ha hecho la guerra por su cuenta. «Romina y yo tenemos ahora una relación perfecta. Ha conocido a los hijos de mi actual mujer y ha habido una fusión interesantísima entre ellos.

Tras muchos años sin hablarnos, de vivir en una tormenta, ha llegado la calma», recordaba el autor de «Nel sole», para quien su regreso a Perelada era algo sumamente especial. Especial por la relación que ambos mantienen con los Suqué-Mateu, familia propietaria del castillo de Perelada con la que estrecharon lazos tras su debut en 1985, y especial también porque los jardines de Perelada enmarcaron, en agosto 1994, el principio del fin. En su última actuación como pareja en la localidad gerundense, Al Bano y Romina cantaron juntos, sí, pero coincidieron menos de lo esperado sobre el escenario. La desaparición de su hija empezó a pasarles factura y, cinco años más tarde, en 1999, se separaron oficialmente.

Estuvieron casados desde 1970 y durante veinticinco años fueron uno de los más exitosos dúos de pop meloso y romántico, pero todo se vino abajo y se transformaron en paradigma de pareja mal avenida. Ahora, con las heridas de su convulsa ruptura aparentemente cicatrizadas, buscan arañar algo de aquel éxito pretérito reencontrándose sobre el escenario para cantar una vez más «Ci sarà», «Libertà», «Sharzan» y, claro, «Felicità».

En realidad, la reconciliación empezó a gestarse en octubre de 2013, cuando Andrei Agapov, un millonario ruso enamorado de la canción italiana, decidió agasajar a Al Bano con dos conciertos en Moscú. No fueron noches especialmente memorables -«fue un desastre; ella me pedía bajar dos tonos y eso para mí es como cortarme las piernas», recordaba Al Bano-, pero oficializaron el reencuentro con Romina y propiciaron cinco shows más en Estados Unidos y Canadá y un regreso a Perelada que anoche, en la víspera del aniversario del patriarca de la familia Suqué-Mateu, volvió a abrir las puertas a esa «Felicità» algo gastada de tanto usarla.

http://www.abc.es/cultura/musica/20140806/abci-bano-romina-perelada-201408052122.html

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Paul Stanley: “Kiss durará para siempre”

COMO UNA FRANQUICIA

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Foto: GETTY

MADRID, 5 Ago. (EUROPA PRESS) -

El vocalista y guitarrista de Kiss, Paul Stanley, ha hablado sobre la posibilidad de que la banda pudiera seguir adelante en el futuro sin ninguno de sus miembros originales.

“Sé que Kiss durará para siempre, que no acabará. La cuestión es cuanto tiempo seremos Gene Simmons (vocalista y bajista) y yo mismo parte de la banda. Realmente no lo sé, pero tanto como podamos”, ha declarado a The Weekender.

En esta línea, Stanley ha añadido que él no ha inventado lo que hace, por lo que es consciente de que hay muchas personas que podrían hacerlo igual de bien o mejor. “En un momento dado, no estaré ahí”, ha apostillado.

El sitio web Blabbermouth recuerda que ya en 2005 el mánager de Kiss, Doc McGhee, reveló que la banda fantaseaba con la idea de buscar sustitutos de cara al futuro, para que la historia prosiguiera con el habitual maquillaje.

“Kiss es como Doritos o Pepsi, una marca bien conocida. Sus miembros son personajes más que individuos. Creo que los nuevos miembros tendrían la legítima oportunidad de continuar con la franquicia”, agregó McGhee entonces.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-paul-stanley-kiss-durara-siempre-20140805125738.html

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Gloria Gaynor: «La música disco unió a la gente»

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Fotografía facilitada por el festival Starlite de Gloria Gaynor, diva por antonomasia de la música disco. Efe

David Villafranca/Efe.  Madrid.

A Gloria Gaynor no le duele la nostalgia. Aunque queden lejos los dorados años 70 en los que era la reina de la música disco con su inmortal grito “I will survive”, ahora vuelve con fuerzas a España para defender su legado en cuatro conciertos en los que asegura que el público “puede esperar una fiesta”.

“La música disco unió a la gente en la pista de baile”, argumenta en una entrevista telefónica con Efe. “Antes de la música disco, veías a la gente en la pista y no sabías quién estaba bailando con quién. A partir de entonces las personas empezaron a bailar juntas. Había camaradería entre la gente que iba a las discotecas”, recuerda.

La artista estadounidense actuará en el festival Starlite de Marbella el 6 de agosto, en un “show” junto a la española Marta Sánchez que repetirán dos días después en Cambrils. Dos conciertos más, ya en solitario, en Santiago de Compostela el 9 de agosto y en Peralada el 11 cerrarán su pequeño recorrido por un país en el que “siempre” se siente “bienvenida”.

Con cuatro décadas en el mundo de la música, Gaynor (1949, Newark, New Jersey) puede presumir de haber sobrevivido al auge y caída de la música disco gracias a canciones como “Never can say goodbye” o “Can’t take my eyes off you”.

“Estaba trabajando en un club de Nueva York cuando un productor de Columbia Records me llevó ante su presidente Clive Davis”, rememora sobre sus comienzos en los años 70. A partir de ahí arrancó una carrera que se inició en sonidos próximos al soul, pero que encontró en las discotecas su entorno ideal para triunfar.

“Recuerdo que todo el mundo amaba la música disco”, explica sobre aquellos años, al tiempo que subraya el gran poder del baile ya que gusta a personas de “cualquier edad, nacionalidad, raza o color”. “La música disco te evade de cualquier tipo de depresión, tristeza o estrés”, asegura.

Aunque si por algo es recordada Gaynor por encima de todo es por su éxito “I will survive”, un éxito rotundo y una canción que emplearon como bandera de sus reivindicaciones movimientos feministas y activistas por los derechos de los homosexuales.

La propia artista reconoce sentirse orgullosa porque “I will survive” trajo “esperanza”, “inspiración” y “poder a tanta gente”.

“Siempre he creído que esa canción fue un regalo que me hizo Dios”, explica con una profunda espiritualidad. Tras una operación médica, y con dudas sobre si la compañía le renovaría el contrato, Gaynor grabó este tema que en principio fue solo una Cara B de otro “single” antes de que arrasara en todo el mundo.

“Me dieron esa canción, la vi y les dije (a la compañía): ‘¿Estáis locos? ¿Esta canción una Cara B? ¡Esta canción tiene que ser un éxito!”, dice entre risas al recordar que no le hicieron caso.

Ahora observa cómo sus canciones siguen sonando en las discotecas, incluso pese a que a ella “I will survive” le sugiera cosas distintas que a su público. “La letra hablaba de una relación amorosa que salía mal, pero yo no pensé en eso. Yo pensaba en que mi carrera podía haber acabado ahí…”, concluye.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/7056107/cultura+musica/gloria-gaynor-la-musica-disco-unio-a-la-gente#.Ttt1CQtEpPmNE19

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