Hoy día 30 de enero del año 2016 se cumplen 47 años del último concierto que dieron los Beatles.

Copia de una de las fotos de serie numeradas del concierto propiedad de Diamantes Musicales

Calle donde dieron su último concierto en la terraza The Beatles

Tuvo lugar en la azotea de los Apple Corps en Savile Row en Londres, edificio donde están los estudios de grabación de los Beatles.

The Beatles tocaron varias de las canciones que habían ensayado durante las semanas previas al concierto.

Este concierto tuvo su origen en las pruebas de grabación de su nuevo disco que iba a llamar «Get back». Dichas pruebas comenzaron el 2 de enero en unos estudios cinematográficos de donde pasaron a los estudios de Apple Corps en el nº 3 de Savile Row. Además del cambio de sitio también favoreció en el ánimo de los Fab Four el hecho de que Billy Preston se prestara a acompañarles en las grabaciones.

En la terraza de los estudios, The Beatles tocaron hasta que las quejas de vecinos del barrio hizo que la policía diera por terminado uno de los conciertos más famosos de la historia, el concierto de The Beatles en la azotea del nº 3 de Savile Row.

Casa con el Nº 3 de Savile Row lugar del concierto de The Beatles

Algunas de las canciones que interpretaron pasaron después a formar parte del LP «Let It Be».

Las siguientes canciones fueron las que The Beatles tocaron en este concierto que hoy cumple 47 años.

«Get Back» (Paul McCartney)
«Don’t Let Me Down» (John Lennon)
«I’ve Got a Feeling» (Paul McCartney y John Lennon)
«One After 909» (John Lennon)
«Dig a Pony» (John Lennon)
«Get Back» (Paul McCartney)

Diamantes Musicales ha estado alli para recordar esta efemérides histórica en la vida de The Beatles y en las nuestras propias.

30 de enero “1969: Los Beatles actúan por última vez” from Kalika Films on Vimeo.

Kantner, durante el 40º Aniversario del concierto en Golden Gate Park, San Francisco. REUTERS

EFE Los Ángeles

ACTUALIZADO 29/01/201602:53

El guitarrista Paul Kantner, que fue uno de los fundadores de la célebre banda de rock psicodélico Jefferson Airplane, falleció hoy, 28 de enero,  a los 74 años en San Francisco (Estados Unidos), informó el periódico San Francisco Chronicle.

Kantner, que murió debido a un fallo multiorgánico, arrastraba problemas de salud en los últimos años y había sufrido en marzo de 2015 un ataque al corazón.

Nacido el 17 de marzo de 1942 en San Francisco, Kantner formó parte de Jefferson Airplane, una de las bandas emblemáticas de la psicodelia y el sonido californiano de los años sesenta.

La idea de formar el grupo partió del cantante Marty Balin, quien se encargó de reclutar a compañeros entre los cuales se encontró el guitarrista Paul Kantner.

La banda completó su formación inicial con el también guitarrista Jorma Kaukonen, la cantante Signe Toly, el bajista Bob Harvey y el batería Jerry Peloquin.

Jefferson Airplane comenzaría con su actividad en 1965 y destacó como uno de los puntales de la efervescente y ácida escena musical de San Francisco gracias a discos como Surrealistic Pillow (1967) y canciones como Somebody To Love o White Rabbit.

El grupo participó además en memorables festivales de la era hippie como los de Woodstock, Monterey y Altamont.La banda vivió constantes cambios en su composición y en 1974 Kantner reorganizó Jefferson Airplane junto a la vocalista Grace Slick bajo el nombre Jefferson Starship.

Antes, Kantner había dado el pistoletazo de salida a su carrera en solitario gracias a su disco debut Blows Against the Empire (1970).El fallecido guitarrista formó parte además de la reunión de Jefferson Airplane en 1989.

http://www.elmundo.es/cultura/2016/01/29/56aac315268e3eb3598b4644.html

Ayer lunes día 18 de enero de 2016, falleció Glenn Frey, uno de los fundadores de la banda The Eagles, compositor, guitarrista y cantante de uno de los grupos más importantes de la historia de la música de los años 70.

Nació en Detroit en el año 1948, en los años 70 se incorporó a The Eagles junto a Don Henley, Bernie Leadon y Randy Meisner. Fue el vocalista en temas como «Take It Easy», «Peaceful Easy Feeling», «Tequila Sunrise» o «Heartache Tonight».

The Eagles, fue uno de los máximos exponentes del rock y el country rock, Eagles es una de las bandas más importantes de los años setenta en Estados Unidos.

The Eagles estuvo en activo hasta su disolución en 1980. Reaparecieron en 1994 con motivo de la publicación de un nuevo disco y se ha mantenido hasta ahora.

Los Eagles lograron todo tipo de premios: seis Grammy. Discos de oro, platino, etc.. por álbumes como «Their Greatest Hits (1971-1975)» con sus mayores éxitos de esos cinco años y quizás el más conocido “Hotel California”.

En el famoso local de Los Ángeles, el Troubadour, fue donde se conocieron Glenn Frey y Don Henley, con motivo del montaje de la gira de 1971 de la cantante Linda Ronstadt. Ambos formaron parte del grupo que acompaño a Linda Ronstadt.

Con la ayuda de Linda, Frey y Henley convencieron a Bernie Leadon y Randy Meisner. Los cuatro formaron The Eagles. El grupo se convirtió en una de las bandas de mayor éxito y ventas de todos los tiempos.

Bolicatura de Enzo dibujada por nuestro amigo Aurelio Bolívar

Se dijo en:

http://lalocuevas1.blogspot.com.es/2016/01/torrelavega-la-sala-de-conciertos-del.html

Asistentes homenaje a Enzo Pesce – Lalo Cuevas

Concierto Homenaje a Enzo Pesce – Lalo Cuevas

ENZO PESCE PARETTO.-

Hará unos 40 años llegaba a Torrelavega procedente de Italia, un músico, con mayúsculas, por sus estudios y preparación, lo que dio a la música de grupos pop-rock de esta ciudad y de Cantabria en general una impronta novedosa, diferente y modernizadora, creándose una corriente que se instauró en otros grupos, especialmente en la sección de teclados, piano u órgano. Así fue con su primera participación musical, caso concreto del grupo Torrelaveguense, Los Sandwich, del Poblado de Sniace.

Conocemos desde hace muchos años a Enzo Pesce Paretto, nacido en Alessandría, en el Piamonte italiano en 1936 (80 años) y de él se puede decir que indiscutiblemente su pasión ha sido y es el jazz, habiendo desarrollado una larga carrera como pianista de este género.

Su padre, maestro de piano, es quien le inicia en la música, a los siete años ingresa en el Conservatorio musical de su ciudad y tras cursar piano, armonía y composición, a la edad de dieciocho años obtiene el diploma de piano y virtuosismo en Turín, completando su formación más adelante con la de dirección orquestal.

Trabajó como pianista en Milán y posteriormente, comienza una extensa gira musical por Suiza, Francia, Alemania, Bélgica… gira que dura casi dieciséis años, a lo largo de los cuales ejerce como pianista, unas veces en solitario, otras formando parte de prestigiosos grupos, y otras acompañando a artistas de la talla de Johnny Hallyday, Silvie Vartan, Gilbert Becaud y el gran violinista Stephane Grappelli.

Desde los años setenta reside en Torrelavega, habiendo formado parte de grupos como: Los Sándwich, Malta Quartet, Lady Jazz y el último Jazz Stop Trio, que paso a ser cuarteto al añadirse una voz femenina, Coco Cisneros.

Su padre, tambien profesor de acordeón, tenía una academia con más de 60 alumnos, por lo que Enzo aprendió a tocar el acordeón, siendo profesor de este instrumento en la academia de su padre.

Participó activamente en programas de radio en Cantabria a donde le llamaban con frecuencia para que tocara en ellos.

En su casa de Tanos se hicieron grabaciones, algunas de ellas sobre todo de sus composiciones, y allí los cántabros fuimos conociendo su historia, su trayectoria, sus álbumes de fotos en donde no acababa de asombrarnos, ahí estaban imágenes de sus actuaciones y conciertos, desde el Festival de Montreux, junto a Stefan Grappelli famoso violinista integrante del Quinteto Hot Club de Francia creado por Django Reinhart o en el Club Mediterrane de Marsella.

Enzo, es un extraordinario Pianista y lo ponemos con mayúscula, que adquirió la facultad de interpretar los diferentes estilos que se ponía a ejecutar: música clásica, el Jazz, música italiana, francesa o española, con varias composiciones, obras sinfónicas, en su haber como “Oda a Cantabria”, “Crepúsculo de la Mitología Cántabra”, “Lamento Andaluz”, “Sinfonía en Sol Mayor”, así como unos cuantos temas de jazz, genero del que interpretaba con maestría y virtuosismo.

Desde que vive en Cantabria no ha querido tocar el acordeón en público (salvo una vez en los 90s en la que tocó un vals compuesto por su padre en un evento organizado por Patricio Fernández en Torrelavega, el Certamen Internacional de Acordeón, pero ha hecho un gran número de arreglos para acordeón solo y para la orquesta de acordeones citada, “Acordes Cántabros” con la que también ha tocado el teclado en numerosas ocasiones.

Todo un lujo para Cantabria y especialmente para Torrelavega donde reside desde hace más de 40 años y donde ha participado en muchas aventuras musicales donde adquirió gran popularidad.

Sería más que deseable la edición de las grabaciones realizadas por RNE Torrelavega hace años, pues trasmiten, unas, las esencias de Cantabria y otras, la gran capacidad de compositor de este italiano que eligió Torrelavega para vivir, trabajar y hacernos disfrutar con la música.

MUSICOS QUE INTERVENDRAN:

Coco Cisneros

Norbert Itrich

Quiu Herrero

Rafa Santana

Yeyo Pilatti

GRUPOS:

BULLTACO

JAZZ STOP

LOS SANDWICH

PATRICIO FERNANDEZ Y SU ACORDEON

POETAS:

ANTONIO CASARES

CONCHITA VIDIELLA

El acto será presentado por José I. Peña y esta nota es un extracto de un artículo del propio presentador

(David Robert Jones; Londres, 1947 – 2016) Actor y cantante pop británico. Artista camaleónico, mutó varias veces de estilo y recogió múltiples influencias, sobre todo de la psicodelia y el punk, que le hicieron adoptar en los años setenta un provocativo aspecto andrógino, anticipándose a personajes como Boy George. Trabajó junto a artistas de la talla de Mick Jagger, Iggy Pop, John Lennon o Brian Eno, y colaboró con jóvenes artistas, a cuya fama contribuiría notablemente, como es el caso de Lenny Krawitz. Ziggy Stardust (1972) o Let’s dance (1983) son algunos de los discos míticos de su carrera, jalonada siempre por el éxito y la polémica. También fueron frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico; su película más celebrada es Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983), de Naghisa Oshima.

David Bowie

David Bowie comenzó su carrera cantando y tocando el saxofón en pequeños locales y también en institutos, con músicos aficionados como The Manish Boys, David Jones & The King Bees o Lower Third. A finales de la década de 1960 comenzó a grabar sus primeros sencillos, que luego se integrarían en su primer álbum, David Bowie (1967). Se interesó además por el teatro, llegando a formarse como mimo y actor con Lindsay Kemp, una influencia que se dejaría notar más tarde en sus actuaciones.

En 1969 grabó el álbum Man of Words/Man of Music, en el cual se incluía el single “Space Oddity”, que llegaría al puesto cinco de las listas en el Reino Unido. Después de realizar actuaciones en diversos países, entabló amistad con el que se convertiría en su nuevo mánager, Toni De Fries. En 1970 y 1971 publicó los álbumes The Man Who Sold The World y Hunky Dory, en los que ofreció una provocativa imagen andrógina, en consonancia con el glam, la tendencia que dominaba en aquel momento el rock británico.

A partir de 1972 empezó el gran ciclo de transformaciones que caracteriza su personalidad camaleónica: en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars encarna a una estrella bisexual del rock procedente de otro planeta. Esta tendencia a la ambigüedad continuaría en Aladdin Sane (1973), su siguiente trabajo. Ese mismo año Bowie posó junto a la modelo Twiggy en la portada de Pinups, una compilatorio de algunas de las mejores canciones del rock de los 60, y apareció desnudo en la carpeta de su álbum Diamond Dogs (1974).

Las canciones de Bowie generaban una atmósfera futurista, obsesiva, donde daba cabida a breves guiños dirigidos al rock estadounidense y desarrollaba profundas y densas secuencias por las que desfilaban personajes orwellianos (el Gran Hermano de la novela 1984, de George Orwell), arquetipos de una modernidad decadente o personajes que parecen surgidos del género gótico. En Gran Bretaña las críticas a este último álbum fueron duras, y Bowie decidió dar un giro a su carrera, adoptando una imagen personal más sobria e introduciendo la música disco y el soul como influencias estilísticas en sus composiciones. Se lanzó a la conquista del mercado estadounidense con el álbum Young Americans (1975), que ascendió al primer puesto de las listas de ventas. Con el respaldo de Andy Warhol, con el que trabó gran amistad, su popularidad creció rápidamente.

En esta segunda mitad de la década de 1970 Bowie continuó experimentando con nuevos sonidos. El elemento electrónico estaba cada vez más presente en su música, a través del uso recurrente de sintetizadores y de la manipulación de su voz en los temas. Esto queda patente en álbumes como Station to Station (1976) y Low (1977), en el que inició su asociación con el músico y productor Brian Eno. Bowie evolucionaba hacia un personaje de aspecto frío y distante, envuelto en largos abrigos de cuero, lo que le valdría el sobrenombre de El Duque Blanco.

Heroes (1977) ofrecería estructuras y sonidos aun más densos y complejos. En los años siguientes, y todavía con Eno, Bowie grabó Stage (1978), álbum en vivo resultado de su gira de aquel año, y Lodger (1979), que señalan su vuelta hacia un rock fresco, original y de sencilla comercialización, aunque enriquecido por todas las innovaciones de la etapa anterior. Con Scary Monsters (1980), que seguía esta misma tendencia, terminó otra etapa de su carrera.

Bowie emprendió en ese momento su periodo de mayor éxito comercial, pero también el de más críticas adversas por parte de los especialistas, que le achacaban un empobrecimiento musical. En Let’s Dance (1983) y Tonight (1984) compaginó temas herméticos con baladas que le facilitarían la colaboración con otros artistas, como Iggy Pop, Queen, Tina Turner y Mick Jagger.

Su enorme éxito se vio favorecido por sus trabajos para el cine. En 1986 compuso la banda sonora de Dentro del Laberinto, filme dirigido por Jim Henson y producido por George Lucas, donde además interpretaba uno de los papeles protagonistas. Ya atesoraba una extensa trayectoria como actor en otros filmes anteriores, como The Man Who Fell To Earth (1976, de Nicolas Roeg), Gigoló (1979, de David Hemmings), El ansia (1983, de Tony Scott), Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983, de Nagisa Oshima) o Cuando llega la noche (1985, de John Landis).

Su siguiente trabajo fue Never Let Me Down (1987). Tras un periodo (1989-91) en el que trabajó con la banda Tin Machine, Bowie retomó su carrera en solitario con Black Tie White Nose (1993). Casado con la modelo Iman, comenzaba una nueva y fructífera etapa musical. Con Outline (1995), Bowie volvió a transformarse (esta vez adoptaría la identidad de un detective en una urbe futurista) y recobró, con sonoridades de su época con Eno, su preeminencia en la vanguardia del rock. Earthling (1997), Hours (1999), Heathen (2002), Reality y Club Bowie (2003) son algunos de sus trabajos posteriores. Una grave operación de corazón le obligó a cancelar su gira europea de 2004, y aunque consiguió recuperarse de la misma, no volvió a actuar en directo. Prosiguió sin embargo su labor musical en los estudios, editando nuevos discos como The Next Day (2013) y Black Star (2016), cuyo lanzamiento precedió en dos días a su muerte.

Robert Stigwood con los Bee Gees – Associated Press

ABC.ES – abc.es/culturaMadrid – 05/01/2016 a las 11:37:52h. – Act. a las 11:41:07h.

Robert Stigwood, empresario y productor musical y de cine nacido en Australia, murió el lunes, 4 de enero, a los 81 años. Llegó al Reino Unido en la década de los cincuenta, y en 1966 se convirtió en mánager del grupo Cream, y un año más tarde de los Bee Gees. Tras la disolución de la banda de Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker, se encargó de la carrera en solitario del primero.

Ya en los setenta fundó el sello RSO Records. Produjo los musicales «Hair» y «Jesucrito Superstar» (cuya versión cinematográfica también coprodujo), y llevó al cine en 1975 la la ópera rock de The Who «Tommy», en la que intervenían, además de los miembros del grupo británico, Elton John y Tina Turner.

Su mayor éxito, sin embargo, llegaría en 1977 con la película «Fiebre del sábado noche», protagonizada por John Travolta, y para la que encargó a los Bee Gees su banda sonora. Un año más tarde produjo «Grease», con el mismo protagonista, y, ese mismo año, el musical «Evita», que en 1996 también llevaría a la gran pantalla con Madonna en el papel principal.

La noticia de su fallecimiento fue dada a través de Facebook por Spencer Gibb, hijo de Robin Gibb, sin precisar los motivos de la muerte, aunque poniendo de relieve sus virtudes: «Robert fue la fuerza que dio impulso a la carrera de los Bee Gees».

http://www.abc.es/cultura/musica/abci-fallece-robert-stigwood-manager-gees-y-productor-fiebre-sabado-noche-201601051137_noticia.html

El cantante francés Michel Delpech, en el Salón del Libro de París, el 22 de marzo de 2014. / JOEL SAGET (AFP)

Carles Gámez Valencia 3 ENE 2016 – 20:44 CET

A punto de caducar 1969 una canción se colaba en las radios españolas bendiciendo el movimiento hippie que se había congregado en la Isla de Wight con el regreso de Bob Dylan a los escenarios. El responsable era un cantante francés llamado Michel Delpech que conseguía su primer éxito en el mercado español. La canción, Wight is Wight, acabará convirtiéndose en el mejor mensaje promocional de la cultura hippie triunfando en las listas de éxitos de toda Europa.

Michel Delpech (Courbevoie, 1946) realiza sus primeros pasos musicales a mitad de los años sesenta con la comedia musical, Copains-Clopant, un espectáculo que se mantiene durante medio año en cartelera. Entre las canciones de la obra sobresale Chez Laurette, la historia de una amistad entre la vieja dueña de un bistrot y un grupo de jóvenes soñadores que le reporta su primer gran éxito dándole a conocer al público. En medio del tsunami ye-ye Delpech destaca por su acento melancólico y su estilo de crooner elegante, una mezcla de dulzura y tristeza que constituirá de ahora en adelante sus señas musicales. Admirador de Bécaud, Aznavour y Brassens, Delpech reescribe a su manera una nueva canción de autor accesible y popular que se hace un hueco rápidamente en la discoteca de varias generaciones. No es un autor de grandes obras a la manera de un Brel o un Ferré, tan solo “un cantante de varietés” como él mismo se define. Esos intérpretes populares que protagonizan las veladas televisivas de los sábados por la noche en la Francia de las postrimerías del Gaullismo inmortalizados en su canción Quan je étais chanteur.

Su debut en 1966 en la Sala Olympia no puede tener mejor fortuna: Delpech es el encargado de abrir una velada musical que cierra Jacques Brel en su despedida triunfal -Les adieux à l’Olympia- de los escenarios. Sin ser un cantante engagé –en la terminología de la época- Delpech da fe en sus canciones de la sociedad francesa, con titulos como Inventaire 66, una canción donde siguiendo los modos literarios del poeta Jacques Prevert, repasa todos los acontecimientos -“de la Guerra del Vietnam a la minifalda de Courréges“- que se han producido en ese año de 1966. Su estribillo, Et toujours le même président -Y siempre el mismo presidente- en referencia al General de Gaulle se hace rápidamente popular. Otro tanto ocurrirá con su canción Les divorcés, donde expone los nuevos modelos familiares en la Francia de la década de los años setenta bajo los mandatos de Pompidou y Giscard. Sin hacer uso de una escritura melodramática o excesivamente sentimental Delpech describe con delicadeza la historia de una dolorosa separación que le reporta más de un millón discos vendidos.

Su encuentro con el compositor Roland Vincent señalará una larga colaboración musical que incluye éxitos como Pour un flirt (1971), una canción con expresiones sexuales que la censura española pone en cuarentena. . A partir de los años setenta colabora con el letrista Jean-Michel Rivat abordando nuevas temáticas como las relaciones ciudad-campo, la ecología o el cambio político. Canciones como Que Marianne etait jolie -una composición que años después dedicará a la candidata presidencial Ségolene Royal-, Le Chasseur o Animaux animaux son fruto de esta colaboración.

A finales de los años setenta su carrera entra en declive mientras su vida personal pasa por diferentes vicisitudes, divorcio, nuevas experiencias religiosas, crisis de misticismo, acercamiento al budismo, reencuentro con cristianismo, un acercamiento que queda reflejado en el libro J’ai osé Dieu. Continua grabando aunque sin la repercusión de otros tiempos, entre otros, un álbum de versiones con temas de James Taylor; Paul Simon, Carole King, etc. Los registros discográficos se alternan con periodos de retiro y silencio. A principios del año 2000, cantantes de la nueva generación como Bénabar reivindican su legado como referencia. El cantautor Miossec realiza una sulfurosa versión de su gran éxito de los años setenta, Pour un flirt junto a Jane Birkin evocando- con bastante ironía- el celebérrimo Je t’aime moi non plus. El disco Michel Delpech &… señala un renacimiento, un álbum de sus éxitos interpretados a duo con viejos compañeros como Julien Clerc, Alain Souchon, Francis Cabrel o más jóvenes, Cali, Bénabar, etc. Las buenas ventas del disco le empujan a subirse de nuevo a los escenarios realizando una gran tournée por toda Francia. El director Christophe Honore lo reclama como actor y marido de Catherine Deneuve para su comedia musical Les Biens-aimés (2011).

En marzo del año 2013 se le diagnostica un cáncer de garganta que le empuja a abandonar todas sus actividades musicales. Su combate contra el cáncer quedará recogido en el libro Vivre! En una de sus últimas canciones, La Fin du chemin avanza su testamento musical: Je m’en vais là oú brille la lumiére (Me voy donde brilla luz). El pasado dia 2 de enero fallecía en el hospital de Puteaux (Haut-de-Seine). El próximo 26 de enero habría cumplido setenta años.

http://cultura.elpais.com/cultura/2016/01/03/actualidad/1451818764_939013.html