La cantante, que actualmente se encuentra inmersa en su gira de despedida, estará junto a la Banda Sinfónica de Madrid
Ernesto Agudo Paloma San Basilio en una imagen reciente
abc.es / Madrid
Día 10/12/2013
Las actividades de Madrid Navidad 2013 tendrán un cierre muy especial el próximo 6 de enero: la actuación de Paloma San Basilio en el Teatro Real de Madrid junto a la Banda Sinfónica de Madrid.
La cantante, que se encuentra realizando su gira de despedida de los escenarios, ofrecerá en este Concierto de Reyes un repertorio compuesto por temas inolvidables pertenecientes a grandes musicales, como «Evita»,«Mary Poppins», «Porgy and Bess» o «El hombre de la mancha», en la voz de quien es sin duda la máxima exponente del género en nuestro país.
La historia de Paloma San Basilio con los musicales comienza en los años 80 cuando protagonizara «Evita». También ha intervenido en «El hombre de la Mancha», «My Fair Lady» (en dos ocasiones) y «Victor o Victoria». Una vez pasado este concierto, retomará sus actuaciones con «Hasta Siempre», el show con el que se está despidiendo de los escenarios.
La banda ha anunciado ya una docena de fechas entre febrero y abril.
Por Rolling Stone
oco a poco los Rolling Stones van dando forma a su gira de 2014, que por ahora tiene fechas ya confirmadas en Emiratos Árabes, Japón, China, Australia y Nueva Zelanda.
Después de sus conciertos de 50 Aniversario durante 2012 y 2013, la legendaria banda británica arrancará una nueva etapa sobre los escenarios el 21 de febrero en Abu Dhabi. Esta será la primera parada del tour 14 on Fire, que se extenderá hasta el 5 de abril en Auckland. El que fuera ‘miembro Stone’ entre 1969 y 1974, Mick Taylor, volverá a ser invitado a estos recitales.
A falta de anunciar otros dos conciertos, estas son las fechas confirmadas por ahora:
Las negociaciones están en marcha y apuntan a 2015.
Por Rolling Stone
Rod Stewart ha confesado a la emisora de radio de Boston WZLX que los Faces podrían reunirse de nuevo sobre un escenario en 2015. “Creo que tenemos algo más que una oportunidad de reunir a los Faces. De hecho, la oficina de Ronnie Wood (actualmente de gira con los Rolling Stones, banda a la que llegó tras sus años en los Faces) está hablando con mi gente, y estamos apuntando a 2015”, ha señalado Stewart.
La alineación de la banda incluiría a Stewart y Wood junto a los miembros originales Kenney Jones (baterista) e Ian McLagan (teclista). El bajista original Ronnie Lane murió en 1997, y en reuniones esporádicas su lugar lo ha ocupado Glenn Matlock de Sex Pistols.
Aunque algunos miembros del grupo han actuado juntos en varias ocasiones a lo largo de los años (incluyendo una serie de recitales con Mick Hucknall de Simply Red como vocalista), Rod Stewart no ha liderado a Faces desde los Brit Awards de 1993.
Faces se mantuvieron en activo entre 1969 y 1975, tiempo durante el que editaron cuatro discos. “Eramos una banda muy fiestera, todo el mundo estaba bien destrozado”, reconoció con sorna Ron Wood recientemente a Rolling Stone. ¿Será ese el motivo de esta posible reunión?.
El instrumento que el músico tocó en su histórica participación en el festival de Newport se subasta por 965.000 dólares
Guitarra Fender Stratocaster de Bob Dylan vendida en una subasta por 965.000 dólares Christie’s – EFE
Cultura | 06/12/2013
Nueva York, 6 dic (EFE).- La guitarra que Bob Dylan tocó en su histórica participación en el festival de Newport de 1965, un evento en el que dio el saltó a la música eléctrica, se subastó hoy en 965.000 dólares.
El precio, 800.000 dólares de precio de martillo más impuestos y comisiones, fue muy superior a la estimación de entre 300.000 y 500.000 dólares que había realizado la casa de subastas Christie’s, organizadora de la venta.
Se trata de una Fender Stratocaster de 1964, un instrumento histórico porque fue el que Dylan tocó en su famosa actuación del festival de música «folk» de Newport de 1965.
Esa actuación fue la primera de Dylan como profesional con una guitarra eléctrica y con el apoyo musical de una banda tradicional, y en la que confirmó su paso a la «electrificación» musical.
La actuación de Bob Dylan fue muy polémica e incluso fue abucheado por algunos de los espectadores, que esperaban una interpretación dentro de los cánones clásicos del estilo «folk».
La actuación, además, duró solo tres canciones, si bien los expertos no están de acuerdo acerca de si Dylan y su grupo dejaron el escenario tan rápidamente debido a los abucheos o a los problemas técnicos que había con el sonido.
Se trata por ello de una de las actuaciones más famosas de la historia del «rock», según recordó Christie’s citando a publicaciones especializadas.
También se subastaron hoy hojas manuscritas con las letras de cinco canciones de Dylan, pero solo una de ellas encontró comprador, por 20.000 dólares.
La guitarra, con sus cuerdas, caja y cinta de cuero originales, y las canciones fueron olvidadas en un avión privado empleado por Dylan y su grupo en aquella época para desplazarse a sus actuaciones.
Hoy se cumple un cuarto de siglo del fallecimiento de Roy Orbison, artista fundamental en la historia de la música popular norteamericana. El tiempo no hace sino acrecentar el valor de un legado inmune al capricho de temporada.
Por César Luquero
El traje de estrella pop parecía cortado a la medida de otros, pero Roy Orbison supo llevarlo como nadie, encarnando con prestancia inigualable los papeles de pionero rock, cantautor hipersensible y compositor ultraterreno. Cortísimo de vista –lo de las gafotas oscuras no era treta de estilista– pero increíblemente dotado para la interpretación, trascendió sus orígenes humildes gracias al talento que la madre naturaleza depositó en sus cuerdas vocales. Evocamos la figura de “The Big O” de la mejor manera posible: a través de sus canciones.
Quemado por el Sol
Roy Orbison dio sus primeros pasos discográficos bajo palio de Sun Records, el carismático sello de Memphis que había puesto en el mapa a Johnny Cash, Carl Perkins y Elvis Presley. Antes de ir a la universidad, trabajó en los campos de petróleo de Wink (Texas). Después se matriculó en Geología en Odessa. En esta ciudad texana formó The Teen Kings, grupo con el que terminaría plastificando sus primeros singles para Sun. Empezó a componer su propio material –¡Go, Go, Go! (1956) es la primera canción que firmó– e incluso alguna de sus partituras fue utilizada por ilustres terceros como The Everly Brothers. Pero su relación con el sello nunca fue fluida y Orbison decidió abandonar el nido en 1958.
Esculpiendo un monumento
Uno de los momentos cruciales en la trayectoria de Orbison es su encuentro con el guitarrista y productor Chet Atkins, figura eminente del tinglado discográfico de Nashville –dirigía la sucursal de RCA Víctor en dicha ciudad– que supo reorientar su trabajo hacia un sonido más dulce, armónico y arreglado –el Nahsville Sound– que haría furor entre el público de la época. Llegó a grabar algunas canciones para este sello, pero el asunto no llegó a cuajar. Roy tampoco flaqueó y firmó contrato con una discográfica recién nacida, Monument, que terminaría siendo clave en su biografía.
A partir de entonces su carrera empezó a despegar, coincidiendo con el declive del rockabilly y el auge del pop orientado al público adolescente. Su voz, de amplísimo rango, profunda y vulnerable, empezó a hacer mella en las listas de éxito norteamericanas. Y canciones como “Only the Lonely (Know the Way I Feel)” (1960) o “Crying” (1961), exquisitamente interpretadas por un cantante que no temía al melodrama, rozaron el número uno en todos los estados de la Unión. Se confirmaba la sospecha de que Orbison no había nacido para el estrellato rockabilly. Su música trascendía géneros y formatos y se instalaba en territorio universal.
La vida mata
En 1964, con la Beatlemanía haciendo estragos en Estados Unidos y la Invasión Británica en puertas, volvió a colocar una de sus canciones en lo más alto de los charts norteamericanos. Se titulaba “Oh, Pretty Woman” y también arrasó en el Reino Unido. Una proeza, habida cuenta del contexto. La vida parecía sonreír al de las gafas ahumadas, pero en realidad reservaba sus peores cartas. Claudette, su primera esposa, murió en un accidente de moto en 1966. Dos años más tarde, mientras giraba por Inglaterra, recibió la peor noticia posible: la casa de Nashville se había incendiado y sus dos hijos mayores habían fallecido. El correlato profesional de tan aciagos sucesos aguardaba a la vuelta de la esquina. Firmó un contrato millonario con MGM Records, pero ninguno de sus trabajos de la segunda mitad de los sesenta tuvo éxito en su país.
Capas de olvido
Durante la década de los setenta, Roy Orbison se acostumbró a convivir con el olvido. Grabó varios álbumes con material nuevo, pero no consiguió conectar con el público o la crítica. Pese a todo, el eco de su obra seguía resonando y algunos artistas muy populares en la época, como Bruce Springsteen, Linda Ronstadt, Don McLean o Van Halen, empezaron a reivindicarle interpretando sus canciones. Para algunos, estas versiones fueron la primera aproximación al universo Orbison.
Nunca es tarde
La estrella volvió a brillar en los años previos a su fallecimiento. El cine –una de las grandes pasiones de Orbison– fue firme aliado para el renacimiento. Canciones como “Crying”, “In Dreams” o “Life Fades Away” fueron utilizadas en películas como “Menos que cero” o “Terciopelo azul”. En 1987, entró a formar parte del Rock and Roll Hall of Fame. Bruce Springsteen, fan incondicional, leyó el discurso de ingreso. Ese mismo año empezó a trabajar en un nuevo disco de estudio junto a Jeff Lynne, líder de la E.L.O., quien a su vez estaba produciendo el álbum “Cloud Nine” de George Harrison. Ahí encontramos el germen de The Traveling Wilburys, uno de los supergrupos más celebrados, en el que también participaron Tom Petty y Bob Dylan.
El éxito de los Wilburys acrecentó el renovado interés por Orbison y este tampoco hizo ascos a la segunda oportunidad. Pero los problemas coronarios que le habían obligado a implantarse un triple bypass en 1978 volvieron a hacer acto de presencia. Un ataque al corazón terminó con su vida el 6 de diciembre de 1988. Tenía 52 años y acababa de terminar la grabación de “Mystery Girl”, álbum con el que cosechó los últimos éxitos ya a título póstumo.
Hoy hace veinte años que murió de cáncer uno de los compositores más vanguardistas de la música del siglo XX
abc – Frank Zappa revolucionó la guitarra eléctrica en los sesenta
ABC.ESabc_cultura / Madrid
Día 04/12/2013 – 13.17h
El 4 de diciembre de 1993 fallecía de cáncer Frank Zappa (1940-1993), el hombre que anduvo estrangulando el «rock and roll» durante varias décadas. Su imagen de pirata de los mares, de mosquetero de a pie, se adecuaba a la perfección a su figura de asaltador de la música, a la que le sacó mucho más de lo razonable.
La primera aparición televisiva de Frank Zappa fue para mostrar su «biciclófono», una rueda de bicicleta sujeta a un taburete entre cuyos radios se intruducía una lengüeta. Era una provocación, un homenaje a Duchamp y el dadaísmo y una muestra de que, al menos, ese tipo no «Estaba allí por el dinero», título de uno de sus álbumes (1968).
Francis Vincent, nacido en Baltimore el 21 de diciembre de 1940, ya era conflictivo de pequeño. Asmático y ulceroso desde niño, se puso una máscara de gas de la cual se negaba a desprenderse para protestar por el trabajo de su padre en una fábrica de armamento. Desde sus comienzos, se dedicó a aterrorizar con la agresividad de su música y la impiedad de sus letras. Pero no era sólo la composición propiamente dicha, sino también la forma en que se plasmaba en disco.
Desde un buen principio, los discos de Zappa están repletos de efectos y trucos de estudio que el mismo Paul McCartney admite como una de las fuentes para la creación de «Sargeant Peppers». Sus conciertos eran preparados con precisión milimétrica y los ensayos, según relatan sus sucesivos músicos, eran más propios de la música clásica que de una banda de rock. Solo que mas duros.
En 1964 fundó en Pomona el grupo The Mothers of Invention. Desde casi el principio, el grupo se dedicó a aterrorizar por dos vías: la temática y la musical. En el primer apartado, el exceso apenas conocía límites. Desde hacer que una jirafa de trapo eyaculara en escena a llamar a sus conciudadanos «Plástic People», pasando por su póster sentado en un váter, Frank Zappa recogió y puso al día muchas de las técnicas de provocación utilizadas a principios del siglo XX, tanto por futuristas como por dadaistas y surrealistas.
De otro lado, no permitía a sus músicos consumir drogas durante las giras y mantuvo su oposición a toda forma de censura hasta el final.
Compositor y un líder de orquesta
En lo musical la cuestión es aún mas compleja. Para empezar, puede asegurarse que Zappa se sitúa muy cerca de Hendrix en lo que fue la revolución de la guitarra eléctrica en los sesenta. Su múltiple elepé «Shut Up And Play Yer Guitar» («Cállate y toca tu guitarra») es una buena muestra. Pero Zappa era sobre todo un compositor y un líder de orquesta, por mucho que sus orquestas no tuveran nada de clásicas.
Pero gran parte de su música es, sobre todo, bella. A él sobrevivieron, como legado postumo, más de seis decenas de grabaciones y un lugar destacado en las enciclopedias de la música del siglo XX.
Su portada para el segundo álbum del grupo Cream, ‘Disraeli gears’, causó conmoción
Portada de ‘Disraeli gears’, de Cream.
Carles Gámez Valencia 3 Dic 2013
Martin Sharp (Sidney 1942-2013) formó parte de ese grupo de creadores que contribuyeron a transformar la iconografía de los años sesenta a través de las revistas, portadas de discos o carteles del rock. A mediados de esa década una nueva generación de artistas desde las trincheras de la llamada contracultura o underground explotó la identidad gráfica con sus diseños surrealistas y bañados de colorido ácido.
La primera explosión tuvo lugar en la Costa Oeste con San Francisco como epicentro. Música pop, drogas y revuelta juvenil sirven de soporte para esta gráfica lujuriosa que parece inspirarse a partes iguales en los dibujos decadentes y sensuales del art nouveau y en el pop-art emergente, un grafismo que tiende lazos plásticos y espirituales entre Oriente y Occidente. Martin Sharp pertenece a esta división de creadores que le ponen a la psicodelia, cara y ojos. Nombres como Wes Wilson, Victor Moscoso, Mouse et Kelly, Peter Max o un Heinz Edelmann, que realiza la joya de la corona de la década con los dibujos de la película El submarino amarillo de los Beatles, son algunos de los promotores plásticos de este movimiento. En España, dos nombres recogen, cada a uno a su manera, este impulso psicodélico: el catalán Enric Sió en el mundo del cómic con su serie Aghadir y el vasco Iván Zulueta, en su faceta de cartelista e ilustrador pop.
Portada de Bob Dylan en la revista ‘Oz’.
La controversia suscitada por una portada de la revista Oz y las acusaciones de obscenidad hacen que Sharp deje Sidney y se exilie en Londres. Allí vive el nacimiento de la capital británica como la gran metrópoli de la cultura pop. Su portada para el segundo álbum del grupo Cream, Disraeli Gears, causa conmoción. Ese mismo año los Beatles han hecho Sgt. Pepper’s, Warhol ha plantado su banana en la portada de la Velvet y los Rolling Stones cierran con su versión particular de Alicia en el país de las maravillas como Sus Satánicas Majestades. El disco se ha convertido en el principal soporte de comunicación de la nueva cultura hedonista y transgresora. Sharp colabora en la creación de las nuevas mitologías con sus carteles para Jimi Hendrix que parece anunciar el viaje final y alucinante del doctor David Bowman de 2001 Odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968).
El nombre de Sharp aparece unido a la revista Oz, primero en su etapa australiana, y luego en su refundación británica. Oz se convertirá en una de las publicaciones emblema de los años psicodélicos y la cultura hippie. Para la revista crea algunas de sus ilustraciones más destacadas como el célebre retrato de Bob Dylan en el número de noviembre de 1967 que acabará transformándose en una de las imágenes icónicas del músico. A mitad de los años setenta, Sharp regresa a Sidney donde se instala definitivamente fundando Yellow House, un centro cultural para apoyar a jóvenes artistas y creadores visuales siguiendo los modelos de aquella contracultura y filosofía vanguardista que le había nutrido. Entre sus trabajos más curiosos de los últimos años destaca la decoración arquitectónica para la entrada del parque de atracciones Luna Park de Sidney. Un enfisema ha acabado con su vida a los 71 años.
Recoge canciones grabadas en acustico en seis conciertos de 1970 en un pequeño club de Washington
Iñigo López Palacios – Madrid 2 Dic 2013
Se podría decir que Live at the Cellar Door es fruto de la desaparición de Crosby Stills Nash &Young.
En 1970, David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash viajan al rancho de Hawaii de Neil Young. La idea es grabar la continuación del exitoso Déjà Vu. Pero termina en desastre. Las broncas son continuas, especialmente entre Stills y Young, que al parecer no habían aprendido nada de la disolución de su anterior grupo, Buffalo Sprinfield.
Portada de Live at the Cellar Door
Las sesiones se cancelan. No dijeron nada, e incluso habría algún directo y contacto posterior, pero CSN&Y eran historia.
Neil Young se concentra en After the Goldrush, su tercer disco en solitario. Fue comercialmente un éxito. En gran parte gracias a la notoriedad que había alcanzado con CSN&Y.
En previsión de la gira que se avecinaba, Young realiza una serie de conciertos acústicos de calentamiento en The Cellar Door, un pequeño club de Washington.
Live at the Cellar Door que se pone a la venta el 10 de diciembre, contiene 13 canciones grabadas en aquellos seis directos de noviembre y diciembre de 1970. Es el nuevo disco de la serie Neil Young Archives Performance Series, con las que el canadiense, que acaba de cumplir 68 años está dando salida a grabaciones de toda su carrera.
* El legendario guitarrista actuará en el ciclo Leyendas con Estrella el 3 de diciembre en el Teatro Lara de Madrid
abc – Albert Lee acompañado por su banda
Ignacio Serrano / abc
Día 01/12/2013
Igual que en el cine, en el mundo del rock también existe la categoría de «secundarios de lujo». Albert Lee es uno de ellos, un currante de la música con cincuenta años de trayectoria a sus espaldas, en los que ha acompañado como guitarrista a leyendas como Bo Diddley, Emmylou Harris, Jerry Lee Lewis, Joe Cocker o los Everly Borthers. «Estoy deseando oír el disco de tributo a los Everly que han hecho Norah Jones y el cantante de Green Day, Billie Joe. A ella la conozco, pero no sé qué habrá hecho él…», exclama el guitarrista, también muy amigo de Eric Clapton.
«Le conocí en el 64, en la época de los Bluesbreakers, y desde entonces somos compañeros de viaje». De hecho, Clapton siempre le invita a su festival de guitarristas Crossroads. «Le cuesta mucho organizarlo, y por eso aseguró que el de 2013 sería el último, pero un pajarito me ha dicho que habrá más», desvela Lee.
El martes llega a Madrid dentro del ciclo «Leyendas con historia», acompañado de The Hogan’s Heroes, una banda de músicos ilustres (también secundarios de lujo) que editará su próximo trabajo en febrero, «Frettening Behaviour».
«Tocaremos algunos de esos temas nuevos en primicia», dice Lee, a quien le gusta pensar que «el legado de músicos como yo sigue vigente, porque hay muchos guitarristas jóvenes que lo hacen suyo para llevarlo más allá». Lo que no le gusta tanto son los nuevos formatos de escucha. «El compact disc fue algo aceptable, pero el MP3… es sencillamente algo imposible para mí. Por favor, escúchenme en vinilo»
El músico británico admite que está valorando la posibilidad de regresar a la música con su antigua banda.
Por Rolling Stone
Nueva sorpresa mayúscula en el mundo del rock. Y esta además especialmente grande, pues tiene como protagonista a Phil Collins, supuestamente retirado de los escenarios y (casi totalmente) de la industria musical desde hace un tiempo.
Sin embargo, el músico inglés ha confesado al diario The Guardian que actualmente se está pensando la posibilidad de volver a la actividad musical para reunirse con su legendaria banda Genesis.
«He empezado a hacer cosas nuevas. Podría hacer conciertos otra vez, incluso con Genesis. Podríamos hacer una gira por Sudamérica y Australia, donde no hemos estado antes. Todo es posible», ha declarado.
Collins está retirado de los escenarios precisamente desde la última reunión de Genesis allá por 2007, mientras que su último álbum de estudio es Going Back de 2010. Esta escasa actividad se debe en buena parte a sus problemas cervicales, ahora aparentemente controlados.
El artista ha grabado el célebre villancico, primer single de su nuevo disco, con la Orquesta Sinfónica de Bratislava
Raphael- El Tamborilero 2013
ABC.ES / Madrid
Día 26/11/2013 –
Raphael ha presentado el videoclip de la nueva versión de «El Tamborilero» que ha preparado para esta Navidad. A solo un mes de tan entrañables fechas, el artista ha querido publicar el sencillo de adelanto de su nuevo disco, «Mi gran noche. 50 éxitos de mi vida».
Grabado con la Orquesta Sinfónica de Bratislava y con unos sensacionales arreglos de cuerda y viento, esta versión del célebre villancico cuenta con todos los ingredientes para convertirse en la canción de estas navidades.
«El Tamborilero» es una composición popular navideña checa que fue grabada por primera vez en 1955. Desde entonces, ha sido objeto de 220 versiones en siete idiomas para acercarla a géneros de todo tipo. Frank Sinatra, Boney M., Bob Dylan, David Bowie, Stevie Wonder, Abba… Y por supuesto, Raphael, que consiguió con esta canción el primero de una larguísima lista de éxitos.
Se trata de un tema que marcó un hito en la carrera del artista y que, en esta readaptación, se acompañará de un nuevo y sobrio videoclip. El single está incluido en el álbum «Mi gran noche. 50 éxitos de mi vida», en el que Raphael repasa los mejores momentos de su carrera en un triple CD.
El nuevo disco se llamará ‘High Hopes’ (Grandes esperanzas) y es el primero desde ‘Wrecking Ball’, grabado en 2012
El músico Bruce Springsteen durante el concierto que ofreció con la E Street Band en el estadio madrileño Santiago Bernabéu, en 2012 / Cristobal Manuel
EFE Nueva York 25 Nov 2013 –
El cantante y guitarrista estadounidense Bruce Springsteen sacará a la venta el próximo 14 de enero su nuevo álbum High Hopes (Altas esperanzas), según ha anunciado el propio artista en las redes sociales. En sendos mensajes en sus cuentas oficiales de Twitter y Facebook, Springsteen ha confirmado los rumores que durante las últimas semanas apuntaban al lanzamiento de este nuevo álbum, grabado en Nueva Jersey, Los Ángeles, Atlanta (Georgia), Australia y Nueva York y que supone el primero desde Wrecking Ball de 2012.
El nuevo álbum del Boss, el decimoctavo de su carrera, será lanzado por la discográfica Columbia Records e incluirá, junto a Springsteen, a los miembros del grupo E Street Band, y al guitarrista Tom Morello. El disco, que incorpora «parte del mejor material sin publicar de la pasada década», según ha asegurado el propio Springsteen en su página web, incluirá también intervenciones de Clarence Clemons y Danny Federici, fallecidos en 2011 y 2008, respectivamente.
Además, Springsteen ha colgado hoy en el portal de vídeos Youtube una versión del tema de 1990 High hopes, del grupo californiano The Havalinas, que da nombre al álbum.
El resto de canciones que conforman el nuevo álbum son Harry’s Place, American Skin (41 shots), Just Like Fire Would, Down In The Hole, Heaven’s Wall, Frankie Fell In Love, This Is Your Sword, Hunter Of Invisible Game, The Ghost of Tom Joad, The Wall y Dream Baby Dream.
Algunos de los temas, como The Ghost of Tom Joad, son conocidos, y Springsteen explicó: «Sentía que están entre lo mejor que he escrito y que merecían una grabación adecuada en el estudio».
Mick Fleetwood, Christine McVie y Stevie Nicks en la première en Londres de ‘Stevie Nicks: In Your Dreams’. FOTO: David M. Benett/Getty Images
«Les echo de menos. Si me lo pidieran, probablemente estaría encantada», ha declarado la teclista. Por Miriam Coleman
Los fans de Fleetwood Mac estaban encantados en septiembre cuando Christine McVie subió al escenario del O2 Arena en Londres y se unió a sus ex compañeros de banda para interpretar Don’t stop. La antigua teclista y compositora dejó la banda en 1998, e incluso Stevie Nicks asumió que nunca volvería.
Pero en una entrevista con el Guardian, McVie ha dicho que quiere volver al grupo que ayudó a construir durante 28 años. “Me gusta formar parte de la banda, todo lo que conlleva hacer música con ellos”, ha dicho. “Les echo de menos. Si me preguntaran, probablemente estaría encantada… Pero eso no ha ocurrido, así que tenemos que esperar y ver qué pasa”.
Tras evitar los escenarios y los focos, viviendo en Inglaterra durante la última década, McVie maravilló por lo fácil que encajó de nuevo en la banda. “Fue increíble, como si nunca me hubiera ido”, dijo. “Me subí ahí arriba de nuevo y ahí estaban, las mismas viejas caras de siempre”.
Sobre su retiro de la industria después de crear éxitos indelebles como Don’t stop, You make loving fun y Over my head, McVie ha explicado que estaba “quemada por la música”. Sufrí una especie de delirio por el que quería ser una chica de campo inglesa”, declaró. “Y me ha llevado 15 años darme cuenta de que no era para nada lo que quería”.
Si a McVie le dan la oportunidad de recuperar su sitio como miembro de Fleetwood Mac, no pasará de un día para otro. La gira del grupo está temporalmente en pausa mientras su ex marido John McVie se somete a tratamiento contra el cáncer. Pero Christine McVie trae buenas noticias sobre ese tema, asegurando que la prognosis “es muy buena. Está recibiendo el tratamiento en Los Ángeles ahora mismo, pero lo han cogido muy pronto, así que debería estar en marcha en un par de meses.
Os dejamos el momento en el que Christine McVie se reúne con Fleetwood Mac en el O2 Arena de Londres.
El célebre tema de Bob Dylan publicado 1965, tiene, desde hoy, videoclip.
Bob Dylan
Por Rolling Stone
Con motivo del lanzamiento de The complete album collection volume 1, el nuevo box set de Bob Dylan que incluye 35 álbumes de estudio, 6 discos en directo y 2 de rarezas, el cantautor de Minessota acaba de publicar, 48 años después del lanzamiento de la canción, el videoclip de Like a rolling stone. Puedes verlo clicando en el enlace a continuación.
Al igual que Queens of the Stone Age, Dylan se ha decantado por un vídeo interactivo, en el que el espectador puede cambiar entre las 16 escenas posibles del videoclip como si de canales de televisión se tratara.
Considerada por ROLLING STONE como Mejor canción de la historia, Like a rolling stone fue escritra por Bob Dylan en 1965. Su texto original, infinitamente más largo –de seis a veinte páginas, según las fuentes– y menos pulido que el grabado finalmente, era, según palabras del propio artista, «una pieza rítmica a vueltas con mi odio constante».
El de New Jersey publicará la canción el próximo lunes, 25 de noviembre.
Portada de High hopes, nuevo single de Bruce Springsteen
Por Rolling Stone
Desde esta mañana, las noticias acerca de un posible nuevo single de Bruce Springsteen no han hecho más que ir y venir: el portal danés Wimp anunció que el de Nueva Jersey estrenaría tema el 19 de noviembre, y poco después, la información desaparecía de la página sin dejar rastro. Después, ocurría lo propio con Sony Music Alemania, que anunciaba la publicación de un sencillo el 25 de noviembre para, horas después, borrar todo rastro de esa publicación. Ahora, la página web de Springsteen ha hecho el anuncio oficial: El nuevo single del Boss saldrá el próximo lunes, 25 de noviembre, y se titulará High hopes.
Escrita por Tom Scott McConell en 1987, Bruce Springsteen grabó High hopes con la E Street Band en 1995 y fue publicada, un año después, en el EP Blood brothers. La canción fue retomada por el músico en marzo de este año, durante la gira por Australia junto al guitarrista Tom Morello, y ambos entraron al estudio poco después.
Los ‘fab four’ en plena explosión de la ‘Beatlemanía’ correteando de un lado, con cuidadas animaciones, acompañan su versión de ‘Words of love’, de Buddy Holly. Es parte del lanzamiento de ‘On air – Live at the BBC Volume 2’.
The Beatles, felices por su gran éxito.
Por Rolling Stone
Suena Words of love, de Buddy Holly, interpretada por los Beatles y vemos a los de Liverpool correteando de un lado a otro, en el estudio de grabación o, cómo no, con un montón de fans gritando, todo redondeado con bonitas animaciones. Se trata del nuevo vídeo que ha salido para apoyar el lanzamiento de On air – Live at the BBC Volume 2, la colección que acaba de salir, con 63 grabaciones de actuaciones que el grupo ofreció en la emblemática radio británica, entre 1963 y 1964, anteriormente no publicadas. El vídeo acaba con la banda volando, encaminada a su conquista de EE UU.
Coincidiendo con el 50 aniversario de su triunfal aterrizaje al otro lado del charco, en febrero de 1964, en los próximos premios Grammy se estrenará un programa especial sobre la aparición de los Beatles en el programa The Ed Sullivan Show. Este momento histórico de la televisión estadounidense marcó para siempre a cientos de futuras estrellas del rock.
Aquí puedes ver el bonito y entrañable nuevo vídeo de los Beatles:
La publicación de los discos tendrá lugar en 2014, y cada uno de ellos irá en una caja con un disco complementario
EFE – John Paul Jones, Robert Plant y Jimmy Page durante la presentación en 2012 de «Celebration Day»
p.m.p. / madrid
Día 18/11/2013 – 13.09h
El guitarrista de Led Zeppelin,Jimmy Page, ya lleva meses trabajando en la edición de toda la discografía remasterizada de la banda, pero la gran noticia es que cada uno de sus álbumes tendrá un disco de acompañamiento con material inédito: «Tomemos, por ejemplo, «Led Zeppelin III», que ha sido remasterizado sobre las cintas analógicas originales. Sé que es algo que todo el mundo hace, pero lo que no hacen… yo volví a revisar todas las mezclas que se hicieron en ese momento».
Entonces fue cuando aparecieron sorpresas: «Hay diferentes versiones de cada tema. Por ejemplo, «Since I’ve Been Loving You» tiene una versión increíble que es totalmente diferente a la publicada. Es muy cruda en su planteamiento, es bastante dramática, es genial».
Pero no quiso entrar más detalles: Eso sí, «Tiene que haber algo de sorpresa, no puedo desvelarlo todo». cada disco irá en una caja independiente e incluyendo fotografías de Led Zeppelin.
Jimmy Page realizó estas declaraciones durante el Classic Rock Roll Of Honour, donde recibió un premio por la película«Celebration Day», el documental del concierto de reunión que ofreció el legendaria grupo británico en Londres el 10 de diciembre de 2007.
Publicado por diamantesmusicales en Noticias y tiene Comentarios desactivados en Jimmy Page anuncia que la discografía remasterizada de Led Zeppelin contendrá material inédito
Gira despedida La histórica banda de rock alemana anuncia un segundo concierto en la capital
El grupo Scorpions, en un concierto en Leganés en 2008 Carlos Barajas
EUROPA PRESS Madrid
Actualizado: 18/11/2013
Tras agotar en tiempo récord las entradas para su concierto del sábado 8 de marzo, la banda alemana Scorpions repetirá la noche antes en el Palacio Vistalegre de Madrid, tal y como informa la promotora Madness Live.
La capital disfrutará, por tanto, de una doble oportunidad para ver en directo a la banda formada en 1969 por Rudolf Schenker y Klaus Meine, convertida ahora en una de las más influyentes de la historia.
Las entradas para este nuevo concierto del viernes 7 de marzo, en el que estarán H.E.A.T. como artistas invitados, se podrán comprar por 50 euros a partir de las 12:00 horas del 20 de noviembre.
Los puntos de venta oficiales son los de la red Ticketmaster, el teléfono 902.150.025 y la tienda Sun Records (donde al comprar la entrada de coleccionista se entrará en el sorteo de una guitarra Gibson Rudolf Schenker Flying V).
Ginger Baker, fundador de ‘Cream’ junto a Eric Clapton y Jack Bruce, actuará en la Sala BBK el próximo 4 de diciembre, acompañado por Pee Wee Elis al saxo tenor, Alec Dankworth al bajo y el percusionista Abass Dodoo.
Según han informado los organizadores, Baker fue uno de los primeros bateristas que logró alcanzar la categoría de estrella, a pesar de ser un instrumentista. Fue uno de los primeros músicos en introducir el uso del doble bombo, por lo que se considera como muy relevante su aportación al mundo del rock. A pesar de ello, Ginger Baker se ha considerado siempre un músico de jazz, género al que se dedica en la actualidad.
Los cuatro discos publicados con ‘Cream’ a lo largo de tres años de actividad fueron suficientes para elevar esta formación a la categoría de mito. El combo rítmico que formaba el binomio Bruce-Baker es considerado como una de las mejores bases rítmicas de la historia.
Con «Cream», y ya en el disco de debut de 1966 «Fresh Cream», Ginger Baker escribió y grabó el tema ‘Toad’, que registró uno de los primeros grandes solos de batería de la historia del rock. Dejaron, asimismo, un puñado de canciones inolvidables como ‘Sunshine of your love’, la versión de ‘Crossroads’ o ‘White Room’.
Tras la disolución de ‘Cream’, Baker fundó junto con Clapton otra gran banda, llamada ‘Blind Faith’, en la que confluyeron el propio Baker a la batería, el teclista Steve Winwood y el bajista y multiinstrumentista Rick Grech.
Posteriormente, Ginger Baker puso en marcha sus propios proyectos, colaboró en África con Fela Kuti y volvió a juntarse ocasionalmente con Jack Bruce, la última vez, en 2005, cuando Clapton los unió para una serie de conciertos de «Cream» en Londres y Nueva York.
Su actuación comenzará a las 20:00 en la Sala BBK, en Bilbao. Las entradas están ya disponibles en la Sala BBK y en los cajeros multiservicio BBK, con descuentos especiales para titulares de tarjetas de Kutxabank.
Publicado por diamantesmusicales en Noticias y tiene Comentarios desactivados en Ginger Baker, fundador de ‘Cream’, actuará en la Sala BBK el 4 de diciembre
El músico granadino se enorgullece de ser «el primer rockero» que recibe esta distinción
Belén Díaz – Miguel Ríos en una reciente visita a ABC
abc.es / madrid
Día 16/11/2013
La Academia Latina de la Grabación ha distinguido a Miguel Ríos con el Premio a La Excelencia Musical de La Academia Latina. La entrega del galardón se realizará en Las Vegas el 20 de noviembre, un día antes de la gala de la 14 entrega de los Grammy latinos.
Nominado a estos premios en varias ocasiones en el apartado «mejor artista de rock», el cantante y compositor granadino, de 69 años, declaró sentirse «gratamente sorprendido por ser el primer rockero que recibe la distinción a la Excelencia musical».
Parcialmente retirado de la música -solo actúa en directo en apoyo de otros músicos o en conciertos solidarios-, su último trabajo publicado es un libro de memorias, «Cosas que siempre quise contarte» (Ed. Planeta), del que ya está previsto el lanzamiento de una segunda edición.
El premio reconoce la labor de un hombre que fue pionero del rock en España, tanto desde el aspecto musical a principios de los años sesenta, como en la forma de presentar los directos, en forma de megaconciertos, en los años 80. Además, ha cosechado éxitos internacionales, como su interpretación del «Himno de la Alegría».
