El músico irlandés actuará el próximo lunes en el Liceo de Barcelona

Inés Baucells – Van Morrison en su actuación de 2013 en Barcelona

David Morán / Barcelona
Día 16/01/2015 – 01.08h

Nunca ha sido Van Morrison un artista al que le haya costado demasiado hacer las maletas y lanzarse a la carretera. Como Bob Dylan, el astro irlandés es un animal de escenario, un músico de la vieja escuela que vive de (y, por qué no, también para) hacer caja cada vez que se apagan los focos y empiezan a sonar los primeros acordes.

Quizá por eso «el León de Belfast» no escatima en rugidos y no le hace ascos a casi ninguna actuación, ya sea en el Festival de Montreux, en el Royal Albert Hall londinense o en esos lujosos resorts vacacionales ingleses e irlandeses donde se dejará ver próximamente a razón de 300 libras la entrada. Y quizá por eso también va camino de convertir sus actuaciones invernales en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en una suerte de tradición anual. Por allí pasó en diciembre de 2013 acompañado de su hija Shana Morrison, y al mismo escenario regresa este lunes para recoger el testigo de Woody Allen en el recién nacido Suite Festival.

Una nueva visita del autor de «Astral Weeks» que coincide con un nuevo capítulo en su turbulento y problemático historial discográfico. Y es que, una década después de fichar por Blue Note, sello «adulto» que le permitió escabullirse de esas multinacionales de pop que, como él mismo aseguró en su día, nunca supieron qué hacer con su música, Van Morrison acaba de fichar por RCA, discográfica en la que publicará en los próximos meses su 35 trabajo de estudio.

Se trata nada menos que del octavo cambio de camisa de un artista que, con los años, ha aprendido a vivir y a sobrevivir de espaldas a la industria haciendo bandera de su proverbial mala uva. Así, casi cinco décadas después de estrenarse con «Blowin’ Your Mind!» y a pocos meses de cumplir 70 años, el irlandés no tiene reparos en tachar de ladrones a los responsables de la frondosa reedición de «Moondance» publicada en 2013, sigue vetando la presencia de sus novedades discográficas en plataformas como Spotify e incluso desliza mensajes nada subliminales en algunos de sus títulos más recientes.

«Sartre dijo que el infierno son los otros, yo creo que la mayoría lo son», asegura en «Going Down To Monte Carlo», canción del que hasta ahora es su último disco, «Born To Sing (No Plan B)» y enésima prueba de que, pese a que sus discos ya no armen el mismo revuelo comercial que en los setenta o en los ochenta, aún es capaz de manejarse con elegancia y enorme inspiración a través del jazz, el soul y el folk de inspiración celta.

Ingredientes todos ellos que, por más años que pasen, sigue combinando como nadie en su portentosa garganta. De hecho, quienes acudan el lunes al Liceo lo harán con la esperanza de que el autor de «Into The Mystic» vuelva a firmar otra noche memorable y exquisita. Otra noche que, a pesar de su consabido mal genio y de ese reloj digital con pinta de taxímetro a la inversa que utiliza para salir pintando, devuelva la magia al Gran Teatro.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150116/abci-morrison-concierto-barcelona-201501152226.html

La cantante actuará en Pamplona, Bilbao, Barcelona, Madrid, Gijón y Santiago de Compostela en su gira «An Evening with Joan Baez»

ÁNGEL DE ANTONIO – Joan Baez durante un concierto en Madrid en 2010

ÁLVARO ALONSO – Día 11/01/2015 – 16.12h
Ayer, 9 de enero, cumplía Joan Baez 74 años. Una vida de largo recorrido la de aquella niña de Staten Island que debutó en el Festival folk de Newport en 1959 y que de la mano de Bob Dylan llegó a emocionar al mundo como pocas cantantes lo han hecho.

Este 2015 va a ser el año que veamos en los escenarios españoles a Joan Baez dentro de su gira «An Evening with Joan Baez» que la llevará a recorrer los teatros y palacios de festivales de España a partir del 15 de marzo en Pamplona, para luego seguir en Bilbao, Barcelona, Madrid, Gijón y, finalmente, Santiago de Compostela el 28 de marzo.

Joan Baez, la cantautora más importante del siglo XX, encoge el corazón como pocas artistas lo consiguen, tal vez si acaso Cecilia (Evangelina Sobredo), con quien comparte un claro aire de familia, por su coherencia y su honestidad inquebrantable.

Son canciones como «Donna Donna», auténticas magdalenas de Proust, incrustadas en la memoria colectiva.

Con los años hemos ido apreciando cada vez más el valor de artistas como Joan Baez, ejemplos de coherencia entre el decir y el hacer, donde el compromiso, más allá de ir en defensa de las grandes palabras, como la justicia, la igualdad o la libertad, se vuelcan en un compromiso con uno mismo.

Joan Baez ha dedicado su vida a narrar las injusticias, los abusos del poder, sus contradicciones, al tiempo que lanzaba un mensaje de amor a los demás, aquella proclama de fraternidad que hoy parece haber quedado solo en un eslogan en papel mojado que alguien escribió en 1789.

Pero el amor de Joan Baez es, sobre todo, amor a la vida, esa a la que hay que dar las gracias porque «nos ha dado tanto». Lejos de los focos y las cámaras desde hace muchas décadas, parce que han pasado mil años, y tal vez por ello, su imagen se mantiene incólume, igual de cercana que en Newport, aunque reflejos plateados cubran sus sienes, como van cubriendo las de todos.

Hoy el mundo es mucho más complejo, más grande y terrible, y las sociedades del siglo XXI han mostrado también sus contradicciones, sus abusos, sus injusticias, temerosos de soliviantar al gigante dormido del cuento.

Es por ello que Joan Baez, a sus 74 años, se presente de nuevo entre nosotros no como un lugar sin más para la nostalgia, sino, quien sabe, tal vez como una nueva oportunidad.

Discografía selecta

En 1974 Joan Baez publicaba «Gracias a la vida», un álbum de canciones dedicadas a apoyar al pueblo chileno íntegramente cantado en español, con canciones como la que da título, de Violeta Parra, y otras como «La llorona» que hiciera popular Chavela Vargas para RCA Victor en 1967, «Te recuerdo Amanda» de Víctor Jara o «Cucurrucucú, Paloma», de T. Méndez.

Unos años antes, en 1968, Joan Baez se traslada a Nashville para grabar en unas maratonianas sesiones Any Day Now, un amplio repertorio de canciones de Bob Dylan, entre ellas seis canciones inéditas que el propio Dylan le regala a su musa más incondicional, como «Love is just a four letter word».

También en Nashville, pero en 1965, Joan se embarca en una de sus legendarias grabaciones con un combo formado por solo mujeres, Nicole, Andrea, Elizabeth y Lisa. El resultado fue Farewell, Angelina, con cuatro temas de Dylan entre lo más destacado, además de interpretar «Colors» de Donovan y otras de Léo Ferré, Woody Guthrie y Pete Seeger.

Por supuesto la discografía de Joan Baez debe incluir sus dos primeros álbumes en vivo de 1962: «In Concert». En el primero de ellos se encuentra «Babe IŽm gonna leave you», una canción que llamó la atención de Jimmi Page y Robert Plant y que Led Zeppelin incluiría en su primer y aclamado elepé.

Y en este «viaje a la semilla», que diría Alejo Carpentier, finalizar con el EP editado en España por Hispavox (1964) que incluía cuatro gloriosas canciones, las dos primeras del Joan Baez, el primer disco homónimo, la obra maestra de Joan Baez para Vanguard de 1960 y su pistoletazo de salida: «The House of Rising Sun», «Donna Donna» y «DonŽt Thing Twice, ItŽs All Right» y «We Shall Over Come». Arrancaba a fraguarse una leyenda que cuenta en su haber con más de 45 discos publicados.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150110/abci-joan-baez-201501101722.html

Calendario de conciertos:

Domingo, 15 de marzo, apertura de puertas: 18.30h / Joan Baez: 19.00h
PAMPLONA Baluarte
Precios: 25€ o 35€, dependiendo de localidad. Puntos de venta: www.baluarte.com, 902 15 00 25, taquillas Baluarte.

Martes, 17 de marzo, apertura de puertas: 19.15h / Joan Baez: 20.00h
BILBAO Palacio Euskalduna (Auditorium)
Precios: 35€ / 45€ / 50€ / 58€ + gastos, dependiendo de localidad Venta: Red Kutxabank (web y cajeros multiservicio).

Jueves 19 y viernes 20 de marzo, apertura de puertas: 20.30h / Joan Baez: 21.00h
BARCELONA Palau de la Música ‘Festival del Mil·Leni’
Precios: entre 18€ y 72€, dependiendo de localidad.

Lunes, 23 de marzo, apertura de puertas: 19.30h / Joan Baez: 20.30h
MADRID Teatro Nuevo Apolo
Precios: 35€ / 45€ / 50€ / 58€ + gastos, dependiendo de localidad Venta: Red Ticketmaster, www.ltinews.net, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes, www.entradas.com

Viernes, 27 de marzo, apertura de puertas: 20.00h / Joan Baez: 20.30h
GIJÓN Teatro de la Laboral
Precio: 25€
Venta: Recepción de Laboral Ciudad de la Cultura, Recepción del Centro Niemeyer en Avilés, www.cajastur.es, 902 106 601 y red de cajeros CajAstur.

Sábado, 28 de marzo, apertura de puertas: 20.30h / Joan Baez: 21.30h
SANTIAGO DE COMPOSTELA Palacio de Congresos y Exposiciones ‘Sons’ 15′
Precios: 38€ / 40€ / 42€
Venta: www.servinova.com, entradas.abanca.com, Taquilla Teatro Principal, A Reixa tenda (Santiago de Compostela)

Tendrán lugar hoy en la que fue su casa, Graceland, e incluyen la proyección de sus películas y una fiesta de baile en la que por sonarán sus canciones, y en la que participarán dos de los músicos de estudio del cantante, David Briggs y Norbert Putnam

Elvis, fotografiado en 1968, en su regreso triunfal en un programa especial televisado

efe / washington
Día 07/01/2015 – 13.25h
La figura de Elvis Presley, probablemente la estrella más reluciente del Olimpo de la música popular del siglo XX, sigue en plena vigencia cuando se cumple el 80 aniversario de su nacimiento, y su legendaria voz y caderas siguen agitando emociones en todo el mundo.

Las celebraciones de su «80 cumpleaños», como lo presenta su exesposa Priscilla Presley, comienzan hoy en la mansión de Graceland, en Memphis, donde vivió y reposan los restos el intérprete de canciones ya inmortales como «In the ghetto» o «Heartbreak hotel».

Todos los años miles de fans cumplen con la peregrinación de congregarse ante Graceland con velas encendidas en homenaje a «El Rey», a cuyas puertas se encuentran los dos aviones privados propiedad de Elvis y que actualmente están en venta.

Entre los eventos encabezados por su exmujer, cofundadora de Elvis Presley Enterprises, figuran la proyección de algunas de sus películas y una fiesta de baile en la que por supuesto sonarán sus canciones, y en la que participarán dos de los músicos de estudio del cantante, David Briggs y Norbert Putnam.

Se recordará el primer acetato grabado por el artista cuando era solo un joven desconocido de Tupelo, una pequeña localidad de Misisipi.

El primer disco

Fue en agosto de 1953, cuando un Presley de 18 años entró en las oficinas de Sun Records en Memphis, donde se había mudado con sus padres seis años antes, para registrar dos canciones «My Happiness» y «That’s When Your Heartaches Begin».

La estrella siempre aseguró que tenían como único objetivo ser un regalo para su madre.

Aunque sus primeras grabaciones pasaron desapercibidas y tuvo que trabajar un tiempo como conductor, se convirtieron en míticas joyas de la cultura popular cuando Presley revolucionó las ondas al comenzar a sonar su versión de «That’s all Right» en una emisora de Memphis un año después, en 1954. Pocos segundos después, el locutor recibió una avalancha de llamadas preguntando por el intérprete. A partir de entonces, la locura: innumerables números 1, histeria colectiva, llamada a filas, Elvis de uniforme en Alemania, y apariciones televisivas de infarto.

Entre ellas, sobresale la de 1956 en «The Milton Berle Show». cuando el lúbrico oscilar de su caderas, que dio lugar al mítico apelativo de «Elvis la pelvis», al cantar «Hound Dog» quedó marcado para siempre en las retinas de los estadounidenses y el mundo entero.

«Elvis compensa su escasez vocal con la más extraña y sugerentemente simple recreación de las danzas de apareamiento de los aborígenes», señaló entonces el New York Journal-American en su crítica de la actuación.

Posteriormente, su estrellato en Hollywood, multimillonarias ventas, más éxitos, su pasión por el kárate, y su progresivo descenso a los infiernos de las adicciones y la decadente megalomanía.

A los 42 años, en 1977, «el rey del Rock», nacido como Elvis Aarón Presley el 8 de enero de 1935, dijo adiós al mundo terrenal y entró por la puerta grande en la historia de un género musical, que se convirtió en una era en sí mismo y cambió para siempre el curso del siglo XX.

Como diría John Lennon, en la cita más repetida sobre la voz de «Jailhouse Rock» o «Love me tender», y con quien comparte panteón en la cultura popular: «Antes de Elvis no había nada».

O, en palabras de otra figura legendaria, Bob Dylan, escuchar al «Rey» por primera vez fue «como escapar de la cárcel».

En un ejercicio de imaginación algo macabra, el diario de Minneapolis Star Tribune traslada hoy a Elvis a la actualidad, con sus 80 años, y lo ve cantando sentando en una silla, pasado de peso como se encontraba al final de su vida fruto de su desmedida pasión por los sandwiches de mantequilla de cacahuete y el abuso de los fármacos.

No obstante, el diario apuesta a que «las pobladas patillas se mantendrían, y al menos ofrecería un agitar de caderas y una divertida pose de kárate» al entonar grandes éxitos como «All shook up» o «Return to sender».

http://www.abc.es/cultura/musica/20150107/abci-celebraciones-aniversario-elvis-201501071249.html

Llega tres años después de su anterior trabajo, ‘Ringo 2012’.

Por Rolling Stone – 29 de diciembre de 2014

“He acabado mi disco, está mezclado y el año que viene Universal Records lo publicará”, con estas palabras anuncia Ringo Starr el lanzamiento de un nuevo álbum. Un anuncio que el que fuera baterista de The Beatles acompaña de una felicitación navideña para sus fans.

Este nuevo trabajo del artista, de 74 años, llega tres años después de Ringo 2012. El músico y su All-Starr Band arrancan gira el próximo 13 de febrero en Los Angeles.

http://rollingstone.es/noticias/nuevo-disco-de-ringo-starr-en-2015/

De Woodstock a ‘Nueve semanas y media’

La particular voz del cantante inglés recorrió cinco décadas de la música popular anglosajona, con éxitos como ‘Up where we belong’ y ‘You can leave your hat on’.

D. PRIETO
Actualizado: 22/12/2014 20:18 horas

La muerte del vocalista británico Joe Cocker, a los 70 años y tras una larga batalla contra el cáncer de pulmón, ha resucitado el interés por la música de este hombre cuya voz raspada acompañó algunos de los éxitos más importantes de los 60, los 70 y los 80.

Con apenas 24 años, y dejando bien clara su querencia por el ‘blues’, el ‘soul’ y la tradición musical negra, se atrevió con una versión del ‘With a little help from my friends’ que los Beatles habían publicado un año antes en su portentoso disco ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. Su interpretación de este tema en el festival de Woodstock de 1969 quedó para siempre asociada a aquel mágico final de la década de los 60.

En los 70 Cocker conoció otro éxito con ‘You’re so beautiful’, publicada originalmente en su disco de 1974 ‘I Can Stand a Little Rain’ y que se convirtió en un estándar de su repertorio, inspirando también a otros músicos, como Dennis Wilson de los Beach Boys.

Otra década y otro éxito más, en este caso se podría decir que el más importante. ‘Up where we belong’, cantada a dúo con Jennifer Warnes y escrita por Jack Nitzsche, se convirtió en una de las canciones de 1982 gracias a su aparición en la película ‘Oficial y caballero’, protagonizada por Richard Gere. No sólo fue un éxito de ventas sino que también proporcionó a Gere un Grammy a la mejor interpretación a dúo. El tema también consiguió un Globo de Oro y un Oscar.

Sin salir del terreno cinematográfico, otra canción cantada por Cocker puso la banda sonora a otra de las películas de los 80, ‘Nueve semanas y media’. ‘You can leave your hat on’ es obra de Randy Newman, pero 14 años después de su publicación, en 1986, la raspada voz de Joe le dio nueva vida para acompañar el (entonces) impactante ‘strip-tease’ de Kim Bassinger ante Mickey Rourke. Desde entonces es casi un tema obligado cada vez que alguien se quita la ropa delante de otro alguien.

Y dentro de esta tónica de recuperar temas de otros, en 1987 con ‘Unchain my heart’, publicada en los 60 por Ray Charles. El tema no llegó al número uno pero funcionó bien en las listas de todo el mundo, España incluida.

http://www.elmundo.es/cultura/2014/12/22/54986896e2704eab7e8b4577.html

A los 70 años

Según informa la BBC, el inglés, intérprete de canciones como ‘Up where we belong’ y ‘You can leave your hat on’, ha fallecido después de una batalla contra el cáncer de pulmón.

Joe Cocker, durante un concierto en Palma de Mallorca en 2007. MANIHTÚ

22/12/2014 19:30 horas

El cantante británico Joe Cocker ha fallecido a los 70 años de edad, según ha informado su manager a la cadena ITV y como recoge la cadena BBC.

El autor de éxitos como ‘Up where we belong’ (de la banda sonora de la película ‘Oficial y caballero’) y ‘You can leave your hat on’ (de ‘Nueve semanas y media’), así como de una exitosa versión del ‘With a little help from my friends’ de los Beatles, había participado en la primera edición del festival de Woodstock de 1969.

Al parecer, el cantante inglés, nacido en Sheffield en 1944, había librado una larga batalla contra el cáncer de pulmón que, finalmente, ha perdido esta penúltima semana del año.

http://www.elmundo.es/cultura/2014/12/22/549861a3e2704eab7e8b4572.html

La cantante ofrecerá un concierto el 27 de marzo en la Laboral

Joan Baez, en el Jovellanos, en 2010. JUAN PLAZA

20.12.2014 | 05:37
J. B. Está claro que el cartel de 2015 se agita en estos meses. Gijón ya cerró a Lenny Kravitz y ahora regresa a la ciudad, el 27 de marzo, Joan Baez, que justamente en ese mismo mes del año 2010 estuvo en el teatro Jovellanos. La veterana estrella de la canción folk americana, la voz de la protesta, la garganta del «No nos moverán», la compañera de Dylan en viajes de protesta y músicas celebradísimas, pondrá de nuevo su saber estar y sus mensajes en el escenario, en este caso el de la Laboral. Y, por cierto, en marzo, el día 14, estará Franco Battiato en el auditorio de Oviedo. Con lo que el cartel de 2015 promete.

Con Joan Baez regresa un referente inequívoco de la brillante y talentosa escena de los años sesenta. Ella fue protagonista de todo, incluido el Festival de Woodstock.

http://www.lne.es/vida-y-estilo/gente/2014/12/20/joan-baez-legendaria-voz-anos/1688989.html

El músico tocó con Sus Satánicas Majestades desde los años 60, y compartió con ellos más de una aventura salvaje que Richards cuenta en su biografía ‘Life’.

Bobby Keys FOTO: Brian Hineline/Corbis

Por Patrick Doyle – 03 de diciembre de 2014

Bobby Keys, el saxofonista que salió de gira con los Rolling Stones durante más de 45 años y tocó en clásicos de estudio como Brown sugar y Live with me, ha muerto a los 70 años.

“Si crees en la magia del rock & roll, en la cual yo creo devotamente, ésta no reside en el individuo“, dijo Keys a Rolling Stone en 2012. “He tocado con bandas con los mejores músicos, pero a menos que sean capaces de tocar juntos, no suenan todo lo bien que podrían”.

“Los Rolling Stones estamos devastados por la pérdida de nuestro gran amigo y legendario saxofonista, Bobby Keys”, ha dicho la banda en una declaración. “Bobby aportó una contribución musical única a la banda desde los años 60. Lo echaremos mucho de menos”.

“He perdido al mejor amigo del mundo y no puedo expresar la sensación de tristeza que tengo, aunque Bobby me diría que me animara”, ha dicho el guitarrista Keith Richards en una declaración. “Mis condolencias a todos los que lo conocían y conocían su amor por la música”.

Keys nació en Slaton, Texas, donde descubrió el poderoso sonido del líder King Curtis. “Ejecutaba sus solos de saxo de forma distinta a otros músicos de jazz – muchos de ellos pensaban que el rock & roll era una pérdida de tiempo. Pero King Curtis tocaba el saxo de la misma forma en que se toca la guitarra, como James Burton lideraría una canción. Lo que lo diferenciaba del resto era el cómo tocaba y el cómo atacaba las notas y su estilo”.

En Lubbock, Keys se hizo amigo de Buddy Holly, y tocó con él por un periodo breve siendo un adolescente. “Fue el primer tío que escuché tocar la guitarra eléctrica, y me impresionó muchísimo”.

Su camino se cruzó con los Rolling Stones en 1964 en la San Antonio Teen Fair. Era escéptico hacia los rockeros ingleses, pero dijo, “Salí y les escuché y vi que había rock and roll de verdad ahí, según mi humilde opinión”.

“Tienes que darte cuenta de que la visión, la imagen, según los estándares del rock and roll americano en 1964, eran los trajes de angora y las corbatas“, decía Keys en la autobiografía de Richards Life. “Y de repente llega esta panda de ingleses ¡cantando una canción de Buddy Holly! ¡Joder! No pude escucharlo todo correctamente, siendo como eran entonces los amplificadores y las PAs, pero tío, lo sentí… me recordó mucho a la energía que había sentido escuchando a Buddy y a Elvis. Había algo ahí que era auténtico”.

Keys volvió a coincidir con Mick Jagger a finales de los sesenta y ahí comenzó todo. Participó en las grabaciones de algunos de los discos más icónicos de la banda, como Let it bleed, Sticky fingers y Exile on Main Street. Su momento de estudio más famoso – Brown sugar en 1971 – originalmente iba a ser un solo de guitarra, pero en un momento espontáneo, Jagger y el productor Jimmy Miller sugirieron añadir el saxofón. ”Fue la primera toma – simplemente cerré los ojos y toqué“, dijo Keys.

“Keith Richards ha sido una de las mayores contribuciones a mi inspiración”, dijo Keys. Nacido en el mismo día que Richards, ambos se hicieron amigos muy rápido. Keys fue compañero de Richards durante las horas más nocturnas y cómplice de payasadas fuera del escenario, como aquella vez que lanzaron un televisor desde el balcón de un hotel en 1972. Pero sus salvajadas fueron algo incluso demasiado salvaje para los Stones. En su gira europea de 1973, faltó a un compromiso y Richards lo encontró en el hotel, tumbado en una bañera llena de Dom Perignon. “Fumaba un cigarro, la bañera llena de champán y una chica francesa con él”, recordaba Richards en Life. “Y me dijo: ‘íFuera de aquí“.

Keys dejó de salir de gira de forma regular con la banda, y comenzó a tocar en varios clubs bajo el apodo de Mr. Brown Sugar. Se juntó con John Lennon en su famoso “fin de semana perdido”. (Previamente había grabado con la Plastic Ono Band en canciones como Power to the people). “Algunas tardes, nos liábamos un porro y John y yo escuchábamos música, pero luego se marchaba porque si no [Yoko] comenzaría a sospechar acerca de su paradero”, contaba Keys. “Y sabía que yo vivía en su mismo barrio ¡y sabía que yo no era una buena influencia!”

Pero Keys nunca bajó el ritmo por completo. “He estado fumando hierba durante 50 años, y no he dejado de fumar un solo día a menos que estuviera en la cárcel”, dijo a Rolling Stone en 2012. “Soy un devoto fumeta. Lo he sido, y lo seguiré siendo, no veo ningún problema al respecto excepto lo que cuesta. Que lo legalicen“.

Tocó de forma intermitente con la banda durante los siguientes años, pero tenía una relación polémica con Jagger. Finalmente se volvió a unir a la banda para ensayar antes de la gira de Steel Wheels en 1989.

“Había estado fuera durante unos 10 años, excepto por actuaciones de una sola noche”, recordaba Richards. “Fue eso lo que me llevó convencerle de que volviera. Y cuando lo hice, no se lo dije a nadie… Solo le dije a Bobby, cuando toquemos Brown sugar, haz tu solo. Y cuando comenzó su solo, Mick me miró y me dijo “¿Qué cojones?”, pero cuando acabó el solo, bueno, nadie podía debatir aquello“.

Keys acompañó a la banda en su reciente gira 14 On Fire, con la que pasaron por España, pero tuvo que abandonar los conciertos cuando llegaron a Australia porque fue diagnosticado de Cirrosis.

“Estos tíos tienen algo natural al respecto”, contaba Keys a Rolling Stone. “Son parte de la música de la que vengo, porque yo no sé leer partituras. No vengo de ahí musicalmente, vengo directo del sentimiento, y ese sentimiento viene directo del rock & roll”.

http://rollingstone.es/noticias/adios-a-bobby-keys-saxo-de-los-rolling-stones/

Bob Dylan, Willie Nelson, The Cure y B.B. King encabezan el reparto de un ambicioso álbum de versiones

ABC – B.B. King, durante la grabación del álbum

Jesús Lillo / Madrid
Día 28/11/2014

Ya es raro que en un disco de homenaje, versiones y contubernios recreativos no aparezcan, qué boda sin la tía Juana, los Flaming Lips, fijos en la quiniela de los tributos y de las más complejas operaciones de rescate musical. En esta ocasión, su ausencia está justificada.«The Art Of McCartney» no es un álbum concebido, como suele ser costumbre, para reivindicar el genio de un compositor semiolvidado -como es el caso del reciente «Master Mix: Red Hot +Arthur Russell»-, ni para transformar el sonido de los éxitos de una estrella del pop en algo premeditadamente distinto. “The Art Of McCartney” es una rendición casi absoluta: el apabullante reparto elegido por el productor Ralph Sall se somete poco menos que a un karaoke para interpretar, en alta fidelidad, sin apenas sacar los pies del tiesto, el monumental repertorio del autor de «Let It Be».

Despacio y con buena letra

Alrededor de once años le ha llevado a Sall reclutar, convencer y afinar a los intérpretes que aparecen en «The Art Of McCartney». Brian Wilson, rival del compositor de Liverpool durante su etapa más experimental, en la segunda mitad de los años sesenta, fue el primero en apuntarse al bombardeo. Wilson eligió «Wanderlust», pieza de los primeros ochenta que aquí se adorna con las armonías vocales de los Beach Boys más clásicos y convencionales. No hay en este trabajo discográfico margen de maniobra para derrapar. Despacito y con buena letra, los intérpretes se limitan, salvo muy contadas y justificadas excepciones, a ponerle voz al catálogo del homenajeado.

Bob Dylan hace suya «Things We Said Today», cara B de «A Hard Day’s Night», Willie Nelson se queda con «Yesterday» y Cat Stevens se apropia de «The Long And Winding Road». En ningún caso hay sorpresas: el argumento de «The Art Of McCartney» no es la ruptura, ni siquiera la relectura, sino la entrega incondicional a una obra que en este singular proceso de adaptación sigue el guión impuesto por la banda que desde hace años acompaña al autor de «Hey Jude», aquí cantada por Steve Miller. En su mayoría, la gente que acude a la llamada de Ralph Sall ya peina canas y no está para pasarse de rosca y revoluciones.

Disciplina

Muy obedientes, Smokey Robinson, B.B. King, Chrissie Hynde, Alice Cooper, Roger Daltrey, The Cure, Dr. John y Billy Joel, entre otros, repasan la obra de McCartney desde los buenos tiempos de los Beatles hasta su etapa en solitario, pasando por los Wings, pero sin abandonar la más reconocible línea melódica de un compositor del que de manera voluntaria se dejan a un lado sus ensayos sinfónicos y, también, sus aventuras electrónicas como The Fireman. Tan pop como bien hilado -sin cortes, sin baches, sin volantazos-, «The Art Of McCartney» propone una travesía en la que el ajetreo vocal y el cambio de conductor no afectan al ritmo fijo impuesto por la banda que acompaña a los invitados. Incluso Perry Farrell, el otrora temible líder de Jane’s Addiction, se comporta y contiene en «Got To Get Into My Life», del «Revolver» de los Beatles.

La principal virtud de este ambicioso proyecto es también su gran vicio: Ralph Sall recluta a los propios músicos que acompañan a McCartney, gente con estudios y conocimiento y que va a tiro hecho, para que sostengan las versiones del álbum, lo que subraya una homogeneidad sonora que puede resultar aburrida para el oyente más inquieto, pero que, en cambio, sirve de garantía para los más devotos seguidores del compositor británico. Allen Toussaint arrastra su «Lady Madonna» hasta el barro de Nueva Orleans y, sin mayores traumas, Toots Hibbert y Sly & Robbie aprovechan la cadencia de «Eleanor Rigby» para darle un baño jamaicano que, sobra decirlo, no afecta al tejido original de la canción. El resto de «The Art Of Paul McCartney», más de cuarenta canciones, se puede escuchar plácidamente de un tirón, como si el tiempo no pasara entre unas canciones no solo clásicas, sino estandarizadas por un coro que las compacta sin delirios. Rusty Anderson y Brian Ray (a las guitarras), Paul «Wix» Wickens (teclista) y Abe Laboriel Jr. (batería), gente de confianza, se encargan de pastorearlos.

http://www.abc.es/cultura/musica/20141127/abci-paul-mccartney-201411271330.html

El disco de 1979 los rescató de la bancarrota, pero el ego de Roger Waters sembró la ruptura

ABC – Pink Floyd, un grupo británico de culto

 Luis Ventoso / Corresponsal en Londres
Día 30/11/2014 – 01.06h

Ante el fenómeno Pink Floyd, el mundo se divide en dos tipos de aficionados: los que los adoran en todas sus vertientes y los impacientes, que en sus discos nos saltamos las partes de elegante divagación buscando la miga de los tres cortes asequibles. El doble «The Wall» –qué camp suena ya lo de «disco doble»– cumple hoy 35 años. Es la segunda obra más celebrada de un grupo británico de culto, solo por detrás de «The dark side of the moon» (1973).

El Muro supuso en su momento (1979) un acontecimiento cultural: cinco semanas de número uno en el Reino Unido y quince en Estados Unidos, donde vendió más de ocho millones de discos. El sencillo «Another brick on the wall (Part II)», cuyo sonido disco está en las antípodas del canon Floyd y fue una idea del productor Bob Ezrin, sigue vigente. «The Wall» fue el disco que salvó literalmente a Pink Floyd, pues liberó a sus miembros de la bancarrota. Pero también el envite que acabó con el grupo, que no resistió el subidón de ego de su principal compositor, Roger Waters.
Excitante bohemia londinense

A diferencia de bandas de clase obrera, como The Beatles, los integrantes de Pink Floyd eran chavales de buenas familias de Cambridge, llamados a «carreras serias». Pero los iluminó la llamada de la excitante bohemia londinense. En 1965, los estudiantes de arquitectura Roger Waters (bajo), Nick Mason (batería) y Richard Wright (teclados) se juntaron con el guitarrista, cantante y compositor Syd Barret, un atractivo estudiante de arte, de psique herida y genio amplio y desaliñado. Barret les puso el nombre, tomado de dos ignotos músicos de blues campestre, Pink Anderson y Floyd Council. Pero blues habría poco.

La psicodelia, la experimentación con LSD, abrían nuevas puertas a la música, que se tornaba vanguardista, arty, intelectualoide, espacial. Nueva. Barret reinó en ese revoltijo. Un brevísimo mandato: en dos años las drogas agravaron su esquizofrenia y hubo de acogerse a los cuidados de su madre en Cambridge, donde llevó una vida esquiva hasta su muerte, en 2006. Fue sustituido por el guitarrista David Gilmour, más terrenal y técnico. Nacía la segunda etapa de Pink Floyd, con Gilmour y el complicado Waters repartiéndose la composición y las voces.

Problemas

En 1979 Pink Floyd tenían problemas. El sarpullido punk había instaurado formas más directas de expresión. Los Floyd eran el epítome del dinosaurio hippioso. Además, las andanzas de su contable y el disparatado coste de sus llamativos espectáculos los habían arruinado. Cuenta la leyenda que el 6 de junio de 1977, en la última noche de la gira de «Animals», en el Estadio Olímpico de Montreal, Roger Waters se encara con un fan y le escupe. Un gesto impropio de un educado chico de Cambridge, que lo deja meditabundo. Percibe que se está volviendo un megalómano. Además, le repugnan los conciertos en estadios, tan similares a las grandes paradas de los regímenes totalitarios: «Aquello era cada vez más y más opresivo. No eran lugares para la música. Eran para el deporte, que no es más que la ritualización de la guerra», explicó Waters.

Conversando con el joven productor Bob Ezrin, que había cobrado fama pilotando a Lou Reed y Alice Cooper, Waters le contó sus angustias, le reveló que a veces sentía el deseo irrefrenable de levantar un muro entre él y el público. «¿Y por qué no lo haces?», respondió Ezrin. La siembra quedaba hecha.

Dieciocho meses después, Roger Waters llamó a Ezrin, y lo invitó a escuchar dos largas maquetas, ideas para dos discos. Una de ellas era el esqueleto de «The Wall». Modificando la manera tradicional de trabajar de Pink Floyd, más cooperativa, Waters tomó el poder y presentó a la banda sus dos bosquejos: uno sería para el grupo, el otro para un disco en solitario. Deberían elegir. Optaron por «The Wall», no sin las protestas del teclista Richard Wright: «Otras vez sus paranoias de siempre, la guerra, su madre… Todas sus obsesiones».

Nace «The Wall»

The Wall, que nació como un concepto teatral y daría lugar en 1982 a la pomposa película de Alan Parker, está protagonizada por el músico de rock Pink, trasunto de Waters. Cada ladrillo del muro refleja una de sus angustias: el padre caído en la Segunda Guerra Mundial, la madre sobreprotectora, los profesores fríos y sarcásticos, las drogas, la egolatría, el mesianismo casi fascista ante los seguidores… Hasta que el final llega la catarsis purificadora, la caída del muro.

La grabación fue una sorda guerra civil. Un educado infierno inglés, con el productor Ezrin haciendo de mediador entre Waters y los otros tres. El dueño y señor del muro despidió a Wright del grupo y apenas dejó meter baza en las composiciones. El disco se grabó en tres estudios, en Londres, la Costa Azul y Los Ángeles. Orquestas, tres coros, músicos de sesión… El triunfo fue absoluto. Pero a Pink Floyd, en su versión íntegra, ya solo les quedaba un episodio más. En 1983 grabaron «The final cut», que en realidad es ya un disco en solitario de Waters, y no faltaron ni los puñetazos en el estudio. En diciembre de 1985 el compositor dejó el grupo y dio por hecho que lo enterraba.

Últimos discos

Pero los supervivientes, a los que había desdeñado como marionetas de acompañamiento al servicio de su creatividad, pleitearon por el nombre y los tribunales les dieron la razón. Desde entonces han publicado tres discos bajo el nombre de Pink Floyd, de calidad debatible y construidos con la ayuda de talento mercenario. El último acaba de salir, se llama «The Endless River» y aseguran que será el punto final. En realidad es una colección de descartes de «The Division Bell» (1994), pulidos con buen gusto.

Mientras tanto «El Muro» ha seguido cayéndose y levantándose con gran éxito. Entre 2010 y 2013, Waters sacó a su hijo de gira, 200 conciertos por todo el planeta, con llenazos e ingresos más de 300 millones de euros. En estadios y sin escupitajos.

La amistad con sus ex nunca ha retornado. En 2005 tocaron por última vez juntos, atendiendo a la llamada filantrópica del «Live 8». Pero las heridas son muy severas. Esta semana, la prensa musical británica ha preguntado a Gilmour y Mason qué sintieron cuando Waters dejó el grupo. La respuesta lo dice todo: «Fue como si se hubiese muerto Stalin». Lo cierto es que ambos construyeron un muro. Pero el de Stalin ya se ha caído, mientras que el de Waters, pese al difícil carácter del músico, sigue en pie y huele a clásico.

http://www.abc.es/cultura/musica/20141130/abci-aniversario-muro-pink-floyd-201411292109.html

«Vino a verme y me enseñó un puñado de canciones», cuenta Ray.

Por Rolling Stone – 29 de noviembre de 2014
La mitad de The Kinks, esto es, Ray Davies, ha revelado que ha estado trabajando en nuevas maquetas con su hermano Dave Davies, la otra parte implicada en una hipotética reunión de una banda.

“Él es un buen compositor. Estuvimos liados con unas maquetas las pasadas navidades. Vino a verme y me enseñó un puñado de nuevas canciones”, ha explicado Ray a Rolling Stone.

La pareja de hermanos no ha compartido escenario desde la última ruptura de The Kinks en 1996, aunque los rumores sobre su regreso están siendo incesantes de un tiempo a esta parte.

No hay nada confirmado oficialmente, pero dichos rumores apuntan a 2015 como el año de regreso de The Kinks, por supuesto con ambos hermanos de la mano. “Si hacemos un concierto de The Kinks, somos The Kinks”, ha dicho Ray en la misma entrevista a Rolling Stone, para después añadir: “Ray se pone en la derecha del escenario y Dave en la izquierda”.

http://rollingstone.es/noticias/ray-y-dave-davies-han-trabajado-en-nuevas-maquetas/

Es la composición de la banda más escuchada en Spotify España.

Por Rolling Stone – 30 de noviembre de 2014
Dicen que el cliente siempre tiene la razón y, en este caso, el cliente de Spotify ha hablado alto y claro para aupar a I want to break free como la canción de Queen más escuchada en la plataforma de música en streaming en España.

Las otras canciones que siguen a la victoriosa son Bohemian Rhapsody, Don’t stop me now, Another one bites the dust y We will rock you, según datos de escuchas de Spotify.

Este domingo se cumplen 10 años desde que Queen consiguiera un triple Disco de Diamante por sus ventas en España (más de 3 millones de copias), un país donde históricamente siempre han tenido muchos seguidores.
Spotify desvela también datos sobre las canciones en solitario de Freedie Mercury (de cuya muerte se han cumplido recientemente 23 años), y apunta que las más escuchadas son Living on my own, Barcelona y The great pretender.

http://rollingstone.es/noticias/i-want-to-break-free-es-la-cancion-de-queen-preferida-por-los-espanoles/

Gira «De amor y desamor»
Teatro Compac Gran Vía de Madrid. 26-XI-2014.

El cantante acabó con un fin de fiesta que incluyó «Escándalo», «Qué sabe nadie» y «El tamborilero»

27 de noviembre de 2014. 00:47h

Enrique Peñas.

Sería ingenuo afirmar que Raphael llega a cada uno de sus conciertos como si fuera la primera vez. El catálogo de gestos aprendidos, la complicidad, las miradas al tendido y las pequeñas historias con que adorna su ina-gotable colección de éxitos hacen que no pueda ser así. Es el paso del tiempo, en suma. Pero a la vez se mantiene una frescura que no por conocida deja de sorprender, alimentada una y otra vez por el entusiasmo al otro lado del escenario, con un público tan diverso como la propia personalidad de un artista capaz de mantenerse en lo más alto desde hace más de cincuenta años al tiempo que es reivindicado por las nuevas generaciones, hasta el punto de convertirse en cabeza de cartel de un festival «indie», como ocurrió este verano en Sonorama.

Con carga dramática

Cumpliendo con su cita anual en Madrid, una de sus plazas más queridas, el de Linares abrió ayer la primera de las veinte noches programadas en la Gran Vía, hasta acabar el 21 de diciembre en vísperas de la Lotería de Navidad. Y ojo, que Raphael no se conforma con la pedrea: siempre busca el gordo, en esta ocasión con un programa que se recrea en el amor y el desamor, tema más que recurrente en su dilatada carrera. El inicio, por aquello de no acomodarse, fue atípico, con la vibrante «Si ha de ser así», aunque pronto ganó carga dramática con «La noche». Fueron tres horas de melodrama musical, con excepciones puntuales para reivindicarse –como si hiciera falta a estas alturas– como «el Raphael de siempre» («Yo sigo siendo aquel»). Desde «Se fue» a «Ámame», y desde «Por una tontería» a «Dile que vuelva», fue un carrusel de enamoramientos, desengaños, rupturas, reencuentros, nostalgias, locuras, dolor de corazón, lágrimas rodando por las mejillas y todo el arsenal romántico disponible para hacer buena la velada. Besos furtivos, como los de «Provocación», y otros descaradamente apasionados; las dos caras del arte de amar desplegado en la noche madrileña.

En este recorrido arrinconó algunas de esas joyas de la corona de las que el propio Raphael suele hablar, especialmente las que tienen un tono más festivo, aunque también hubo tiempo para el arrebato. Tan personaje como intérprete, haciendo el paseíllo de lado a lado, apoyando la mano en la cadera, dejando caer la chaqueta y mirando a su público con una sonrisa agradecida. «Mi gran noche», en el primer tramo del concierto, dio cuenta de esa manera de hacer tan suya, bordeando el exceso, para luego atacar «Despertar al amor», haciéndonos creer que sigue siendo casi un adolescente, cuando su biografía certifica que el pasado mayo cumplió ya 71 años. Incluso en los momentos que a priori se alejaban del romántico guión subrayó las palabras claves: «La gente tiene fe y se enamora», canta en «Digan lo que digan», haciendo que sea una verdad incontestable.

Entre canción y canción, tardó casi media hora en dirigirse al público, para asegurar de nuevo que es «maravilloso estar en casa». Y a renglón seguido añadir lo que sus fieles estaban esperando: «Un año más y todos los que vengan detrás». Porque el tiempo pasa, es obvio, pero la sensación de que a Raphael le queda cuerda para rato es la de siempre. Mediada su actuación, sorprendió con una contenida versión de «Gracias a la vida», a la que siguió «Cuando llora mi guitarra», poco habitual en sus conciertos, manejando un repertorio que se reinventa de forma constante, aunque los minutos más celebrados fueran los de «Hablemos del amor», «Maravilloso corazón» o «En carne viva». También los de interpretación más desgarrada, hasta desembocar en un fin de fiesta que incluyó «Escándalo», «Qué sabe nadie» o, en clave navideña, «El tamborilero», aunque a la postre fue «Cómo yo te amo», el tema que remató una actuación en la que Raphael escribió de nuevo su relato preferido. Una historia de entrega, éxito y, sobre todo, amor.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/8030557/cultura+musica/raphael-dias-de-extasis#.Ttt15E3lrXgKuY0

 Estimados amigos de la Prensa:

Nos dirigimos a vosotros con el fin de presentaros el I Festival de Rock ‘n’ Roll clásico  con motivo de la celebración del  X Aniversario de la Asociación Cultural “Diamantes Musicales” que este año se celebrará el próximo viernes día 5 de diciembre en el Teatro Municipal Concha Espina y que organizaremos conjuntamente con el Ayuntamiento de Torrelavega.

Recordaros que “Diamantes Musicales” nació en la primavera del 2004 como un programa musical de radio de los años 60 y 70 en OIDRADIO. En el participaban activamente: José Oyarbide y Daniel Pérez. Además, colaboraron habitualmente integrantes de los diferentes grupos de entonces, así como  personalidades de los medios de comunicación regional y nacional.

    Poco tiempo después “Diamantes Musicales” se constituyó como Asociación Cultural, y, como tal ha llevado a cabo hasta el momento actual: Ciclos de Cine Musical, conferencias, ha presentado libros escritos por integrantes de la Asociación; conciertos a todo lo largo y ancho de Cantabria: Santander, Torrelavega, San Vicente de la Barquera, Santillana del Mar, Comillas, etc..

“Diamantes Musicales” es una Asociación Cultural sin animo de lucro que se legalizó a través del Registro de Asociaciones de la Consejería de Presidencia, Ordenación del Territorio y Urbanismo del Gobierno de Cantabria.

“Diamantes Musicales” está inscrita con el nº 3594 de la Sección Primera en el Registro de Asociaciones de Cantabria y con C.I.F. G39595459, y, está inscrita en el Registro Municipal de Asociaciones Vecinales con el nº 363.

La Asociación Cultural  “Diamantes Musicales” la fundaron ciudadanos de Cantabria con la intención de difundir la cultura en general abarcando los ámbitos regional y nacional  además del internacional siempre que sea posible.

Para el cumplimiento de estos fines se realizan las siguientes actividades: cine, recitales, exposiciones, conferencias, conciertos, programas de radio y televisión, además de publicaciones.

La Asociación Cultural “Diamantes Musicales” estableció su domicilio social en Torrelavega y el ámbito territorial en el que va a realizar principalmente sus actividades es el de la Comunidad Autónoma de Cantabria.

Con motivo del X Aniversario de Diamantes Musicales,  que organizaremos conjuntamente con el Ayuntamiento, el viernes día 5 de diciembre, el Teatro Municipal Concha Espina de Torrelavega acogerá a las 20.30 horas las actuaciones de la bandas “The Soldan Brothers” (Sevilla), “Sun of Cash” (Cantabria) y “Circulo 3” (Torrelavega).

La entrada llevará incluido el sorteo de un viaje a Bruselas, 4 días para dos personas con avión, hotel y desayuno pagados.

El precio es de 3 euros la entrada. La compra de entradas en Torrelavega: Tiendas de Manuel Muñoz (Pza. Mayor y Mártires);  Cafetería Sajonia (La Llama); Fusión Café (Lasaga Larreta); y “Agencia de Viajes Catam” (Joaquín Cayón).   

BIOS DE LOS GRUPOS

THE SOLDAN BROTHERS

FERNANDO PEREA (Vocalista y Guitarra)

         Nació en Sevilla. Estudió guitarra y solfeo en el Conservatorio Superior de Sevilla. Formó parte de algunos grupos versionando Rolling Stones, Beatles, Elvis y Chuck Berry,  los cuales fueron su verdadera escuela.

 Nando ha sido miembro en numerosos grupos de pop-rock. Señalar su paso por la formación Los Amos del Mundo como guitarrista y compositor, con los que grabó cuatro discos y realizó numerosos conciertos.

 Ha sido guitarrista y vocalista del grupo de soul SoulMama, así como del grupo de afro-reggae Gewell (Senegal), junto al cantante y percusionista senegalés Sidi Samba.

 En su vertiente acústica, destacar Día de Perros,  donde desempeñó labores como vocalista, guitarrista y percusionista, interpretando temas de jazz, rithm&blues, tango, bolero y pop.

 Su interés en los últimos diez años, ha sido el jazz cantado por “crooners” desde los años cuarenta y cincuenta, con Sinatra como modelo a estudiar. Master class de canto con Richard Villalón.

 Lidera tríos y cuartetos en Sevilla: “Go Swing Quartet”, “Nando y Soldán”; en  Madrid: “Cool Swing”, “Nando Perea Quartet”, y en Asturias: “Nando Perea Jazz Band”, creada en Navidades del 2008 hasta el 2012.

Con la vuelta a su tierra natal, Sevilla, retoma sus raíces y primeras influencias de la mano de Soldán Bros, con repertorio Rock´n Roll clásico y potente de los 50, 60 y 70.

JOSE ANTONIO SOLDAN (Bajo)

 Bajista y guitarra.

 Ha formado parte de numerosas bandas tanto de temas propios como de versiones.

Con el grupo Albania  publicó dos LP´s con la discográfica Zafiro, «Dias de sol» 1988  y «Cada paso que des» 1990.                                  .

Posteriormente formó grupos como LOS SHERIFF (versiones de Police); RESTLESS (versiones 70´s); KAYA (Bob Marley); CHILE BLUES BAND y el grupo DOGFACE, en el que retoma la labor de componer temas propios, editando  el CD «The Universe is swingin»1996.

Miembro del grupo SCREAM (versiones Cream).

Señalar su labor de compositor y productor en varios trabajos discográficos para otros artistas, así como en anuncios publicitarios para TV.

EDU CAMACHO (Piano)

Edu Camacho, sevillano, diplomado como profesor de Piano por el Conservatorio Superior de Sevilla.

Tras acabar sus estudios de piano, Eduardo decide proseguir sus estudios de forma autodidacta y encaminándose hacia nuevas armonías como son las de la Bossa Nova y el Jazz.

En esta nueva etapa se va enriqueciendo de estos nuevos ritmos tocando junto a Humberto Lincoln y Ricardo Mateus, proyecto que culmina con la realización del disco “Ricardo Mateus y Planeta Tambor” y su representación en directo por el territorio español.

Simultáneamente comienza un proyecto nuevo dedicado a versiones de la música española de los años 80 formando el grupo Voulezband.

En 2010 se une a la banda Krooked Tree del compositor americano Dan Kaplan con quien graba los siguientes discos: A good Day for Living y The Indescribable Hat.

Compagina las actuaciones en directo con la composición musical para videos de empresas y documentales.

MANNY SOLDAN (Guitarra solista) 

Guitarra solista del grupo THE SOLDAN BROTHERS con una extensa carrera musical.

En el terreno del rock, blues y músicas populares, ha realizado giras y actuaciones con artistas  como PATA NEGRA,  HOOK HERRERA, DIEGO  AMADOR, JOSE MANUEL SOTO, así como actuaciones en programas de radio y televisión.

Ha pertenecido a grupos como RESTLESS, CHILE BLUES BAND, RAGTIME,  con actuaciones a lo largo de toda la geografía española y en diversos lugares de Europa.

 Se inicia en el blues y el jazz de manera autodidacta ampliando más tarde sus conocimientos con  ABDU SALIM y en diversos  seminarios internacionales con profesores como KENNY BURRELL,  CEDAR WALTON,  BILLY HIGGINS, JERRY BERGONZI,  BRUCE FORMAN, RALPH MOORE, MIKE RICHMOND, BEN MONDER.

Su experiencia profesional abarca  en el terreno del jazz  actuaciones en diversos festivales con solistas como  ANTONIO SERRANO,  REINALD COLOM, ANTONIO MESA, MANUEL MACHADO o JESUS LAVILLA  y   grupos como ANGEL DE JESUS  JAZZ Q., MAGGO JAZZ, JUNGLE JAZZ BAND O  BLUE TRAIN, (con estos dos últimos grupos ha participado  en las ediciones de  los años 94, 96, 98, 2000, 2002 y 2009 del Festival Internacional del Jazz  de Sevilla.

También es miembro  de la UNIVERSITARIA  BIG BAND  con la que  ha realizado diversas grabaciones  y participado  en numerosas ediciones  de los festivales  de jazz en las universidades de Sevilla y Málaga,  y en  otros eventos de la comunidad Autónoma  Andaluza, destacando entre ellos su participación en el ciclo de Jazz del Teatro Central de Sevilla  en noviembre de 2002, donde compartió escenario con el quinteto de TOM HARRELL.

Paralelamente  a estas actividades  ha desarrollado sus estudios  de guitarra clásica  en el  Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde obtuvo el título de profesor  de guitarra  en el año 2003.

Como guitarrista clásico  ha trabajado en varios conciertos con la REAL ORQUESTA SINFONICA DE SEVILLA, con la que también ha colaborado tocando guitarra  eléctrica en ciclos de música de cine bajo la batuta de  directores como  ENNIO  MORRICONE  o LEO BROUWER.

MANUEL MONTENEGRO (Batería)

 Se inicia en el mundo de las artes a la edad de 15 años en el conservatorio de Sevilla en la especialidad de percusión.

Se traslada a Barcelona con la idea de ampliar sus conocimientos y es allí donde de la mano del gran maestro uruguayo ALDO CAVIGLIA se adentra en el mundo del jazz y ritmos africanos.

Ha asistido a diferentes masterclass y a seminarios como  los impartidos por  la Universidad  de Sevilla y Cádiz en la especialidad de jazz y música moderna, dominando métodos de batería y caja como:

-Wilcoxon’s: Estudios para Caja

-Syncopation: Ritmos sincopados

-Sitck control (George Lawrence): Técnica de Caja

– FortyRudiments: 40 rudimentos básicos para caja

-Gary chaffe: Batería y patrones rítmicos

-Afrocubandrumset (EnildoRasua): Ritmos afrocubanos para batería

-Afro caribbean & Brazil rhytms for drumset: Ritmos afro y brasileños para bacteria

-4 waycoordination (Marvin dahgren): Ejercicios de coordinación para el desarrollo de la independencia.

-Preparationforsight: Ejercicios de lectura rítmica a primera vista.

 En cuanto a su actividad como músico ha tocado y sigue tocando con grupos de muy diferentes estilos; ATARAXIA (graba LP 1998) Silice (rock experimental con bases electrónicas y proyecciones) JAZZ DIABLO ORGANIZATION (grupo con cuyos miembros de diferentes nacionalidades, tocan clásicos de la música brasileña) SLIM JAZZ QUARTET (formación de jazz con la que estuvo de residente durante 2 años en el mítico club barcelonés Bell Luna y le dio la oportunidad de tocar con músicos como SALVADOR FORNIELLES, CARLOS BARCELO, PAVEL ZAZUETA, SERGIO CONTRERAS, LEANDRO ZAPPINO, MARTI BARBA, DIMITRI SKIDANOV Y JORGE PARDO entre otros).

LOOVERDOSE (grupo catalán con el que gira por Cataluña e Italia).

SCREAM versiones del grupo mítico de rock y blues  ingles liderado por Eric Clapton.

Tres años como profesor de batería y percusión (2009-2011) en la escuela Todomúsica de Sevilla y en la escuela municipal de Valencina de la Concepción (Sevilla).

 SUN OF CASH

              * PHIL GRIJUELA / Voz y guitarra acústica

              * IÑIGO CRESPO “PONY” / Contrabajo

              * RICHIE ÁLVAREZ / Guitarra eléctrica

 “A principios de 2007 tres tipos, dos de ellos músicos y otro que trabaja en una importante agencia nacional de producciones musicales, se reúnen en Santander, Cantabria. El objetivo de dicha reunión es la de formar una banda que rinda tributo/agradecimiento al legado de uno de los Padres del Folk y de la Música de raíces Norte Americana: Johnny Cash. Su estreno tendrá lugar en un importante festival que se celebrará en Santander a finales de Año”.

    Así es como nace SUN OF CASH, es decir, La primera banda-tributo a John R. Cash del Estado.

INICIOS

    Desde su fundación en Santander, donde residen sus miembros, y posterior bautismo de fuego en la 1ª edición del Festival CuVa en Diciembre de 2007 en el Palacio de Festivales de Santander, SUN OF CASH ha ido recogiendo buenas críticas, algunas más que buenas, de los medios y del público. Desde la decana prensa escrita hasta Internet. Desde el entendido en Rock y Country hasta el recién llegado a los sonidos originales de los Estados del Sur. Todos coinciden en que la propuesta de estos reconocidos músicos Montañeses enamorados de la figura del Hombre De Negro aglutina en sus Shows en directo autenticidad, rigor, respeto y diversión al tiempo que contribuyen a una labor didáctica descubriendo el frondoso cancionero y, por ende, talento de uno de los más influyentes creadores del siglo XX.

CONCIERTOS

    Debutan como trío emulando la primera formación de Johnny Cash y sus Tennessee Two. Así es como se dan a conocer en sus primeros conciertos por Santander y Cantabria, Bilbao, Oviedo, Gijón o Zamora. El éxito que van cosechando pronto les trae escenarios más grandes con infraestructuras más.

     Arrancan como tal en el ciclo de conciertos realizado en el Showhall de la Estación Marítima de Santander con un aforo completo. También pasan por la Plaza del ayuntamiento de Reinosa, por la Plaza Porticada de Santander en su Semana Grande ante una audiencia superior a la estimada por los organizadores  y por el –Festival: Vuelven Los 60- en Torrelavega. Aún así siguen ofreciendo conciertos en clubs, al fin y al cabo es algo que llevan haciendo desde que empezaron y es una costumbre que se resisten a perder. A estas alturas el número de conciertos supera el centenar. La agenda siempre está abierta y dispuesta para ir renovándose cada día con nuevas fechas que hagan crecer el anecdotario y el libro de ruta de SUN OF CASH.

REPERTORIO

    SUN OF CASH reviven con avidez los temas que llevan escuchando desde su adolescencia porque esta música forma parte de sus vidas desde siempre.

    El repertorio está basado en los años que JC estuvo ligado a la discográfica de Memphis SUN RECORDS COMPANY, la primera época de Cash. Si bien cada canción cuenta con arreglos originales de SUN OF CASH, en ningún caso se pierde el sonido original y la intención o espíritu primigenio. Temas como FOLSOM PRISON BLUES, CRY,CRY, CRY, BIG RIVER, WALK THE LINE o COUNTRY BOY.

    No obstante hay obras del autor en sus posteriores épocas que no pueden ser obviadas. Desde los últimos 60’s hasta sus últimas joyas de los ’90 en los míticos American Recordings. MAN IN BLACK, GHOSTS RIDERS IN THE SKY, RING OF FIRE o HURT se mezclan con las antiguas glorias creando una dinámica difícil de no ser disfrutada durante todo el Show trayendo al frente todas las facetas del repertorio que fluctúan desde el Folk pasando por el Country y explotando con el Rock & Roll

EPÍLOGO

    Así son SUN OF CASH. Dispuestos y preparados para descargar todo su repertorio en el escenario que les requiera y convencidos de que las canciones de Johnny Cash son eternas e imprescindibles.

     Saludos y un fuerte abrazo de parte de la primera banda-tributo a Johnny Cash del Estado, SUN OF CASH -the Johnny´s music-

CÍRCULO 3

   Círculo 3  nació en Torrelavega a comienzos del año 1996 cuando se vuelven a reunir  Guillermo Lamsfus (Mito) y  Luis del Río. Después de recordar viejos tiempos, sopesan  el volver a tocar la música de los años 60 y 70 que tocaban  en el grupo ANTOLOGIA.

Contactan con Javier Alonso, que ya les había acompañado algunas veces en aquellos años  tocando la batería. Así que compran las guitarras y los amplificadores y con una batería prestada, hacen su presentación el día 19 de julio de 1996 en el Círculo de Recreo de Torrelavega.

 De ahí les vino el nombre de Círculo 3 por ser donde hicieron la primera actuación y el número de integrantes, 3: Luis a la guitarra solista, Guillermo a la guitarra rítmica y Javier a la batería.

Empezaron con un repertorio de temas instrumentales de los Shadows, los Relámpagos, los Pekenikes, Santana, etc…

En octubre del mismo año animaron a entrar en el grupo a Ángel Peña, que ya había tocado en los años 60 con los Duendes. No tuvieron que insistirle  mucho, se hicieron  de un bajo y un amplificador y la primera actuación, siendo cuatro, fue en día 23 de noviembre de 1996 en la discoteca Royal Palace de Torrelavega.

Javier deja el grupo en los primeros días del año 2000 porque  se volvían a  juntar los Expresión, grupo del que fue componente, entrando a la batería Roberto Pérez-Rubín.

A principios  del año 2008, Roberto disponía de menos tiempo para ensayar y hacer actuaciones así que lo dejó, entrando a la batería Juan  González, que ya había llegado a tocar con Guillermo y Luis en el grupo Antología en 1972.

Con esta formación: Luis del Río (guitarra solista y voz), Guillermo Lamsfus (guitarra rítmica y coros), Ángel Peña (bajo y coros) y Juan González  (batería y coros) están tocando desde mayo de 2008 y esperan tener una gran estabilidad y larga vida.

El artista, conocido sobre todo por el éxito «What becomes of the broken hearted», ha fallecido a los 78 años en Las Vegas

ABC – Jimmy Ruffin, en una imagen de sus comienzos

ABC.ESabc_cultura / MADRID
Día 20/11/2014 – 13.01h

El cantante estadounidense Jimmy Ruffin (1936-2014) ha fallecido a los 78 años en su domicilio de Las Vegas, según ha confirmado su familia.

Ruffin, hermano mayor de David Ruffin -The Temptations-, comenzó su trayectoria musical en la década de los 60, época en la que grabó para el mítico sello Motown. Se convirtió en estrella (y toda una leyenda) gracias a su éxito «What becomes of the broken hearted», lanzado en 1966.

A lo largo de su trayectoria, Ruffin grabó una decena de discos con los que se consolidó como artista, más en Reino Unido que en su Estado Unidos natal.

http://www.abc.es/cultura/musica/20141120/abci-jimmy-ruffin-motown-201411201243.html

La Asociación Cultural Diamantes Musicales, en coordinación con la Concejalía de Cultura y Educación del Ayuntamiento de Torrelavega, al inicio del Curso Académico ha retomado el Ciclo de Conferencias “Una introducción al ROCK para estudiantes” en los Institutos y Colegios de nuestra Ciudad.

Han comenzado por el Instituto Besaya y posteriormente las harán en el Miguel Herrero, continuando por los demás centros educativos.

LOS OBJETIVOS
Acercar a los jóvenes del Segundo ciclo de la ESO y Bachiller, de una manera amena y participativa, un movimiento artístico, cultural y social que ha cambiado el mundo, avanzando más allá de la anécdota y profundizando bajo la frivolidad o la inmediatez de las listas de éxitos para intentar comprender las claves que lo hicieron que el rock trascendiera en el tiempo, el espacio y las culturas. Todo ello, por supuesto, sin obviar la música y los artistas que la hicieron posible.

EL FORMATO
Esta introducción al rock se plantea en charlas de 60 minutos de duración cada una, en las que los alumnos pueden participar y que contaran con apoyo audiovisual de imágenes y sonidos de los temas, artistas y momentos más representativos y trascendentes.

Tanto la duración de las charlas, como su formato y horario se está adaptando a la conveniencia y particularidades de cada centro.
La dirección de las charlas corre a cargo del Periodista Manuel Teira Cobo, cofundador de Diamantes Musicales, coleccionista de discos y autor de varios libros, entre los cuales se encuentra “El garaje de Baretta”, una reflexión en forma de novela de la importancia que tuvo la música moderna en la Transición española. Manuel Teira, inicio sus colaboraciones musicales en radio cuando apenas contaba con 14 años de edad, en el recordado programa “Viaje Sónico” de Radio Torrelavega. Desde entonces ha dirigido y presentado varios programas de Rock tanto en Radio Cadena Española como en Radio Nacional de España. Además de haber sido Gabinete de Prensa en el Festival Internacional de Santander, Manuel Teira fue director del proyecto de Disco Libro Historia del Pop Rock en Cantabria, editado por el Gobierno Regional

CAPITULOS
1. De Rodrigo de Triana a Alan Fredd.
Casi 500 años de evolución y complementación interracial que han de generar un acontecimiento cultural y artístico único. Esto es Rock and Roll.

2. La invasión británica. Cuando el Rock se hizo pop. El fenómeno Fan. Tamla Motown. Y en España… ¿Qué?
El Rock rompe fronteras y deja de ser marginal. Los grupos ingleses dejan de ser alumnos para convertirse en maestros aventajados que arrasan entre los jóvenes de todo Occidente. Mientras la esencia de la música negra permanece como bandera de un movimiento racial ya reivindicativo. En España el Rock se debate entre lo meloso y una libertad que viene con acento anglosajón.

3. La Psicodelia. El inicio de la trascendencia. Vietnam. Woodstock.
El Rock se hace mayor de edad. Las canciones de 2 minutos ya no son suficientes y el amor adolescente ya no puede ser el referente de unas letras que ansían cambiar el mundo. El compromiso como bandera. Woodstock un mito por encima de lo musical.

4. Las nuevas rutas. Glam Rock. Hard y Heavy. Sinfonico y progresivo. Fusión. Folk Rock. Y en España… ¿Qué?.
Los riesgos de la psicodelia y el éxito musical disparan las posibilidades del Rock, que ahora cada cual utiliza según su criterio. Nacen las grandes tribus que multiplican un panorama hasta ahora exclusivo de mods, roquers y hippies. Ya todo vale, pero el nivel es altísimo. En España el rock es asunto de progres y se convierte en instrumento de la oposición al Régimen.

5. La Crisis del 73. Hasta aquí hemos llegado. El Punk. Y después… New Wave, Neo románticos, siniestros… Y en España… la Movida.
La gran crisis del petróleo de 1973 da un golpe a la industria discográfica que finiquita con las esperanzas de muchos grupos pequeños y medianos. Es la era de los dinosaurios. El punk surge como gran revulsivo, aunque su propio ideario le hace imposible perdurar. Nuevos movimientos nacen aunque ya con la industria como gran referente. España, tras la dictadura, vive un momento de efervescencia sin precedentes.

6. Presencia e influencia del Rock en otras artes. Rock y política. Rock y sociedad. Rock y drogas. Rock y cine, y, en el mundo, ahora,… ¿Qué?
La sombra del rock ha sido alargada durante estos años y su influencia prácticamente absoluta en casi todos los ámbitos de la sociedad, incluida la religión. Sin embargo, ha muerto el Rock?.

El próximo 28 de noviembre se publicarán dos LPs de grabaciones de estudio instrumentales y desconocidas del músico en una nueva colección oficial

Por Rolling Stone – 12 de noviembre de 2014

Dos LPs de grabaciones de estudio instrumentales desconocidas de Jimi Hendrix estarán disponibles como una nueva “colección oficial” llamada Hear my music, y saldrán a la venta el próximo 28 de noviembre como parte del evento “Black friday”. La colección incluye “exploraciones creativas” del guitarrista que, según el sello que lo publica, grabó durante la primera mitad de 1969 como demos y jams de improvisación en grupo con Jimi Hendrix Experience.

Entre las 11 canciones hay dos versiones de Valleys of neptune, incluida una en la que Hendrix hace un solo con su guitarra eléctrica y otra en la que se luce al piano, y versiones inéditas de Drone blue y Jimi/Jimmy jami, las cuales se publicaron en el ahora agotado Nine to the universe de 1980.

El doble álbum, que ha sido producido por la hermana de Hendrix, Janie Hendrix, junto al ingeniero de sonido Eddie Kramer y el experto en Hendrix John McDermott, se editará en vinilo de 200 gramos. Saldrá en Dagger Records, el sello con el que se ha publicado la colección Experience Hendrix LLC.

Por otro lado, los lanzamientos póstumos The Cry of love y Rainbow bridge, que salieron en 1971, se han vuelto a publicar este año remasterizados en CD, LP y digital. Supone la primera vez en la que el segundo se edita en formato de CD oficial.

A continuación puedes leer el tracklist de Hear My Music:

Cara A

“Slow Version”
“Drone Blues”
“Blues Jam at Olympic”

Cara B

“Jimi”/”Jimmy Jam”

Cara C

“Ezy Ryder”/”Star-Spangled Banner”
“Trash Man”

Cara D

“Jam 292″
“Message to Love”
“Gypsy Blood”
“Valleys of Neptune [Guitar]”
“Valleys of Neptune [Piano]“

http://rollingstone.es/noticias/las-exploraciones-creativas-de-jimi-hendrix-de-1969-ahora-en-vinilo/

«Keith y George pensaron que sería fantástico. Pero Paul y Mick se negaron absolutamente»

Bob Dylan por John Cohen/Getty

Glyn Johns es uno de los productores e ingenieros más envidiados de la música popular de nuestro tiempo, gracias a sus trabajos con The Rolling Stones (Beggars Banquet, Sticky Fingers, Let It Bleed), The Beatles (Let It Be, Abbey Road), The Who (Who’s Next, Quadrophenia, The Who By Numbers), The Band (Stage Fright), Neil Young (Harvest), Eagles (Desperado, On the Border), The Clash (Combat Rock) y muchos otros.

Anécdotas de todo tipo, por tanto, están recogidas en su nuevo libro, Sound Man, que verá la luz el 13 de noviembre, y en el que Glyn Johns relata cómo Bob Dylan le contó que quería trabajar con The Beatles y The Rolling Stones, y le pidió que hiciera algunas llamadas para tantear la posibilidad.

“Me contó que su idea era hacer un disco con los Beatles y los Stones. Y me preguntó si podría enterarme de si estarían interesados. ¿Puedes imaginar a las tres grandes influencias de la música popular de aquella década haciendo un disco juntas?”, rememora Johns a partir de un encuentro con Dylan en el aeropuerto de Nueva York en 1969.

El propio Johns comenzó a hacer llamadas: “Keith Richards y George Harrison pensaron que sería fantástico, pues eran grandes fans de Dylan. Ringo, Charlie y Bill Wyman se mostraron receptivos. John Lennon no dijo un no rotundo, pero no estaba interesado. Paul McCartney y Mick Jagger se negaron absolutamente”.

El proyecto que nunca llegó a ser tal tampoco tuvo oportunidad de ir a más. “Podríamos haber elegido el mejor material de Mick y Keith, Paul y John, Bob y George, y después seleccionar la mejor sección rítmica de ambas bandas en función de las necesidades de cada canción. Habría dado cualquier cosa por tener una oportunidad”, sentencia Glyn Johns.

http://rollingstone.es/noticias/bob-dylan-quiso-grabar-con-beatles-y-rolling-stones-pero-mick-y-paul-rechazaron-la-idea/#header_login