«Eres la primera razón en la Tierra para mi existencia», dice el icono del country en la misiva votada como la más romántica por los ingleses en una encuesta.

Johnny Cash y June Carter en 1979. FOTO: Cordon Press

Por D.G.L. – 14 de febrero de 2015

Puede que la idea de mandar una carta de amor a la persona querida esté pasado de moda ‘por culpa’ de los emails, los smartphones y demás avances tecnológicos, pero una carta enviada en 1994 por Johnny Cash a su idolatrada esposa June Carter bien podría hacer que las viejas costumbres olvidadas volvieran a la actualidad.

Y es que una encuesta en el Reino Unido ha determinado que dicha misiva en cuestión escrita por la leyenda del country con motivo del 65 cumpleaños de June, es la más romántica de todos los tiempos (así, sin reservas y sin más discusión, sin leer, lógicamente, las millones de cartas anónimas escritas a lo largo de los años).

“Todavía me fascinas y me inspiras. Me influyes para ser mejor. Eres el objeto de mi deseo, la primera razón en la Tierra para mi existencia”, escribió él pensando en la que fue su esposa desde 1968 hasta su muerte en mayo de 2003… Cash falleció apenas cuatro meses después.

Y prosigue él: “Envejecemos y nos acostumbramos el uno al otro. Pensamos que nos gusta. Leemos nuestras mentes. Sabemos lo que el otro quiere sin preguntar. A veces nos enfadamos un poco. Quizás en ocasiones damos al otro por seguro. Pero de vez en cuando, como hoy, reflexiono y me doy cuenta de lo afortunado que soy por compartir mi vida con la mujer más grandiosa que jamás he conocido”.

Las apasionadas palabras de Johnny han emocionado más a los participantes en la encuesta que las de otros como Winston Churchill, el poeta John Keats, Jimi Hendrix, Richard Burton y Elizabeth Taylor, el político Gerald Ford, Beethoven e incluso el Rey Enrique VIII a su segunda esposa, Ana Bolena (que terminaría siendo decapitada).

Dicha encuesta fue encargada por la compañía de seguros inglesa Beagle Street, en un esfuerzo por animar a los británicos a ser más románticos en San Valentín. Los resultados de la consulta también revelan que el 38 por ciento de las mujeres inglesas nunca han recibido una carta de amor, y que el 24 por ciento de los hombres aseguran haber mandado una durante el pasado año.

A continuación vemos a Johnny Cash y June Carter en los buenos tiempos, por los que siempre serán recordados:

http://rollingstone.es/noticias/una-carta-de-johnny-cash-june-carter-la-mas-romantica-jamas-escrita/

La banda británica estará en el Barclaycard Center de Madrid el 6 de noviembre, y al día siguiente en el Palau Sant Jordi de Barcelona

abc – Supertramp en una imagen de 2010

abc.es / madrid
Día 14/02/2015 – 13.33h

La legendaria banda británica estará el 6 de noviembre en el Barclaycard Center de Madrid y al día siguiente en el Palau Sant Jordi de Barcelona con la gira «Supertramp Forever Tour», según ha anunciado la promotora Live Nation.

Al frente de la a formación está Rick Davies, miembro fundador del grupo, al igual que el saxofonista John Anthony Helliwell y el batería Bob Siebenberg. También regresa uno de sus más antiguos miembros, el multiinstrumentista Mark Hart. Junto a ellos estarán los músicos que han acompañado a la formación en sus últimos años.

La gira de Supertramp comenzará el 3 de noviembre en Oporto, y tras su paso por España continuará su periplo por Francia, Alemania, Austria, Suiza, Italia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo e Inglaterra.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150214/abci-supertramp-concierto-madrid-barcelona-201502141251.html

El músico celebra con sus amigos el medio siglo de su carrera

Ana Belén y Víctor Manuel, este viernes en el concierto 50 aniversario del cantante. / samuel sánchez

Juan Cruz Madrid 14 FEB 2015 – 09:55 CET

Un murmullo civilizado llenó anoche la espera del público que aguardaba en el Palacio de Deportes de Madrid a Víctor Manuel, que nació en 1947, lleva medio siglo cantando y componiendo y es uno de los estandartes de la canción de protesta y melancolía cuyas letras se saben de memoria varias generaciones de españoles. Por eso acudieron los seguidores de su generación, sus hijos que ahora son padres y los nietos que toman el testigo.

Fue el nieto de un minero, descendiente de republicanos asturianos asaltados por la injusticia de la guerra y fue saludado con aire de fiesta por gente que le sigue desde su propia juventud y que ahora son abuelos como él.

Víctor Manuel está en forma. Evocó a su familia, a su pariente fusilado al amanecer, como miles de fusilados que siguen en las cunetas sin que una democracia a la que no supo ponerle nombre no ha tenido aún la decencia de enterrar como Dios manda.

En persona, Víctor Manuel habla como si pidiera permiso para estar, pero desde su primera canción (Danza de San Juan “la fiesta va a empezar”), el nieto del Abuelo Vítor dijo aquí estoy, con un vozarrón que era una hoguera.

En ese espacio que lo junta con la infancia y la fiesta, el Víctor Manuel más asturiano rompió los metales melancólicos de sus seguidores y consiguió que los 15.000 que abarrotaban el Palacio de Deportes parecieran un coro asturiano, ayudados por las gaitas de Cuélebre.

Estaba alegre, vestido de negro y blanco como para salir de romería; el amor mueve montañas, cantó, y él lo entonó como un campesino perdido en la playa. “Esta noche tan especial”, explicó al auditorio, para añadir: “Soy de Mieres del Camino, nací junto a la vía del tren, así que toda mi vida, toda mi vida, he visto pasar trenes”.

No fue tan solo el recital del medio siglo: fue una autobiografía en la que Víctor Manuel detuvo el tiempo, se lo metió en un zurrón y apareció con la energía de aquel muchacho que hace 50 años desafió el franquismo cantando, en El cobarde, contra la maldad de la guerra.

Fue ayudado por su gente (Ana Belén, David San José, Marina San José), por su generación (Pablo Milanés, Joaquín Sabina, Serrat, Rosendo, Aute), por los nuevos que cantan sus canciones o han compuesto para él (Pedro Guerra, Andrés Suárez, Silvia Pérez Cruz, Sole Jiménez, Rozalén e incluso trajo al escenario al polifacético Millán Salcedo y también al flamenco Miguel Poveda).

La Puerta de Alcalá y Asturias fueron el colofón de un concierto en el que no faltó el homenaje a Pilar, que así se llama Ana Belén: “Ella es la soledad, es un volcán”. Cuando tuvo en el escenario a Silvia Pérez Cruz, el Víctor Manuel reivindicativo habló de ella como “una joya, uno de esos milagros que le nacen a la música a pesar del 21% y de la madre que los parió”. Ana Belén fue el objeto de sus homenajes, sus hijos fueron referencia sentimental, su abuelo fue protagonista de su melancolía, y también de su rabia. Cantó contra el olvido y la humillación, y en este concierto del medio siglo evocó, con una solemnidad que quebró su voz y desató los aplausos, “contra los años de plomo y los curas con pistola” que ayudaron a la dictadura a llenar de oprobio las cunetas de España. La canción que sintetizó esa protesta es Cómo voy a olvidarme, que siguió a El hijo del ferroviario. Cumplió así, con su autobiografía, el medio siglo que le distancia del muchacho que veía pasar trenes en Mieres del Camino.

http://cultura.elpais.com/cultura/2015/02/14/actualidad/1423904154_511240.html

El mito lo consigue por octava vez con las versiones de las canciones de Frank Sinatra

EFE – Dylan, en el concierto de Benicassim hace tres años

JOSÉ MANUEL CUÉLLAR / MADRID
Día 11/02/2015 – 09.19h

Bob Dylan ya es el número uno en la lista de discos más vendidos en el Reino Unido. Lo ha conseguido con su controvertido disco de versiones de Frank Sinatra «Shadows in the Night», es número uno en la lista de álbumes más vendidos en el Reino Unido. Esta es la octava ocasión en que Dylan se sitúa en lo más alto de esta lista británica; la primera vez lo consiguió hace 51 años con «Freewheelin Bob Dylan». En 2009, tras 39 años sin lograrlo, fue de nuevo número uno en el Reino Unido con «Together Through Life».

El disco, que había sido muy esperado por la crítica y aficionados en general, tuvo una excelente críticas en el Estados Unidos e Inglaterra. Doublas Heselgrave, de la revista «Paste», comentó que «cada canción de «Shadows in the Night» expresa un nivel de madurez vocal e intuición que nunca antes había alcanzado». Por su parte, David Fricke, de «Rolling Stone», describió el álbum como «calladamente provocativo y convincente». Todos los críticos coincidieron que a sus 73 años Dylan mantiene una voz como en sus mejores tiempos, más templada y serena que nunca.

El músico comentó que las canciones fueron grabadas en «una o dos tomas, sin sobregrabaciones, sin cabinas donde grabar la voz, sin auriculares, sin separación de pistas, y en su mayor parte, se ha realizado la mezcla mientras se grababa». El mito agigante su leyenda.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150210/abci-dylan-numero-reino-unido-201502101946.html

El cantante francés, con más de cincuenta discos publicados en su carrera, sigue en activo a sus 90 años

INÉS BAUCELLS – Charles Aznavour

EP / MADRID
Día 05/02/2015

El artista francés Charles Aznavour, embajador de la canción francesa, actuará en Madrid el próximo 7 de mayo en el Barclaycard Center. El artista, a punto de cumplir 91 años, viajará a la capital española para ofrecer un concierto para interpretar sobre el escenario algunas de sus canciones más conocidas, entre las que no faltarán títulos como «Sur ma vie a», «La Boheme», «La Mamma», «Venecia sin ti» o «Isabelle».

El artista, de origen armenio, empezó su carrera musical a los nueve años, lo que le obligó a dejar la escuela. Durante su trayectoria ha publicado más de cincuenta discos y ha vendido millones de copias. Asimismo, ha realizado duetos con artistas de la talla de Liza Minnelli, Compay Segundo, Elton John Sinatra, Paul Anka, Céline Dion, Carole King, Plácido Domingo, Raphael, Julio Iglesias o Laura Pausini, y ha compuesto canciones para nombres como Mistinguett, Patachou, Edith Piaf o Juliette Gréco.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150205/abci-aznavour-concierto-madrid-201502051345.html

Tenía 68 años

EL MUNDO Madrid
26/01/2015

El cantante griego Demis Roussos ha fallecido en Atenas a los 68 años. Los admiradores de la canción melódica de los 70 y los partidarios de la dignidad del kitsch mediterráneo pueden dar un suspiro de melancolía y evocar aquello de «la voz de tercieopelo».

Los que no vivieron aquella época, en cambio, tratarán de separar la imagen de Roussos de la de Georges Moustaki. De alguna manera, la confusión es una equivocación imperdonable, pero, al mismo tiempo, puede servir para explicar a Roussos. Demis, como Georges, nació en la legendaria Alejandría (12 años después y con el nombre de Artemios Ventouris Roussos) en una familia griega que volvió a ‘casa’ cuando la revolución de Nasser.

Y entonces, otra coincidencia: París. Si Moustaki se había dirigido Francia obsesionado por y la ‘chanson’, Roussos también cogió el vuelo del Aeropuerto de Orly para ponerse bajo el manto de Vangelis. El compositor griego formó una banda llamada Aphrodite’s Child en la onda del rock progresivo y le entregó el bajo a Roussos. Después, alguien descubrió que el chico era capaz de cantar pop con una voz atenorada que, de alguna manera, marcaba el camino hacia el glam rock.

Y en esa rodada, todo fue una locura: Demis Roussos construyó una imagen inolvidable: al borde de la obesidad pero muy sexy, maquillado pero absolutamente viril, casi calvo pero melenudo, vestido con túnicas y zapatos de tacón cubano… Muy afeminado y muy heterosexual al mismo tiempo.

Para 1973, Roussos ya era una estrella del pop en toda Europa. No la más preciada por los intelectuales pero, ¿qué más daba eso? ‘Forever and ever’, ‘Goodbye my love, Goodbye’, ‘Lovely lady of Arcadia’… Y sobre todo, Velvet mornings (‘Triki, triki, mon amour’). La fórmula también era una locura: un poco de disco, un poco de pintoresquismo griego, un poco de canción melódica italiana, un poco de ‘glam rock’… Es difícil no sonreír al pensarlo.

Después, cambió el momento, Roussos perdió la tecla y su figura se convirtió en una pieza de porcelana que el mundo miraba con no demasiado interés. Si, bueno, pero se lo debió de pasar bien en su momento.

http://www.elmundo.es/cultura/2015/01/26/54c628fde2704e3b128b457c.html

La mística del soul: Booker T. Jones

Otra noche de leyenda se aproxima. Escucharemos ese legendario sonido que tanto ha dado que hablar.

El inmortal Hammond de una de las leyendas del soul. Booker T. Jones, para descorchar el año con una velada de leyenda. Lo instrumental cogerá vuelo. Los ritmos imparables dominarán sala. Una poderosa y absorbente visón instrumental del género soul. La musa dice que está con él.

El músico de la factoría Stax que como multiinstrumentista, compositor, productor y arreglista acompaño a luminarias de la talla de R. Charles, Otis Reddin, Sam&Dave o Eddie Floyd entre otros. Fundador, órgano y piano de la banda de soul, R&B y funk, Booker T. & the MG’S, formada a comienzos de los 60 y compuesta por Steve Cropper (guitarra), Lewi Steinberg (bajo) y Al Jackson (batería). En 1992, Jones entra a formar parte de The Rock and Roll Hall Of Fame, en 2004 la revista Rolling Stones le posicionó en el puesto 93 dentro de los 100 mejores artistas de todos los tiempos, en el 2007 recibe el Grammy Liftime Achievement Award y es incluido en el Musiciens Hall Of Fame and Musseum de Nashville. En 2009 lanza el disco, “Potato Hole”, grabado con los Drive By Truckers, álbum que el 31 de enero de 2010, obtiene el premio al Mejor Álbum Instrumental, en la 52 edición de los Premios Grammy. El 12 de febrero de 2012, su álbum “The Road From Memphis” gana también el premio al Mejor Álbum Instrumental Pop, en los 54 Premios Grammy. En el album colaboran Lou Reed, Jim James (My Morning Jacket), Sharon Jones y Matt Berringer (The National). Jones tiene un total de 4 premios Grammy.

En junio de 2013, Jones lanzó su décimo y último disco hasta el momento, “Sound The Alarm” para el sello de toda su vida, Stax Records y actualmente gira con su banda Booker T. and Band.

Una gloriosa resurrección, la mística del soul.

Fecha: 24 de enero de 2015
Hora: 20:00 horas

Precio entradas: 26€
Descuento: 20% descuento con tarjetas Kutxabank (2 entradas por tarjeta)

Compra de entradas:
Sala BBK
Cajeros multiservicio BBK
Web de Venta de entradas

http://www.salabbk.es/archives/11243

El músico irlandés actuará el próximo lunes en el Liceo de Barcelona

Inés Baucells – Van Morrison en su actuación de 2013 en Barcelona

David Morán / Barcelona
Día 16/01/2015 – 01.08h

Nunca ha sido Van Morrison un artista al que le haya costado demasiado hacer las maletas y lanzarse a la carretera. Como Bob Dylan, el astro irlandés es un animal de escenario, un músico de la vieja escuela que vive de (y, por qué no, también para) hacer caja cada vez que se apagan los focos y empiezan a sonar los primeros acordes.

Quizá por eso «el León de Belfast» no escatima en rugidos y no le hace ascos a casi ninguna actuación, ya sea en el Festival de Montreux, en el Royal Albert Hall londinense o en esos lujosos resorts vacacionales ingleses e irlandeses donde se dejará ver próximamente a razón de 300 libras la entrada. Y quizá por eso también va camino de convertir sus actuaciones invernales en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona en una suerte de tradición anual. Por allí pasó en diciembre de 2013 acompañado de su hija Shana Morrison, y al mismo escenario regresa este lunes para recoger el testigo de Woody Allen en el recién nacido Suite Festival.

Una nueva visita del autor de «Astral Weeks» que coincide con un nuevo capítulo en su turbulento y problemático historial discográfico. Y es que, una década después de fichar por Blue Note, sello «adulto» que le permitió escabullirse de esas multinacionales de pop que, como él mismo aseguró en su día, nunca supieron qué hacer con su música, Van Morrison acaba de fichar por RCA, discográfica en la que publicará en los próximos meses su 35 trabajo de estudio.

Se trata nada menos que del octavo cambio de camisa de un artista que, con los años, ha aprendido a vivir y a sobrevivir de espaldas a la industria haciendo bandera de su proverbial mala uva. Así, casi cinco décadas después de estrenarse con «Blowin’ Your Mind!» y a pocos meses de cumplir 70 años, el irlandés no tiene reparos en tachar de ladrones a los responsables de la frondosa reedición de «Moondance» publicada en 2013, sigue vetando la presencia de sus novedades discográficas en plataformas como Spotify e incluso desliza mensajes nada subliminales en algunos de sus títulos más recientes.

«Sartre dijo que el infierno son los otros, yo creo que la mayoría lo son», asegura en «Going Down To Monte Carlo», canción del que hasta ahora es su último disco, «Born To Sing (No Plan B)» y enésima prueba de que, pese a que sus discos ya no armen el mismo revuelo comercial que en los setenta o en los ochenta, aún es capaz de manejarse con elegancia y enorme inspiración a través del jazz, el soul y el folk de inspiración celta.

Ingredientes todos ellos que, por más años que pasen, sigue combinando como nadie en su portentosa garganta. De hecho, quienes acudan el lunes al Liceo lo harán con la esperanza de que el autor de «Into The Mystic» vuelva a firmar otra noche memorable y exquisita. Otra noche que, a pesar de su consabido mal genio y de ese reloj digital con pinta de taxímetro a la inversa que utiliza para salir pintando, devuelva la magia al Gran Teatro.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150116/abci-morrison-concierto-barcelona-201501152226.html

La cantante actuará en Pamplona, Bilbao, Barcelona, Madrid, Gijón y Santiago de Compostela en su gira «An Evening with Joan Baez»

ÁNGEL DE ANTONIO – Joan Baez durante un concierto en Madrid en 2010

ÁLVARO ALONSO – Día 11/01/2015 – 16.12h
Ayer, 9 de enero, cumplía Joan Baez 74 años. Una vida de largo recorrido la de aquella niña de Staten Island que debutó en el Festival folk de Newport en 1959 y que de la mano de Bob Dylan llegó a emocionar al mundo como pocas cantantes lo han hecho.

Este 2015 va a ser el año que veamos en los escenarios españoles a Joan Baez dentro de su gira «An Evening with Joan Baez» que la llevará a recorrer los teatros y palacios de festivales de España a partir del 15 de marzo en Pamplona, para luego seguir en Bilbao, Barcelona, Madrid, Gijón y, finalmente, Santiago de Compostela el 28 de marzo.

Joan Baez, la cantautora más importante del siglo XX, encoge el corazón como pocas artistas lo consiguen, tal vez si acaso Cecilia (Evangelina Sobredo), con quien comparte un claro aire de familia, por su coherencia y su honestidad inquebrantable.

Son canciones como «Donna Donna», auténticas magdalenas de Proust, incrustadas en la memoria colectiva.

Con los años hemos ido apreciando cada vez más el valor de artistas como Joan Baez, ejemplos de coherencia entre el decir y el hacer, donde el compromiso, más allá de ir en defensa de las grandes palabras, como la justicia, la igualdad o la libertad, se vuelcan en un compromiso con uno mismo.

Joan Baez ha dedicado su vida a narrar las injusticias, los abusos del poder, sus contradicciones, al tiempo que lanzaba un mensaje de amor a los demás, aquella proclama de fraternidad que hoy parece haber quedado solo en un eslogan en papel mojado que alguien escribió en 1789.

Pero el amor de Joan Baez es, sobre todo, amor a la vida, esa a la que hay que dar las gracias porque «nos ha dado tanto». Lejos de los focos y las cámaras desde hace muchas décadas, parce que han pasado mil años, y tal vez por ello, su imagen se mantiene incólume, igual de cercana que en Newport, aunque reflejos plateados cubran sus sienes, como van cubriendo las de todos.

Hoy el mundo es mucho más complejo, más grande y terrible, y las sociedades del siglo XXI han mostrado también sus contradicciones, sus abusos, sus injusticias, temerosos de soliviantar al gigante dormido del cuento.

Es por ello que Joan Baez, a sus 74 años, se presente de nuevo entre nosotros no como un lugar sin más para la nostalgia, sino, quien sabe, tal vez como una nueva oportunidad.

Discografía selecta

En 1974 Joan Baez publicaba «Gracias a la vida», un álbum de canciones dedicadas a apoyar al pueblo chileno íntegramente cantado en español, con canciones como la que da título, de Violeta Parra, y otras como «La llorona» que hiciera popular Chavela Vargas para RCA Victor en 1967, «Te recuerdo Amanda» de Víctor Jara o «Cucurrucucú, Paloma», de T. Méndez.

Unos años antes, en 1968, Joan Baez se traslada a Nashville para grabar en unas maratonianas sesiones Any Day Now, un amplio repertorio de canciones de Bob Dylan, entre ellas seis canciones inéditas que el propio Dylan le regala a su musa más incondicional, como «Love is just a four letter word».

También en Nashville, pero en 1965, Joan se embarca en una de sus legendarias grabaciones con un combo formado por solo mujeres, Nicole, Andrea, Elizabeth y Lisa. El resultado fue Farewell, Angelina, con cuatro temas de Dylan entre lo más destacado, además de interpretar «Colors» de Donovan y otras de Léo Ferré, Woody Guthrie y Pete Seeger.

Por supuesto la discografía de Joan Baez debe incluir sus dos primeros álbumes en vivo de 1962: «In Concert». En el primero de ellos se encuentra «Babe IŽm gonna leave you», una canción que llamó la atención de Jimmi Page y Robert Plant y que Led Zeppelin incluiría en su primer y aclamado elepé.

Y en este «viaje a la semilla», que diría Alejo Carpentier, finalizar con el EP editado en España por Hispavox (1964) que incluía cuatro gloriosas canciones, las dos primeras del Joan Baez, el primer disco homónimo, la obra maestra de Joan Baez para Vanguard de 1960 y su pistoletazo de salida: «The House of Rising Sun», «Donna Donna» y «DonŽt Thing Twice, ItŽs All Right» y «We Shall Over Come». Arrancaba a fraguarse una leyenda que cuenta en su haber con más de 45 discos publicados.

http://www.abc.es/cultura/musica/20150110/abci-joan-baez-201501101722.html

Calendario de conciertos:

Domingo, 15 de marzo, apertura de puertas: 18.30h / Joan Baez: 19.00h
PAMPLONA Baluarte
Precios: 25€ o 35€, dependiendo de localidad. Puntos de venta: www.baluarte.com, 902 15 00 25, taquillas Baluarte.

Martes, 17 de marzo, apertura de puertas: 19.15h / Joan Baez: 20.00h
BILBAO Palacio Euskalduna (Auditorium)
Precios: 35€ / 45€ / 50€ / 58€ + gastos, dependiendo de localidad Venta: Red Kutxabank (web y cajeros multiservicio).

Jueves 19 y viernes 20 de marzo, apertura de puertas: 20.30h / Joan Baez: 21.00h
BARCELONA Palau de la Música ‘Festival del Mil·Leni’
Precios: entre 18€ y 72€, dependiendo de localidad.

Lunes, 23 de marzo, apertura de puertas: 19.30h / Joan Baez: 20.30h
MADRID Teatro Nuevo Apolo
Precios: 35€ / 45€ / 50€ / 58€ + gastos, dependiendo de localidad Venta: Red Ticketmaster, www.ltinews.net, 902 15 00 25, FNAC, Carrefour, oficinas Halcón Viajes, www.entradas.com

Viernes, 27 de marzo, apertura de puertas: 20.00h / Joan Baez: 20.30h
GIJÓN Teatro de la Laboral
Precio: 25€
Venta: Recepción de Laboral Ciudad de la Cultura, Recepción del Centro Niemeyer en Avilés, www.cajastur.es, 902 106 601 y red de cajeros CajAstur.

Sábado, 28 de marzo, apertura de puertas: 20.30h / Joan Baez: 21.30h
SANTIAGO DE COMPOSTELA Palacio de Congresos y Exposiciones ‘Sons’ 15′
Precios: 38€ / 40€ / 42€
Venta: www.servinova.com, entradas.abanca.com, Taquilla Teatro Principal, A Reixa tenda (Santiago de Compostela)

Tendrán lugar hoy en la que fue su casa, Graceland, e incluyen la proyección de sus películas y una fiesta de baile en la que por sonarán sus canciones, y en la que participarán dos de los músicos de estudio del cantante, David Briggs y Norbert Putnam

Elvis, fotografiado en 1968, en su regreso triunfal en un programa especial televisado

efe / washington
Día 07/01/2015 – 13.25h
La figura de Elvis Presley, probablemente la estrella más reluciente del Olimpo de la música popular del siglo XX, sigue en plena vigencia cuando se cumple el 80 aniversario de su nacimiento, y su legendaria voz y caderas siguen agitando emociones en todo el mundo.

Las celebraciones de su «80 cumpleaños», como lo presenta su exesposa Priscilla Presley, comienzan hoy en la mansión de Graceland, en Memphis, donde vivió y reposan los restos el intérprete de canciones ya inmortales como «In the ghetto» o «Heartbreak hotel».

Todos los años miles de fans cumplen con la peregrinación de congregarse ante Graceland con velas encendidas en homenaje a «El Rey», a cuyas puertas se encuentran los dos aviones privados propiedad de Elvis y que actualmente están en venta.

Entre los eventos encabezados por su exmujer, cofundadora de Elvis Presley Enterprises, figuran la proyección de algunas de sus películas y una fiesta de baile en la que por supuesto sonarán sus canciones, y en la que participarán dos de los músicos de estudio del cantante, David Briggs y Norbert Putnam.

Se recordará el primer acetato grabado por el artista cuando era solo un joven desconocido de Tupelo, una pequeña localidad de Misisipi.

El primer disco

Fue en agosto de 1953, cuando un Presley de 18 años entró en las oficinas de Sun Records en Memphis, donde se había mudado con sus padres seis años antes, para registrar dos canciones «My Happiness» y «That’s When Your Heartaches Begin».

La estrella siempre aseguró que tenían como único objetivo ser un regalo para su madre.

Aunque sus primeras grabaciones pasaron desapercibidas y tuvo que trabajar un tiempo como conductor, se convirtieron en míticas joyas de la cultura popular cuando Presley revolucionó las ondas al comenzar a sonar su versión de «That’s all Right» en una emisora de Memphis un año después, en 1954. Pocos segundos después, el locutor recibió una avalancha de llamadas preguntando por el intérprete. A partir de entonces, la locura: innumerables números 1, histeria colectiva, llamada a filas, Elvis de uniforme en Alemania, y apariciones televisivas de infarto.

Entre ellas, sobresale la de 1956 en «The Milton Berle Show». cuando el lúbrico oscilar de su caderas, que dio lugar al mítico apelativo de «Elvis la pelvis», al cantar «Hound Dog» quedó marcado para siempre en las retinas de los estadounidenses y el mundo entero.

«Elvis compensa su escasez vocal con la más extraña y sugerentemente simple recreación de las danzas de apareamiento de los aborígenes», señaló entonces el New York Journal-American en su crítica de la actuación.

Posteriormente, su estrellato en Hollywood, multimillonarias ventas, más éxitos, su pasión por el kárate, y su progresivo descenso a los infiernos de las adicciones y la decadente megalomanía.

A los 42 años, en 1977, «el rey del Rock», nacido como Elvis Aarón Presley el 8 de enero de 1935, dijo adiós al mundo terrenal y entró por la puerta grande en la historia de un género musical, que se convirtió en una era en sí mismo y cambió para siempre el curso del siglo XX.

Como diría John Lennon, en la cita más repetida sobre la voz de «Jailhouse Rock» o «Love me tender», y con quien comparte panteón en la cultura popular: «Antes de Elvis no había nada».

O, en palabras de otra figura legendaria, Bob Dylan, escuchar al «Rey» por primera vez fue «como escapar de la cárcel».

En un ejercicio de imaginación algo macabra, el diario de Minneapolis Star Tribune traslada hoy a Elvis a la actualidad, con sus 80 años, y lo ve cantando sentando en una silla, pasado de peso como se encontraba al final de su vida fruto de su desmedida pasión por los sandwiches de mantequilla de cacahuete y el abuso de los fármacos.

No obstante, el diario apuesta a que «las pobladas patillas se mantendrían, y al menos ofrecería un agitar de caderas y una divertida pose de kárate» al entonar grandes éxitos como «All shook up» o «Return to sender».

http://www.abc.es/cultura/musica/20150107/abci-celebraciones-aniversario-elvis-201501071249.html

Llega tres años después de su anterior trabajo, ‘Ringo 2012’.

Por Rolling Stone – 29 de diciembre de 2014

“He acabado mi disco, está mezclado y el año que viene Universal Records lo publicará”, con estas palabras anuncia Ringo Starr el lanzamiento de un nuevo álbum. Un anuncio que el que fuera baterista de The Beatles acompaña de una felicitación navideña para sus fans.

Este nuevo trabajo del artista, de 74 años, llega tres años después de Ringo 2012. El músico y su All-Starr Band arrancan gira el próximo 13 de febrero en Los Angeles.

http://rollingstone.es/noticias/nuevo-disco-de-ringo-starr-en-2015/

De Woodstock a ‘Nueve semanas y media’

La particular voz del cantante inglés recorrió cinco décadas de la música popular anglosajona, con éxitos como ‘Up where we belong’ y ‘You can leave your hat on’.

D. PRIETO
Actualizado: 22/12/2014 20:18 horas

La muerte del vocalista británico Joe Cocker, a los 70 años y tras una larga batalla contra el cáncer de pulmón, ha resucitado el interés por la música de este hombre cuya voz raspada acompañó algunos de los éxitos más importantes de los 60, los 70 y los 80.

Con apenas 24 años, y dejando bien clara su querencia por el ‘blues’, el ‘soul’ y la tradición musical negra, se atrevió con una versión del ‘With a little help from my friends’ que los Beatles habían publicado un año antes en su portentoso disco ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’. Su interpretación de este tema en el festival de Woodstock de 1969 quedó para siempre asociada a aquel mágico final de la década de los 60.

En los 70 Cocker conoció otro éxito con ‘You’re so beautiful’, publicada originalmente en su disco de 1974 ‘I Can Stand a Little Rain’ y que se convirtió en un estándar de su repertorio, inspirando también a otros músicos, como Dennis Wilson de los Beach Boys.

Otra década y otro éxito más, en este caso se podría decir que el más importante. ‘Up where we belong’, cantada a dúo con Jennifer Warnes y escrita por Jack Nitzsche, se convirtió en una de las canciones de 1982 gracias a su aparición en la película ‘Oficial y caballero’, protagonizada por Richard Gere. No sólo fue un éxito de ventas sino que también proporcionó a Gere un Grammy a la mejor interpretación a dúo. El tema también consiguió un Globo de Oro y un Oscar.

Sin salir del terreno cinematográfico, otra canción cantada por Cocker puso la banda sonora a otra de las películas de los 80, ‘Nueve semanas y media’. ‘You can leave your hat on’ es obra de Randy Newman, pero 14 años después de su publicación, en 1986, la raspada voz de Joe le dio nueva vida para acompañar el (entonces) impactante ‘strip-tease’ de Kim Bassinger ante Mickey Rourke. Desde entonces es casi un tema obligado cada vez que alguien se quita la ropa delante de otro alguien.

Y dentro de esta tónica de recuperar temas de otros, en 1987 con ‘Unchain my heart’, publicada en los 60 por Ray Charles. El tema no llegó al número uno pero funcionó bien en las listas de todo el mundo, España incluida.

http://www.elmundo.es/cultura/2014/12/22/54986896e2704eab7e8b4577.html

A los 70 años

Según informa la BBC, el inglés, intérprete de canciones como ‘Up where we belong’ y ‘You can leave your hat on’, ha fallecido después de una batalla contra el cáncer de pulmón.

Joe Cocker, durante un concierto en Palma de Mallorca en 2007. MANIHTÚ

22/12/2014 19:30 horas

El cantante británico Joe Cocker ha fallecido a los 70 años de edad, según ha informado su manager a la cadena ITV y como recoge la cadena BBC.

El autor de éxitos como ‘Up where we belong’ (de la banda sonora de la película ‘Oficial y caballero’) y ‘You can leave your hat on’ (de ‘Nueve semanas y media’), así como de una exitosa versión del ‘With a little help from my friends’ de los Beatles, había participado en la primera edición del festival de Woodstock de 1969.

Al parecer, el cantante inglés, nacido en Sheffield en 1944, había librado una larga batalla contra el cáncer de pulmón que, finalmente, ha perdido esta penúltima semana del año.

http://www.elmundo.es/cultura/2014/12/22/549861a3e2704eab7e8b4572.html

La cantante ofrecerá un concierto el 27 de marzo en la Laboral

Joan Baez, en el Jovellanos, en 2010. JUAN PLAZA

20.12.2014 | 05:37
J. B. Está claro que el cartel de 2015 se agita en estos meses. Gijón ya cerró a Lenny Kravitz y ahora regresa a la ciudad, el 27 de marzo, Joan Baez, que justamente en ese mismo mes del año 2010 estuvo en el teatro Jovellanos. La veterana estrella de la canción folk americana, la voz de la protesta, la garganta del «No nos moverán», la compañera de Dylan en viajes de protesta y músicas celebradísimas, pondrá de nuevo su saber estar y sus mensajes en el escenario, en este caso el de la Laboral. Y, por cierto, en marzo, el día 14, estará Franco Battiato en el auditorio de Oviedo. Con lo que el cartel de 2015 promete.

Con Joan Baez regresa un referente inequívoco de la brillante y talentosa escena de los años sesenta. Ella fue protagonista de todo, incluido el Festival de Woodstock.

http://www.lne.es/vida-y-estilo/gente/2014/12/20/joan-baez-legendaria-voz-anos/1688989.html

El músico tocó con Sus Satánicas Majestades desde los años 60, y compartió con ellos más de una aventura salvaje que Richards cuenta en su biografía ‘Life’.

Bobby Keys FOTO: Brian Hineline/Corbis

Por Patrick Doyle – 03 de diciembre de 2014

Bobby Keys, el saxofonista que salió de gira con los Rolling Stones durante más de 45 años y tocó en clásicos de estudio como Brown sugar y Live with me, ha muerto a los 70 años.

“Si crees en la magia del rock & roll, en la cual yo creo devotamente, ésta no reside en el individuo“, dijo Keys a Rolling Stone en 2012. “He tocado con bandas con los mejores músicos, pero a menos que sean capaces de tocar juntos, no suenan todo lo bien que podrían”.

“Los Rolling Stones estamos devastados por la pérdida de nuestro gran amigo y legendario saxofonista, Bobby Keys”, ha dicho la banda en una declaración. “Bobby aportó una contribución musical única a la banda desde los años 60. Lo echaremos mucho de menos”.

“He perdido al mejor amigo del mundo y no puedo expresar la sensación de tristeza que tengo, aunque Bobby me diría que me animara”, ha dicho el guitarrista Keith Richards en una declaración. “Mis condolencias a todos los que lo conocían y conocían su amor por la música”.

Keys nació en Slaton, Texas, donde descubrió el poderoso sonido del líder King Curtis. “Ejecutaba sus solos de saxo de forma distinta a otros músicos de jazz – muchos de ellos pensaban que el rock & roll era una pérdida de tiempo. Pero King Curtis tocaba el saxo de la misma forma en que se toca la guitarra, como James Burton lideraría una canción. Lo que lo diferenciaba del resto era el cómo tocaba y el cómo atacaba las notas y su estilo”.

En Lubbock, Keys se hizo amigo de Buddy Holly, y tocó con él por un periodo breve siendo un adolescente. “Fue el primer tío que escuché tocar la guitarra eléctrica, y me impresionó muchísimo”.

Su camino se cruzó con los Rolling Stones en 1964 en la San Antonio Teen Fair. Era escéptico hacia los rockeros ingleses, pero dijo, “Salí y les escuché y vi que había rock and roll de verdad ahí, según mi humilde opinión”.

“Tienes que darte cuenta de que la visión, la imagen, según los estándares del rock and roll americano en 1964, eran los trajes de angora y las corbatas“, decía Keys en la autobiografía de Richards Life. “Y de repente llega esta panda de ingleses ¡cantando una canción de Buddy Holly! ¡Joder! No pude escucharlo todo correctamente, siendo como eran entonces los amplificadores y las PAs, pero tío, lo sentí… me recordó mucho a la energía que había sentido escuchando a Buddy y a Elvis. Había algo ahí que era auténtico”.

Keys volvió a coincidir con Mick Jagger a finales de los sesenta y ahí comenzó todo. Participó en las grabaciones de algunos de los discos más icónicos de la banda, como Let it bleed, Sticky fingers y Exile on Main Street. Su momento de estudio más famoso – Brown sugar en 1971 – originalmente iba a ser un solo de guitarra, pero en un momento espontáneo, Jagger y el productor Jimmy Miller sugirieron añadir el saxofón. ”Fue la primera toma – simplemente cerré los ojos y toqué“, dijo Keys.

“Keith Richards ha sido una de las mayores contribuciones a mi inspiración”, dijo Keys. Nacido en el mismo día que Richards, ambos se hicieron amigos muy rápido. Keys fue compañero de Richards durante las horas más nocturnas y cómplice de payasadas fuera del escenario, como aquella vez que lanzaron un televisor desde el balcón de un hotel en 1972. Pero sus salvajadas fueron algo incluso demasiado salvaje para los Stones. En su gira europea de 1973, faltó a un compromiso y Richards lo encontró en el hotel, tumbado en una bañera llena de Dom Perignon. “Fumaba un cigarro, la bañera llena de champán y una chica francesa con él”, recordaba Richards en Life. “Y me dijo: ‘íFuera de aquí“.

Keys dejó de salir de gira de forma regular con la banda, y comenzó a tocar en varios clubs bajo el apodo de Mr. Brown Sugar. Se juntó con John Lennon en su famoso “fin de semana perdido”. (Previamente había grabado con la Plastic Ono Band en canciones como Power to the people). “Algunas tardes, nos liábamos un porro y John y yo escuchábamos música, pero luego se marchaba porque si no [Yoko] comenzaría a sospechar acerca de su paradero”, contaba Keys. “Y sabía que yo vivía en su mismo barrio ¡y sabía que yo no era una buena influencia!”

Pero Keys nunca bajó el ritmo por completo. “He estado fumando hierba durante 50 años, y no he dejado de fumar un solo día a menos que estuviera en la cárcel”, dijo a Rolling Stone en 2012. “Soy un devoto fumeta. Lo he sido, y lo seguiré siendo, no veo ningún problema al respecto excepto lo que cuesta. Que lo legalicen“.

Tocó de forma intermitente con la banda durante los siguientes años, pero tenía una relación polémica con Jagger. Finalmente se volvió a unir a la banda para ensayar antes de la gira de Steel Wheels en 1989.

“Había estado fuera durante unos 10 años, excepto por actuaciones de una sola noche”, recordaba Richards. “Fue eso lo que me llevó convencerle de que volviera. Y cuando lo hice, no se lo dije a nadie… Solo le dije a Bobby, cuando toquemos Brown sugar, haz tu solo. Y cuando comenzó su solo, Mick me miró y me dijo “¿Qué cojones?”, pero cuando acabó el solo, bueno, nadie podía debatir aquello“.

Keys acompañó a la banda en su reciente gira 14 On Fire, con la que pasaron por España, pero tuvo que abandonar los conciertos cuando llegaron a Australia porque fue diagnosticado de Cirrosis.

“Estos tíos tienen algo natural al respecto”, contaba Keys a Rolling Stone. “Son parte de la música de la que vengo, porque yo no sé leer partituras. No vengo de ahí musicalmente, vengo directo del sentimiento, y ese sentimiento viene directo del rock & roll”.

http://rollingstone.es/noticias/adios-a-bobby-keys-saxo-de-los-rolling-stones/

Bob Dylan, Willie Nelson, The Cure y B.B. King encabezan el reparto de un ambicioso álbum de versiones

ABC – B.B. King, durante la grabación del álbum

Jesús Lillo / Madrid
Día 28/11/2014

Ya es raro que en un disco de homenaje, versiones y contubernios recreativos no aparezcan, qué boda sin la tía Juana, los Flaming Lips, fijos en la quiniela de los tributos y de las más complejas operaciones de rescate musical. En esta ocasión, su ausencia está justificada.«The Art Of McCartney» no es un álbum concebido, como suele ser costumbre, para reivindicar el genio de un compositor semiolvidado -como es el caso del reciente «Master Mix: Red Hot +Arthur Russell»-, ni para transformar el sonido de los éxitos de una estrella del pop en algo premeditadamente distinto. “The Art Of McCartney” es una rendición casi absoluta: el apabullante reparto elegido por el productor Ralph Sall se somete poco menos que a un karaoke para interpretar, en alta fidelidad, sin apenas sacar los pies del tiesto, el monumental repertorio del autor de «Let It Be».

Despacio y con buena letra

Alrededor de once años le ha llevado a Sall reclutar, convencer y afinar a los intérpretes que aparecen en «The Art Of McCartney». Brian Wilson, rival del compositor de Liverpool durante su etapa más experimental, en la segunda mitad de los años sesenta, fue el primero en apuntarse al bombardeo. Wilson eligió «Wanderlust», pieza de los primeros ochenta que aquí se adorna con las armonías vocales de los Beach Boys más clásicos y convencionales. No hay en este trabajo discográfico margen de maniobra para derrapar. Despacito y con buena letra, los intérpretes se limitan, salvo muy contadas y justificadas excepciones, a ponerle voz al catálogo del homenajeado.

Bob Dylan hace suya «Things We Said Today», cara B de «A Hard Day’s Night», Willie Nelson se queda con «Yesterday» y Cat Stevens se apropia de «The Long And Winding Road». En ningún caso hay sorpresas: el argumento de «The Art Of McCartney» no es la ruptura, ni siquiera la relectura, sino la entrega incondicional a una obra que en este singular proceso de adaptación sigue el guión impuesto por la banda que desde hace años acompaña al autor de «Hey Jude», aquí cantada por Steve Miller. En su mayoría, la gente que acude a la llamada de Ralph Sall ya peina canas y no está para pasarse de rosca y revoluciones.

Disciplina

Muy obedientes, Smokey Robinson, B.B. King, Chrissie Hynde, Alice Cooper, Roger Daltrey, The Cure, Dr. John y Billy Joel, entre otros, repasan la obra de McCartney desde los buenos tiempos de los Beatles hasta su etapa en solitario, pasando por los Wings, pero sin abandonar la más reconocible línea melódica de un compositor del que de manera voluntaria se dejan a un lado sus ensayos sinfónicos y, también, sus aventuras electrónicas como The Fireman. Tan pop como bien hilado -sin cortes, sin baches, sin volantazos-, «The Art Of McCartney» propone una travesía en la que el ajetreo vocal y el cambio de conductor no afectan al ritmo fijo impuesto por la banda que acompaña a los invitados. Incluso Perry Farrell, el otrora temible líder de Jane’s Addiction, se comporta y contiene en «Got To Get Into My Life», del «Revolver» de los Beatles.

La principal virtud de este ambicioso proyecto es también su gran vicio: Ralph Sall recluta a los propios músicos que acompañan a McCartney, gente con estudios y conocimiento y que va a tiro hecho, para que sostengan las versiones del álbum, lo que subraya una homogeneidad sonora que puede resultar aburrida para el oyente más inquieto, pero que, en cambio, sirve de garantía para los más devotos seguidores del compositor británico. Allen Toussaint arrastra su «Lady Madonna» hasta el barro de Nueva Orleans y, sin mayores traumas, Toots Hibbert y Sly & Robbie aprovechan la cadencia de «Eleanor Rigby» para darle un baño jamaicano que, sobra decirlo, no afecta al tejido original de la canción. El resto de «The Art Of Paul McCartney», más de cuarenta canciones, se puede escuchar plácidamente de un tirón, como si el tiempo no pasara entre unas canciones no solo clásicas, sino estandarizadas por un coro que las compacta sin delirios. Rusty Anderson y Brian Ray (a las guitarras), Paul «Wix» Wickens (teclista) y Abe Laboriel Jr. (batería), gente de confianza, se encargan de pastorearlos.

http://www.abc.es/cultura/musica/20141127/abci-paul-mccartney-201411271330.html

El disco de 1979 los rescató de la bancarrota, pero el ego de Roger Waters sembró la ruptura

ABC – Pink Floyd, un grupo británico de culto

 Luis Ventoso / Corresponsal en Londres
Día 30/11/2014 – 01.06h

Ante el fenómeno Pink Floyd, el mundo se divide en dos tipos de aficionados: los que los adoran en todas sus vertientes y los impacientes, que en sus discos nos saltamos las partes de elegante divagación buscando la miga de los tres cortes asequibles. El doble «The Wall» –qué camp suena ya lo de «disco doble»– cumple hoy 35 años. Es la segunda obra más celebrada de un grupo británico de culto, solo por detrás de «The dark side of the moon» (1973).

El Muro supuso en su momento (1979) un acontecimiento cultural: cinco semanas de número uno en el Reino Unido y quince en Estados Unidos, donde vendió más de ocho millones de discos. El sencillo «Another brick on the wall (Part II)», cuyo sonido disco está en las antípodas del canon Floyd y fue una idea del productor Bob Ezrin, sigue vigente. «The Wall» fue el disco que salvó literalmente a Pink Floyd, pues liberó a sus miembros de la bancarrota. Pero también el envite que acabó con el grupo, que no resistió el subidón de ego de su principal compositor, Roger Waters.
Excitante bohemia londinense

A diferencia de bandas de clase obrera, como The Beatles, los integrantes de Pink Floyd eran chavales de buenas familias de Cambridge, llamados a «carreras serias». Pero los iluminó la llamada de la excitante bohemia londinense. En 1965, los estudiantes de arquitectura Roger Waters (bajo), Nick Mason (batería) y Richard Wright (teclados) se juntaron con el guitarrista, cantante y compositor Syd Barret, un atractivo estudiante de arte, de psique herida y genio amplio y desaliñado. Barret les puso el nombre, tomado de dos ignotos músicos de blues campestre, Pink Anderson y Floyd Council. Pero blues habría poco.

La psicodelia, la experimentación con LSD, abrían nuevas puertas a la música, que se tornaba vanguardista, arty, intelectualoide, espacial. Nueva. Barret reinó en ese revoltijo. Un brevísimo mandato: en dos años las drogas agravaron su esquizofrenia y hubo de acogerse a los cuidados de su madre en Cambridge, donde llevó una vida esquiva hasta su muerte, en 2006. Fue sustituido por el guitarrista David Gilmour, más terrenal y técnico. Nacía la segunda etapa de Pink Floyd, con Gilmour y el complicado Waters repartiéndose la composición y las voces.

Problemas

En 1979 Pink Floyd tenían problemas. El sarpullido punk había instaurado formas más directas de expresión. Los Floyd eran el epítome del dinosaurio hippioso. Además, las andanzas de su contable y el disparatado coste de sus llamativos espectáculos los habían arruinado. Cuenta la leyenda que el 6 de junio de 1977, en la última noche de la gira de «Animals», en el Estadio Olímpico de Montreal, Roger Waters se encara con un fan y le escupe. Un gesto impropio de un educado chico de Cambridge, que lo deja meditabundo. Percibe que se está volviendo un megalómano. Además, le repugnan los conciertos en estadios, tan similares a las grandes paradas de los regímenes totalitarios: «Aquello era cada vez más y más opresivo. No eran lugares para la música. Eran para el deporte, que no es más que la ritualización de la guerra», explicó Waters.

Conversando con el joven productor Bob Ezrin, que había cobrado fama pilotando a Lou Reed y Alice Cooper, Waters le contó sus angustias, le reveló que a veces sentía el deseo irrefrenable de levantar un muro entre él y el público. «¿Y por qué no lo haces?», respondió Ezrin. La siembra quedaba hecha.

Dieciocho meses después, Roger Waters llamó a Ezrin, y lo invitó a escuchar dos largas maquetas, ideas para dos discos. Una de ellas era el esqueleto de «The Wall». Modificando la manera tradicional de trabajar de Pink Floyd, más cooperativa, Waters tomó el poder y presentó a la banda sus dos bosquejos: uno sería para el grupo, el otro para un disco en solitario. Deberían elegir. Optaron por «The Wall», no sin las protestas del teclista Richard Wright: «Otras vez sus paranoias de siempre, la guerra, su madre… Todas sus obsesiones».

Nace «The Wall»

The Wall, que nació como un concepto teatral y daría lugar en 1982 a la pomposa película de Alan Parker, está protagonizada por el músico de rock Pink, trasunto de Waters. Cada ladrillo del muro refleja una de sus angustias: el padre caído en la Segunda Guerra Mundial, la madre sobreprotectora, los profesores fríos y sarcásticos, las drogas, la egolatría, el mesianismo casi fascista ante los seguidores… Hasta que el final llega la catarsis purificadora, la caída del muro.

La grabación fue una sorda guerra civil. Un educado infierno inglés, con el productor Ezrin haciendo de mediador entre Waters y los otros tres. El dueño y señor del muro despidió a Wright del grupo y apenas dejó meter baza en las composiciones. El disco se grabó en tres estudios, en Londres, la Costa Azul y Los Ángeles. Orquestas, tres coros, músicos de sesión… El triunfo fue absoluto. Pero a Pink Floyd, en su versión íntegra, ya solo les quedaba un episodio más. En 1983 grabaron «The final cut», que en realidad es ya un disco en solitario de Waters, y no faltaron ni los puñetazos en el estudio. En diciembre de 1985 el compositor dejó el grupo y dio por hecho que lo enterraba.

Últimos discos

Pero los supervivientes, a los que había desdeñado como marionetas de acompañamiento al servicio de su creatividad, pleitearon por el nombre y los tribunales les dieron la razón. Desde entonces han publicado tres discos bajo el nombre de Pink Floyd, de calidad debatible y construidos con la ayuda de talento mercenario. El último acaba de salir, se llama «The Endless River» y aseguran que será el punto final. En realidad es una colección de descartes de «The Division Bell» (1994), pulidos con buen gusto.

Mientras tanto «El Muro» ha seguido cayéndose y levantándose con gran éxito. Entre 2010 y 2013, Waters sacó a su hijo de gira, 200 conciertos por todo el planeta, con llenazos e ingresos más de 300 millones de euros. En estadios y sin escupitajos.

La amistad con sus ex nunca ha retornado. En 2005 tocaron por última vez juntos, atendiendo a la llamada filantrópica del «Live 8». Pero las heridas son muy severas. Esta semana, la prensa musical británica ha preguntado a Gilmour y Mason qué sintieron cuando Waters dejó el grupo. La respuesta lo dice todo: «Fue como si se hubiese muerto Stalin». Lo cierto es que ambos construyeron un muro. Pero el de Stalin ya se ha caído, mientras que el de Waters, pese al difícil carácter del músico, sigue en pie y huele a clásico.

http://www.abc.es/cultura/musica/20141130/abci-aniversario-muro-pink-floyd-201411292109.html

«Vino a verme y me enseñó un puñado de canciones», cuenta Ray.

Por Rolling Stone – 29 de noviembre de 2014
La mitad de The Kinks, esto es, Ray Davies, ha revelado que ha estado trabajando en nuevas maquetas con su hermano Dave Davies, la otra parte implicada en una hipotética reunión de una banda.

“Él es un buen compositor. Estuvimos liados con unas maquetas las pasadas navidades. Vino a verme y me enseñó un puñado de nuevas canciones”, ha explicado Ray a Rolling Stone.

La pareja de hermanos no ha compartido escenario desde la última ruptura de The Kinks en 1996, aunque los rumores sobre su regreso están siendo incesantes de un tiempo a esta parte.

No hay nada confirmado oficialmente, pero dichos rumores apuntan a 2015 como el año de regreso de The Kinks, por supuesto con ambos hermanos de la mano. “Si hacemos un concierto de The Kinks, somos The Kinks”, ha dicho Ray en la misma entrevista a Rolling Stone, para después añadir: “Ray se pone en la derecha del escenario y Dave en la izquierda”.

http://rollingstone.es/noticias/ray-y-dave-davies-han-trabajado-en-nuevas-maquetas/

Es la composición de la banda más escuchada en Spotify España.

Por Rolling Stone – 30 de noviembre de 2014
Dicen que el cliente siempre tiene la razón y, en este caso, el cliente de Spotify ha hablado alto y claro para aupar a I want to break free como la canción de Queen más escuchada en la plataforma de música en streaming en España.

Las otras canciones que siguen a la victoriosa son Bohemian Rhapsody, Don’t stop me now, Another one bites the dust y We will rock you, según datos de escuchas de Spotify.

Este domingo se cumplen 10 años desde que Queen consiguiera un triple Disco de Diamante por sus ventas en España (más de 3 millones de copias), un país donde históricamente siempre han tenido muchos seguidores.
Spotify desvela también datos sobre las canciones en solitario de Freedie Mercury (de cuya muerte se han cumplido recientemente 23 años), y apunta que las más escuchadas son Living on my own, Barcelona y The great pretender.

http://rollingstone.es/noticias/i-want-to-break-free-es-la-cancion-de-queen-preferida-por-los-espanoles/