No fue tan repentino el éxito como se cree, pero después de su primer álbum y de salir en televisión las fans chillaban en todas partes. Brian Epstein y George Martin ayudaron al mito
Es difícil comprobarlo, pero quizás los Beatles de 1962 no habrían llegado tan lejos si una persona clave no hubiera tomado las riendas de sus carreras y otra no hubiera pulido su sonido. Brian Epstein tenía 27 años y mucha ambición cuando conoció a la banda en The Cavern y se convirtió en su manager. Los vistió de traje y corbata, los llevó de audiciones por las discográficas (muchas los descartaron pero pasó a la historia el desprecio de Decca), despidió a Pete Best (a petición de los otros tres) y consiguió un contrato con EMI. A sus 36 años, George Martin era un poco más experimentado como productor en esa compañía, aunque había trabajado con grupos de segunda fila. Le cayó un diamante entre las manos.
No fue tan rápido el estallido de la Beatlemanía como se cree, pero tras lanzar su primer LP en 1963, y sobre todo tras aparecer en televisión, son un fenómeno popular: las fans los perseguían y chillaban a su paso, los medios de comunicación hablan de ellos continuamente, dominan tanto el escenario como la sala de prensa y su fama llega a EE UU. En esta etapa se decantan por canciones sencillas y pegadizas, sin grandes pretensiones en sus letras de amor, aunque mantienen la energía y el descaro que demostraron tantas noches en los tugurios. Los gritos del público no ayudaron a mejorar su directo: importaba más verlos que oírlos y ellos se dieron cuenta. Estos son cinco momentos clave de su salto a la fama.
El primer éxito… relativo. Epstein eligió Love me do como primer single oficial de la banda, lanzado en octubre de 1962, cinco meses antes que el álbum que lo contiene, Please please me. Original de Lennon y McCartney, que desde entonces firmarían juntos todas sus canciones. Ringo Starr tardó en convencer a Martin como batería, tanto que en algunas tomas es sustituido por Andy White y Ringo toma la pandereta. Con este single se produce su debut en televisión, en el programa People and places del canal Granada. El tema les dio a conocer pero no llegó a los primeros puestos de las listas de ventas (el número uno británico se resistió algunos meses, hasta su tercer single From me to you).
Estrellas de la televisión. En octubre de 1963, los Beatles se consagran ante un público de masas al aparecer abriendo Sunday Night at the London Palladium, programa de la ITV que vieron 15 millones de británicos. El término Beatlemanía lo acuñó el Daily Mirror ese día tras comprobar el comportamiento del público, que apagó el sonido con sus chillidos. No volvieron a tocar en directo sin ese coro de fans (y lo lamentaron). De ese show es este I saw her standing there, que escribe y canta McCartney.
«Hagan palmas o hagan sonar sus joyas». El sarcarmo de John Lennon era parte de su atractivo. En un evento muy solemne, la gala Royal Command Performance en noviembre de 1963, John dice al público: «Para el último número les voy a pedir ayuda. Los de las entradas baratas, hagan palmas. Los demás, hagan sonar sus joyas». Lo dijo en presencia de la Reina Madre de Inglaterra, antes de interpretar Twist and shout, la animada canción (original de Phil Medley y Bert Russell), con la que solían cerrar sus conciertos en Hamburgo y Liverpool.
El salto a América. A finales de 1963, The Beatles editan su segundo álbum en Europa, With The Beatles, y el primero para el mercado norteamericano, Meet the Beatles (en un principio las discografías fueron distintas a uno y otro lado del Atlántico). El single I want to hold your hand alcanza el número 1 en Estados Unidos y dio pie a su primer viaje a aquellas tierras en 1964, donde recibieron nuevas influencias que resultarían decisivas en su evolución.
En la pantalla grande. A hard day’s night, de 1964, es la primera película del grupo y, gracias a su frescura, la más lograda de las cinco en que participaron. Dirigida por Richard Lester, está a medio camino entre el falso documental y el humor absurdo a lo hermanos Marx; una autoparodia, en cualquier caso. La Beatlemanía está en el centro: se les retrata desbordados aunque divertidos por la presión de los (las) fans.
Brigitte Bardot y Serge Gainsbourg, durante la grabación de la primera versión del tema. | JR
* La agitada historia de la canción más erótica de la música
Julián Ruiz | Madrid
Actualizado martes 01/10/2013 08:13 horas
A mediados del invierno de 1967, el compositor francés Serge Gainsbourg estaba desesperadamente enamorado de Brigitte Bardot. Hasta el delirio de haberle prometido componer la canción más bella de amor que se haya escrito jamás en el mundo. Una de esas tardes de amor y lujo, Serge convence a B. B. de que grabe esa canción perfecta de amor, pero con él.
El tema se llama ‘Je t’aime…. moi non plus’. Le explica que ambos deben estar cantando como si realmente se estuvieran haciendo el amor. Brigitte se excita con la idea y le dice que sí. Dos días más tarde, ambos graban el tema en el estudio B, de las salas de grabación de Barclay, en la Avenida Hoche, en París. Era el 10 de diciembre de 1967. Luego se ha sabido por boca del ingeniero de aquella sesión de grabación que tanto Serge como Brigitte se estuvieron masturbando para lograr mejores gemidos y susurros sexuales que fueran definitivamente reales. El arreglo era del gran Michel Colombier -Madonna lo contrató para sus temas de James Bond-.
La canción era formidable, porque tanto Colombier como Gainsbourg habían robado los mismos acordes y los pasajes de ‘A whiter Shade of Pale’, que durante los tres meses del verano había sido repetidamente numero uno en Francia. Todavía es récord absoluto de éxito en las listas francesas. Gainsbourg decía: «Ellos han robado a Bach, nosotros podemos robar a Procol Harum».
La primera esposa de Gainsbourg, es decir, Elisabeth Levitsky, que era de origen ruso, como el propio Serge, era una de las asistentes de Salvador Dalí y amiga del poeta George Hugnet. Así que Gainsbourg era un habitual en el apartamento de Dalí en París. La letra, asegura Gainsbourg, estaba inspirada en lo que decía siempre Salvador Dalí: «Picasso es español. Yo, también. Picasso es un genio. Yo, también. Picasso es un comunista. Yo, tampoco». Ésa era la idea de ‘Je t’aime… moi non plus’ («Te amo… yo tampoco»). El gran detalle significativo era haber compuesto una canción que era como la represión de no poder alcanzar nunca el amor físico hasta grados superlativos. El propio tabú del sexo. Esa letra está escrita como un auténtico diálogo entre dos amantes:
«Je vais et je viens, entre tes reins» («Voy y vengo, entre tus caderas». Literalmente: «Voy y vengo, entre tus riñones»).
«Tu es la vague, moi l’île nue» («Tú eres la ola, yo la isla desnuda»).
«L’amour physique est sans issue» («El amor físico es un callejón sin salida»).
Una vez terminada la canción, Serge Gainsbourg estaba eufórico y se fueron a un famoso restaurante parisino para celebrarlo. Allí le puso la canción a todo el mundo. Presumía de que podía haber grabado y cantado una canción «para hacer el amor» con el más impresionante símbolo sexual de toda la historia de Francia.
Al día siguiente, Radio Europe 1 radiaba el tema ante la sorpresa general. Mucha gente quedó escandalizada. Por la tarde, los abogados de Gunter Sachs, el marido corneado de Brigitte, habían amenazado con los tribunales a la emisora, mientras que Brigitte Bardot, ante semejante escándalo, le pedía encarecidamente a Serge que no publicara el disco. Gainsbourg aceptó la prohibición por miedo a las represalias de Sachs. Fue también el final de un ‘amour fou’. Exactamente, 86 días había durado el apasionado ‘affaire’ con la Bardot. El propio Serge contaba los días. El compositor intentó convencer a Marianne Faithfull, Mireille Darc y Valerie Lagrange para que grabaran las partes de la Bardot. Pero Serge no logró conseguirlo.
Una segunda oportunidad
Diez meses más tarde, el cineasta Pierre Grimblat convence a Serge Gainsbourg para que sea el protagonista del drama ‘Slogan’. Serge tenía ya 40 años. Su ‘partenaire’ era una chica inglesa de 22 años llamada Jane Birkin, que había sido protagonista del mayor escándalo cinematográfico del ‘swing’ de Londres, al mostrar el vello púbico, como modelo, en la película de Michelangelo Antonioni, la célebre ‘Blow-up’, donde aparecen los Yardbirds de Eric Clapton.
Jane Birkin llegaba al plató para sustituir a Marisa Berenson, que no quiso hacer la película. Lo que provocó un enorme enfado a Gainsbourg, porque a la Birkin no la conocía de nada. Jane estaba recién divorciada del magistral John Barry, el gran compositor de las bandas sonoras de James Bond y que acababa de obtener dos Oscar por la música de ‘Born Free’, dedicada a su amor, precisamente su mujer Jane. Barry siempre ha dicho que fue uno de los grandes amores de su vida. Pero lo cierto que Barry era un mujeriego increíble. Entre sus conquistas estaban Shirley Bassey, Charlotte Rampling, Ursula Andress, Catherine Deneuve, etc… John y Jane hacía pocos meses que habían tenido una niña llamada Kate, que en la actualidad es fotógrafo. Jane dice que John no pudo serle fiel. Demasiados viajes Hollywood. Jane se había casado con apenas 18 años cumplidos. John Barry tenía 34 años.
Desde el primer día de rodaje, Gainsbourg fue a por su presa. Había cambiado totalmente de opinión. Le parecía una criatura preciosa. Gracias al director, Pierre Grimblat, se preparó una cena, seguida de una pequeña fiesta, en la que no pararon de bailar. Luego, Serge, la llevó a su club favorito de travestis, donde salía cantar el admirable cantante de blues Joe Turner. A continuación la llevó a un club ruso, donde también le conocían. Y, finalmente, cuando ya estaba muy borracho, al Hotel Hilton.
La joven Jane Birkin y Serge Gainsbourg, fotografiados desnudos juntos. | JR
Jane recuerda que el recepcionista dijo que si Serge quería su habitación de costumbre. Jane también asegura que no hicieron nada sexualmente aquella noche. Fue bastante después, cuando Serge quiso deslumbrarla y se la llevó a Venecia, alojados en el maravilloso Gritti Palace y cenando todos los días en el famoso Bar de Harry. Tras Venecia la volvió a impresionar al quedarse alojados donde había muerto Oscar Wilde en París.
Así hasta ponerle la famosa versión ‘Je T’aime… moi non plus’ de Brigitte Bardot. Una tema que se había convertido en una obsesión para Serge. Jane no quiso cantarla desde un primer momento, porque siempre decía que no era una buena cantante. Pero Jane siempre cedía. Así que el 14 de diciembre de 1968, justo un año después de la primera versión con la Bardot, en el mismo estudio Barclay de París, Serge y Jane graban la nueva versión.
Escándalo y censura
Primero se había grabado en Londres, en unos estudios en Marble Arch, porque Jane le había pedido consejo a John Barry. Su ex marido se portó como un caballero y le sugirió que el arreglo lo hiciera el mismo músico que había hecho el arreglo de ‘Goldfinger’. Arthur Greenslade hizo un soberbio trabajo, cambiando algunas de las armonías para mejorarlas y dejar al tema todavía más cercano al ‘A Whiter Shade of Pale’ de Procol Harum.
Jane la cantó un tono más arriba que la Bardot. Todavía era más la voz de una niña. La eterna Lolita que Serge siempre llevaba en la cabeza. Exactamente, Serge coincidía con el mismo paraíso de John Barry. Pero esta vez, durante la grabación de las voces, Serge no necesitó masturbar a Jane. Ella hacía muy bien los gemidos, los espasmos, incluso improvisándolos.
Portada del single.
Serge Gainsbourg era una celebridad y una de las grandes estrellas del sello Philips, junto con Johnny Hallyday, pero la compañía tenía un pánico espantoso y todo lo que pudiera suceder a continuación. Existía el precedente de la Bardot. Así que el disco, el single, que apareció en la segunda semana del mes de febrero de 1969, se publicó con un sello en que se decía que el disco estaba prohibido para los menores de 21 años y, además, el disco no llevaba el logo de Philips, sino el de Fontana.
El disco fue inmediatamente un escándalo y noticia en todo el mundo. Gainsbourg siempre decía que su mejor agente de publicidad iba a ser el Vaticano. Efectivamente, el primero en denunciar la canción y de calificarla de obscena fue ni más ni menos que L’Osservatore Romano’. Italia prohibió incluso su radiación, a partir del mes de agosto. La España de Franco empezó a prohibirla a partir del 10 de septiembre. Más tarde hasta Suecia, Brasil, Polonia y Portugal también la censuraron. Ante tanta presión, la Philips mundial cerró los ‘stocks’ del disco y, finalmente, lo retiró de la venta.
Se llegaron a decir toda clase de calumnias. Que Jane tenía menos de 18 años, que «follaban» como elefantes… Pero nadie pudo impedir que a finales del verano ‘Je t’aime… moi non plus’ hubiese vendido ya un millón de ejemplares. Jane dice que sus compatriotas, los ingleses, nunca entendieron bien la canción, pero fueron los que más la compraron. Fue la primera canción en la historia de las listas de éxitos inglesas que llegó al numero uno en otro idioma que no era el inglés. Estuvo en la listas durante 33 semanas. Los americanos no quisieron darle propaganda. Merury Records y sus ejecutivos la calificaron de obscena, simplemente.
Roger Vadim, que lanzó a la B. B. con «… Y Dios creó a la mujer», juntó a Brigitte Bardot y Jane Birkin en su película ‘Don Juan 73’ o ‘Si Don Juan fuese una mujer’. Y las expuso desnudas, con escenas de amor. A Serge le dio mucho morbo. Finalmente, en 1986, Brigitte Bardot aceptó que se publicara su versión, con una nueva mezcla para modernizarla, a cambio que los beneficios fueran para su asociación de defensa de los animales. No fue un éxito claro, salvo en Francia.
Serge Gainsbourg murió a los 62 años, en 1991. John Barry dejó este mundo hace un par de años. Había cumplido 77. Brigitte Bardot todavía vive y tiene 78 años. Jane Birkin tiene en la actualidad 66 años y su último disco apareció hace cinco. Se llamaba ‘Enfants D’Hiver’. La hija que tuvo con Serge es la famosa Charlotte Gainsbourg, que llegó a cantar con su padre la incestuosa canción llamada ‘Lemon Incest’, cuando sólo tenía 12 años.
La Bardot resumió hace dos años: «‘Je t’aime… moi non plus’ es el más maravilloso himno que se le ha hecho a hacer el amor, un homenaje único, verdadero, fantástico». Amén.
Fue John el que fichó a Paul para su banda cuando eran adolescentes. Hubo otros beatles además de George y antes que Ringo. Hamburgo y The Cavern les curtieron
Ricardo de Querol – 30 SEP 2013
Un adolescente John Lennon lidera su banda The Quarrymen en una imagen de 1957. / geoff rhind
Como tantos adolescentes en los años 50, John Lennon quería ser Elvis, y es una ironía que años después se conocieran y no sintonizaran en absoluto. Su madre Julia le ponía los discos del rey del rock y le había enseñado a tocar el banjo, pero no lo crió ella sino su tía Mimi. Al principio de todo, el jefe era John: a los 16 años lideraba una banda de imberbes llamada The Quarrymen. El encuentro con Paul McCartney que permitió una alianza extraordinaria de talentos se produjo el 6 de julio de 1957 tras una actuación de esa banda en una parroquia del suburbio de Woolton, en Liverpool. Paul, de 15 años, hijo de un frustrado músico de jazz y huérfano de madre, se ofreció a unirse con su guitarra. Un año después Paul llevó al grupo a George Harrison, todavía un año más joven, del que dijo a John generosamente: «Es mejor que yo».
Desde el encuentro en la parroquia hasta que The Beatles saltaron a la fama en 1962 pasaron más de cinco años en los que Lennon, McCartney y Harrison se presentaron bajo distintos nombres con otros muchos músicos que no llegaron a la cumbre, hicieron el acompañamiento para otros solistas y se curtieron en los escenarios de Liverpool y Hamburgo. Estas son cinco canciones que ayudan a entender a los Beatles cuando aún no eran estrellas. El valor documental compensa la pobre calidad de las grabaciones de la época.
Un modestísimo single. In spite of all danger es la primera canción original que se conserva y aparece en la primera grabación de The Quarrymen, que forman Lennon, McCartney y Harrison junto con Colin Hanton (batería) y John Duff Lowe (piano). La composición es de Paul y George. Era la cara B del single que grabaron, pagándoselo de su bolsillo, en los precarios estudios Persy Philips de Liverpool el 14 de julio de 1958. La cara A era That will be the day, versión de Buddy Holly.
Con Stu al bajo. En 1960 se incorpora el bajista Stuart Sutcliffe, Stu, que fue quien propuso el nombre The Beatles (inicialmente The Beatals, luego Long John and The Silver Beatles). Cayenne es uno de los raros temas instrumentales de la banda. Compuesta por McCartney, se escucha en una grabación hecha en su casa con tres guitarras y un bajo, recuperada por el macrodocumental y triple álbum Anthology (1995). Aún no eran nadie.
Fogueándose en Hamburgo. Unos Beatles hasta entonces muy verdes pasaron largas temporadas actuando en distintos clubes en la canalla ciudad portuaria alemana, donde dieron unos 280 conciertos entre 1960 y 1962. Para emprender el viaje incorporaron al batería Pete Best, el primero permanente, y allí se descolgó Stu, para dedicarse a la pintura y a su pareja, la fotógrafa Astrid Kirchherr, lo que obligó a Paul a coger el bajo. De esta época es esta curiosidad: el bolero Bésame mucho en la voz de McCartney, recogida en el disco, no autorizado, Live at the Star Club. «Nací en Liverpool pero crecí en Hamburgo», dijo después John.
Una banda de acompañamiento. En Hamburgo los Beatles contactaron con el rockero inglés Tony Sheridan, que se rodea de ellos (con Best, sin Stu) para su álbum My bonnie. En dos canciones Sheridan se echa un lado y deja el primer plano a los de Liverpool: una es este Ain’t She sweet, que canta Lennon (la otra es la instrumental Cry for a shadow). El álbum salió en 1962 y lo firman Tony Sheridan and The Beat Brothers. Dos años después, en plena beatlemanía, se reeditó con otros créditos: ahora eran The Beatles with Tony Sheridan.
Las noches en The Cavern... y Ringo. En su ciudad natal, los Beatles actuaron al menos 274 veces entre 1961 y 1963 en este sótano de Mathew Street. Fue aquí donde se hizo la primera filmación de The Beatles en directo de que se dispone: esta (muy editada) interpretación de Some other guy, un tema de Richard Barret, en agosto de 1962. Ringo Starr sustituyó ese día a Pete Best, todavía el titular, y alguien del público grita: «¡Queremos a Pete!». La formación que haría historia está lista. Ya apuntaban muy alto.
‘Complete Album Collection Vol. 1’ incluye más de 40 discos de estudio, grabaciones en directo y rarezas.
Por Rolling Stone
El próximo 5 de noviembre verá la luz Complete Album Collection Vol. 1, una enorme caja editada por Columbia/Legacy con más de cuarenta discos de Bob Dylan.
Incluirá nada menos que 35 álbumes de estudio (desde su debut homónimo de 1962 hasta el Tempest de 2012, muchos de ellos remasterizados), seis grabaciones en directo (con los discos Before the Flood de 1972 y MTV Unplugged de 1995) y un nuevo libro que disecciona en profundidad todos estos trabajo con las plumas de Clinton Heylin y Bill Flanagan.
La guinda la pone un doble disco con rarezas, singles, canciones para bandas sonoras y otras recopilaciones. Como curiosidad, se lanzará una versión digital de todo este material que llegará contenida en una armónica con USB.
DISCOS DE ESTUDIO
‘Bob Dylan’ (1962)
The Freewheelin’ Bob Dylan’ (1963)
‘The Times They Are A-Changin» (1964)
‘Another Side Of Bob Dylan’ (1964)
‘Bringing It All Back Home’ (1965)
‘Highway 61 Revisited’ (1965)
‘Blonde On Blonde’ (1966)
‘John Wesley Harding’ (1967)
‘Nashville Skyline’ (1969)
‘Self Portrait’ (1970 – newly remastered)
‘New Morning’ (1970)
‘Pat Garret & Billy The Kid’ (1973 – newly remastered)
‘Dylan’ (1973 – newly remastered)
‘Planet Waves (1974)
‘Blood on the Tracks (1975)
‘The Basement Tapes (1975)
‘Desire (1976)
‘Street Legal (1978 – newly remastered)
‘Slow Train Coming (1979)
‘Saved (1980 – newly remastered)
‘Shot of Love (1981)
‘Infidels (1983)
‘Empire Burlesque (1985 – newly remastered)
‘Knocked Out Loaded (1986 – newly remastered)
‘Down in the Groove (1988 – newly remastered)
‘Oh Mercy (1989)
‘Under the Red Sky (1990 – newly remastered)
‘Good as I Been to You (1992 – newly remastered)
‘World Gone Wrong’ (1993 – newly remastered)
‘Time Out of Mind’ (1997)
‘Love and Theft’ (2001)
‘Modern Times’ (2006)
‘Together Through Life’ (2009)
‘Christmas in the Heart’ (2009)
‘Tempest’ (2012)
DISCOS EN DIRECTO
‘Before the Flood’ (1972)
‘Hard Rain (1976 – newly remastered)
‘Bob Dylan at Budokan (1979 – newly remastered)
‘Real Live (1984 – newly remastered)
‘Dylan & the Dead’ (1989)
‘MTV Unplugged’ (1995)
‘SIDE TRACKS’
‘Baby, I’m In The Mood For You
‘Mixed-Up Confusion’
‘Tomorrow Is a Long Time’ (live)
‘Lay Down Your Weary Tune’
‘Percy’s Song’
‘I’ll Keep It with Mine’
‘Can You Please Crawl Out Your Window?’
‘Positively 4th Street’
‘Jet Pilot’
‘I Wanna Be Your Lover’
‘I Don’t Believe You (She Acts Like We Never Have Met)’ (live)
La aplicación recupera las grabaciones que que realizó el músico durante su viaje a las Bermudas, que luego se convirtieron en su último álbum
abc.es@abc_cultura / Madrid
Día 24/09/2013
John Lennon visitó las Bermudas en 1980 y allí compuso algunas de las canciones de su ultimo álbum «Doble fantasía». Ese es el hilo conductor de una nueva «app» que saldrá al mercado el próximo 5 de noviembre.
La aplicación incluirá algunas de las grabaciones en bruto que Lennon hizo durante el viaje, así como los material gráfico, que incluye los manuscritos de las letras y fotografías tomadas durante la escapada.
«John Lennon: The Bermuda Tapes», dirigida por el cineasta Michael Epstein y el artista digital Mark Thompson, también ha diseñado dos actividades interactivas.
Audios y vídeos
La primera de ellas se llama «Play» y permite que el usuario siga el viaje de lennon, que comenzó el día 6 de junio de Newport, cuando embarcó hacia las Bermudas con su hijo Sean (que tenía entonces con cuatro años). Durante la travesía, la tripulación tuvo que hacer frente a las inclemencias metereológicas y Lennon tuvo que ponerse al timón algunas veces. Se incluyen audios de Lennon y miembros de la tripulación describiendo el viaje e imágenes de los sitios que visitó el músico durante su visita en las islas.
La otra se denomina «Listen» y comprende las grabaciones de los temas que Lennon compuso durante su estancia. A lo largo del trayecto, el artista ponía esas grabaciones por teléfono a Yoko Ono, que se había quedado en Nueva York. Ella componía respuestas y se las tocaba a Lennon. Esas canciones supusieron la base de «Doble Fantasía».
Estas grabaciones no son desconocidas del todo. Yoko Ono ya publicó algunas en varias recopilaciones póstumas como «La antología de John Lennon» o «Acústico». Pero el músico grabó muchas versiones y «The Bermuda Tapes» muestra el proceso de cómo cambiaron muchas de ellas.
Los productores de la aplicación han afirmado que los beneficios irán destinados a WhyHunger, una organización benéfica.
El ex Beatle aprovechó su concierto del sábado en Las Vegas para presentar nuevo material de su próximo disco. Puedes escucharlo a continuación.
Paul McCartney
Por Rolling Stone
Paul McCartney, el ex Beatle que asegura que no se retirará nunca, estrenará su decimosexto disco, New, el próximo 15 de octubre. A menos de un mes para su lanzamiento, el músico aprovechó su directo del pasado sábado en Las Vegas para interpretar tres canciones del mismo: New, la primera y única canción que habíamos escuchado del nuevo trabajo hasta la fecha, Everybody out there y Save us. Puedes ecucharlas a continuación.
Estos tres temas no son las únicas novedades acerca del nuevo álbum: NME ha publicado hoy el que será el tracklist del disco. Es el siguiente:
1. Save us (producida por Paul Epworth)
2. Alligator (producida por Mark Ronson)
3. On my way to work (producida por Giles Martin)
4. Queenie eye (producida por Paul Epworth)
5. Early days (producida por Ethan Johns)
6. New (producida por Mark Ronson)
7. Appreciate (producida por Giles Martin)
8. Everybody out there (producida por Giles Martin)
9. Hosanna (producida por Ethan Johns)10. I Can Bet (producida por Giles Martin)
11. Looking at her (producida por Giles Martin)
12. Road (producida por Giles Martin)
El artista latino que más discos ha vendido en la historia, más de 350 millones, entra en su séptima década al pie del micrófono
Día 23/09/2013
1«La vida sigue igual» (1968)
abc – Julio Iglesias en 1968, en el Festival de la Canción de Benidorm
Es bien conocida la historia de Julio Iglesias: un accidente de automóvil truncó su carrera como portero del Real Madrid. Durante la recuperación, comenzó a tocar la guitarra, y así nació esta canción que triunfó en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm de 1968. El éxito de «La vida sigue igual» fue inmediato, consiguiendo el número uno en España. Los aplausos que se oyen al final de esta grabación ofrecen una buena muestra del furor que ya despertaba en el público. Fue el comienzo de la carrera de un seductor nato que conquistó el mundo con una voz que parece bañada en miel.
El próximo 12 de noviembre se editará ‘On Air – Live at the BBC Volume 2’, un nuevo álbum del cuarteto de Liverpool con 63 canciones. Disfrutemos del tráiler para amenizar la espera.
Por Rolling Stone
En 1994 se editó The Beatles Live at the BBC, lanzamiento que llegó al número 1 de ventas en Reino Unido y al puesto 3 en Estados Unidos, vendiendo más de 5 millones de copias en apenas seis semanas.
Ahora llega el segundo volumen de la colección con material de la BBC, On Air – Live at the BBC Volume 2, que se publicará en nuestro país el próximo 12 de noviembre, en formato doble CD y vinilo de 180 gramos, y que incluirá un libreto de 48 páginas.
Este nuevo lanzamiento del genial cuarteto de Liverpool incluye un total de 63 canciones, de los cuales 37 son tomas en directo nunca antes editadas. Además, hay 23 grabaciones inéditas de charlas, comentarios y bromas entre los miembros de la banda y los locutores de la BBC.
Diez de las canciones incluidas en este lanzamiento nunca fueron grabadas por el grupo para la discográfica EMI en los sesenta. Y es más, dos de ellas se estrenan en este nuevo disco: la actuación en directo de la versión del tema de Chuck Berry I’m Talking to you y una versión del standard Beautiful Dreamer.
“A menudo se nos olvida que nos estábamos formando como grupo. Ese sonido mono… No solía haber mezclas. Contábamos 1, 2, 3… y empezábamos a tocar. Me emociono al escuchar esas grabaciones”, rememora un Ringo Starr evidentemente nostálgico.
La banda muestra apenas 42 segundos de la filmación de sus conciertos del pasado mes de julio en Hyde Park.
Por Rolling Stone
A falta de confirmación de nuevos conciertos, los fans de los Rolling Stones por ahora tendrán que conformarse con la publicación el 11 de noviembre (en DVD, CD, LP y Blu-Ray) de lo mejor de los dos recitales que el pasado mes de julio la incansable banda ofreció en el parque londinense de Hyde Park.
Más de 100.000 personas asistieron a estos recitales, en los que Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ronnie Wood (con la colaboración de Mick Taylor en dos temas) celebraron su medio siglo dedicado al rock ofreciendo lo mejor de ellos, que no es precisamente poco a pesar de que todos ellos entraron ya hace bastante tiempo en algo así como ‘la edad madura’.
-> Mick Jagger asegura que los fans no quieren nuevas canciones de los Stones
Este nuevo souvenir en directo se titulará Sweet Summer Sun – Hyde Park Live y contendrá, como no podría ser de otra manera, clásicos del rock que aún hoy siguen atrapando a nuevas generaciones, tale scomo Start Me Up, It’s Only Rock n’ Roll, Ruby Tuesday, Honky Tonk Women, Jumpin Jack Flash, Sympathy for the Devil, Brown Sugar o (I Can’t Get No) Satisfaction). Sólo leer los títulos empequeñece al resto de bandas del planeta rock.
«Fueron grandes conciertos. Era bonito estar allí con el sol poniéndose sobre Hyde Park. No puedo pensar en una mejor manera de celebrar el 50 aniversario de los Rolling Stones que actuar en nuestra casa ante 100.000 fans en una gloriosa noche de verano», rememora Jagger. Quienes asistieron saben de la veracidad de sus palabras, y quienes se lo perdieron, ahora tienen un adelanto de apenas 42 segundos para ir haciéndose una idea de lo que está por llegar:
Una nueva biografía se acerca a la figura del guitarrista a través de entrevistas y apuntes del músico
Jimi Hendrix AP Photo / File
Libros | 20/09/2013 –
Madrid (EFE/Isabel Peláez).- Jimi Hendrix tocaba la guitarra con los dientes y llenaba los bares más lúgubres de Nueva York de un blues inconfundible. Murió con 27 años y, desde entonces, muchos libros han tratado de desvelar a este músico inimitable que incendiaba sus propios instrumentos y creía en el poder redentor de la música.
Ahora una nueva biografía, Empezar de Cero (Sexto Piso), se acerca a la figura de Hendrix a través de las propias palabras del músico nacido en Seattle en 1942 y que el autor Peter Neal ha reunido a partir de material audiovisual, entrevistas y apuntes.
El músico abandonó su hogar siendo un adolescente para demostrarle al mundo que la música no es solo cuestión de técnica, sino de tocar con las entrañas, y hoy su corta existencia es más comprensible con la publicación de esta biografía en la que Neal cede todo el protagonismo a las reflexiones del guitarrista.
La sangre india que le corría por las venas fue la que impulsó los latidos de un corazón rebelde, visionario, que adoraba «las puestas de sol, el rocío de la hierba y los relámpagos», según describe el propio Hendrix en el libro, concebido inicialmente como el guión de un documental que verá la luz a finales de año.
A mediados de los años 60, el guitarrista se coló en los primeros puestos de las listas de ventas con su grupo, «The Jimi Hendrix Experience», con el que recorrió varias ciudades europeas ofreciendo un espectáculo único en el que la fusión de «rock and roll, jazz y blues» se acompañaba de una inconfundible puesta en escena que acababa con las guitarras de Hendrix hechas añicos.
Las curvas de este instrumento lo convertían en el amante más fiel de Hendrix. La relación de amor-odio que mantenía con su guitarra se apreciaba en que, de pronto, Hendrix simulaba mantener relaciones sexuales con ella, para más tarde destruirla en un ritual violento que dejaba atónito al público de la época.
«Uno sacrifica las cosas que ama, y yo amo mi guitarra», explica el músico americano en Empezar de Cero, una obra «honesta» que se convierte en una introspección «sincera» de Hendrix, según la editora y traductora del libro, Raquel Vicedo, quien define al músico americano como un «abanderado de nada».
La contradicción que le oprimía el alma favoreció un comportamiento en ocasiones destructivo (Hendrix tuvo problemas legales por romper el mobiliario de una habitación de hotel), sobre todo consigo mismo. Él era su peor enemigo.
Sus tormentos tomaban forma de canción y su vida transitó por peligrosos terrenos donde confluían drogas, peleas y detenciones: «mi cerebro estaba lleno de cristales rotos, salían de mis sueños y me cortaban en la cama», dice en una de sus composiciones.
Los viajes de LSD le transportaban a un mundo mágico de experiencias «sensacionales y misteriosas», reconoce el propio Hendrix en el libro. La eclosión de todo tipo de drogas durante los años 60 precipitó trágicos finales entre artistas que, como Janis Joplin, se unieron al mantra hippie de liberar la mente.
El «speed», la heroína y el hachís no eran para Hendrix las peores drogas, sino que había otros artificios que significaban para él la verdadera esclavitud, como el «matrimonio y el dinero».
La guerra de Vietnam y los conflictos raciales en Estados Unidos fueron el contexto en el que Jimi Hendrix libró su propia lucha. La presión de las discográficas y del público le encerraron en una burbuja desde la que el músico reivindicó su derecho a estar solo.
Su mundo era «el hambre, los barrios pobres y el racismo feroz» y, la felicidad, «lo que puedes sostener en la palma de la mano», así consideraba el guitarrista la magia de los instantes, el placer que inhalaba con cada bocanada de humo y el tiempo que se le escurría inexorable entre los dedos.
El dinero nunca le preocupó, solo su música, tocar el último acorde, «fumar marihuana». La madurez le hizo más reflexivo y se acercó a una percepción del mundo más trascendental, cercana a la filosofía platónica: «comparado con el alma, el cuerpo es tan insignificante como un pez en el océano», dijo.
Jimi Hendrix se sentía así, como un minúsculo ser obligado a lidiar con las firmas discográficas y con unos «fans» que, en ocasiones, acudían a sus conciertos motivados más por el espectáculo que por el sentido de su música. Su reticencia a los imperativos comerciales se mantuvo siempre, «no puedes prostituir lo que es tuyo», lamentaba.
Hendrix murió el 18 de septiembre de 1970 en Londres a causa de una ingesta letal de barbitúricos y alcohol, un final un tanto indigno para tan brillante músico que no pudo cumplir uno de sus sueños: «tener mi propio país, un oasis para gente con mentalidad nómada», fantasea el músico en el libro.
Su desaparición solo fue física, ya que cada vez que alguien pincha uno de sus discos el guitarrista renace y cumple su último deseo: «cuando muera, solo seguid escuchando mis discos».
Publicado por diamantesmusicales en Noticias y tiene Comentarios desactivados en El diario El Mundo se hace eco del concierto de The Shouts en Santander
Con motivo de su visita a Argentina, primera en 25 años, el Boss ha subido a la red un vídeo cantando en la lengua de Cervantes el tema ‘Solo le pido a Dios’ de León Gieco. Puedes verlo aquí.
Bruce Springsteen
Por Rolling Stone
El pasado 14 de septiembre, la gira de Bruce Springsteen recaló en Buenos Aires, Argentina, país en el que el artista no actuaba desde hace 25 años. Para celebrarlo, el Boss subió anoche a Youtube un vídeo hablando en castellano que finaliza con una interpretación de Solo le pido a Dios, de León Gieco. Puedes verlo a continuación.
Como el propio Springsteen explica en el video, la última vez que el cantante actuó en Argentina fue en 1988, con una gira organizada por Amnistía Internacional. Ahora ha vuelto con su Wrecking Ball Tour, que ya pudimos disfrutar en España en junio de 2012.
El poeta estrenó canción durante su concierto en Dublín la semana pasada. Puedes escucharla aquí.
Leonard Cohen
Por Rolling Stone
Con nada menos que 78 años, Leonard Cohen no solo sigue dando conciertos por todo lo largo y ancho del globo sino que, además, sigue componiendo: prueba de ello es su nuevo tema, I´ve got a secret, que el músico interpretó el pasado jueves durante su concierto en Dublín. Puedes escucharlo a continuación.
Cohen se encuentra actualmente de gira presentando su último disco, Old Ideas. Publicado en enero de 2012, este álbum fue el primer trabajo del cantante en ocho años. ¿Significará este I´ve got a secret que el poeta ya trabaja en nuevo material?
Barcelona, 16 sep (EFE).- El cantante y compositor de música country Kris Kristofferson, más conocido en nuestro país por su faceta de actor, actuará mañana en la sala Barts de Barcelona, en la que será la única actuación en España de su actual gira, según ha informado hoy la promotora de conciertos The Project.
Kris Kristofferson es una figura clave del movimiento country de New Nashville de principios de los 70 y autor de temas como Me and Bobby McGee; Help Me Make It Through the Night; Sunday Mornin’Comi’Down y For the Good Times.
No obstante, el público más joven lo conoce por sus apariciones en películas como la saga Blade o la versión de Tim Burton de El Planeta de los Simios.
Tras el concierto de Barcelona, Kristofferson viajará a Gran Bretaña, donde ofrecerá siete conciertos en diferentes localidades.
* El ‘exbeatle’ anuncia la tracklist de su último disco, ‘New’
* Desde hoy se puede ver el vídeo del primer sencillo del álbum
El País – Madrid 16 Sep 2013
El músico británico Paul McCartney.
Se titula New (Nuevo). Lo que no deja de sorprender para un señor que lleva toda la vida en la música. Pero Paul McCartney sostiene que de verdad su último álbum es algo distinto. “Es curioso, cuando le pongo el disco a la gente les sorprende viniendo de mí. Muchos de los temas son muy variados y no necesariamente de un estilo con el que se me asocia. No quise que sonara todo igual. Disfruté mucho haciendo este disco”, asegura el músico en un comunicado. Hoy el artista ha anunciado la tracklist completa del disco, que saldrá a la venta el próximo 14 de octubre. Y también a partir de hoy se puede ver el vídeo del primer sencillo de New, titulado exactamente como el álbum.
Grabado entre Londres, Los Ángeles y Nueva York, el álbum contiene 12 canciones, el primer material en solitario que propone McCartney en seis años. Para ello, el exbeatle ha colaborado con cuatro productores: Paul Epworth, Mark Ronson, Ethan Johns y Giles Martin. “La idea original era contactar con un par de productores cuyo trabajo me encantara, para ver con cuál me llevaría mejor – pero al final resultó ¡que me llevé bien con todos! Hicimos algo totalmente distinto con cada uno de ellos, así que no fui capaz de elegir entre todos, y terminé trabajando con los cuatro”, aclara McCartney en la misma nota.
El último álbum con material inédito de McCartney hasta la fecha era Memory almost full, de 2007. El año pasado, sin embargo, el músico publicó el disco de versiones Kisses the bottom, una recopilación de las composiciones clásicas estadounidenses con las que el artista creció.
La tracklist de ‘New’
1. Save Us (producido por Paul Epworth)
2. Alligator (producido por Mark Ronson)
3. On My Way to Work (producido por Giles Martin)
4. Queenie Eye (producido por Paul Epworth)
5. Early Days (producido por Ethan Johns)
6. New (producido por Mark Ronson)
7. Appreciate (producido por Giles Martin)
8. Everybody Out There (producido por Giles Martin)
Stevie Nicks, la otra cantante de la banda, ha confirmado que McVie actuará en dos conciertos de su próxima gira, que arranca el 20 de septiembre
Fleetwood Mac, en su época de máximo esplendor
abc.es@abc_cultura
Día 16/09/2013 – 11.14h
Stevie Nicks ya había dado a conocer que Fleetwood Mac saldría de gira europea este año. Ahora, cuando la fecha del comienzo del tour se aproxima (comienza el 20 de septiembre en Dublín), la cantante de la banda ha aegurado que Christine McVie se reunirá de nuevo en el escenario con ellos.
Según ha afirmado Nicks a la BBC, McVie actuará en dos conciertos de la gira interpretando una canción. La cantante, que formó parta del grupo desde los setenta hasta los noventa, abandonó Fleetwood Mac en 1998.
Stevie Nicks no ha aclarado en qué dos conciertos se producirá la actuación de McVie ni ha revelado cuál será exactamente el tema que interpretará, aunque ha indicado que probablemente sea «Don’t Stop», el mayor éxito firmado por ella.
Próximamente podría ver la luz un trabajo al estilo de ‘Made in Heaven’, disco de material inicialmente descartado publicado tras la muerte del carismático vocalista.
Por Rolling Stone
El guitarrista y el baterista de Queen, siempre buceando de manera incansable en el catálogo más oculto de la banda británica, parecen haber encontrado material inédito registrado con la voz de Freddie Mercury, con el que podrían confeccionar todo un nuevo álbum.
Según parece este nuevo material son maquetas y bocetos de canciones incompletas, con las que se podría hacer una especie de ‘Made in Heaven 2’ (el disco póstumo publicado por Queen en 1995, casi cuatro años después del fallecimiento de Mercury).
Este hipotético nuevo álbum de Queen incluiría también los duetos grabados por Freddie y Michael Jackson en 1983, de cuya publicación ya se habló hace unas semanas, llegando incluso a señalar al próximo otoño como posible fecha de lanzamiento.
«Creíamos que habíamos encontrado todo el material en el que trabajamos en su momento, pero lo cierto es que han aparecido desde diversas fuentes algunas cosas olvidades que son interesantes, incluyendo el material de Freddie con Jackson», ha explicado May a la iHeart Radio, para después añadir: «Hace unas semanas pensamos que tal vez deberíamos trabajar en esos retales pensando en todo un álbum completo. Podría ser».
Acerca de las canciones con Michael Jackson, el productor William Orbit ya dijo en su momento que Brian May y Roger Taylor han agregado «solos de guitarra y armonías vocales» al estilo del grupo. El propio guitarrista del grupo reconoció que este trabajo fue «emocionante, desafiante y muy exigente a nivel emocional. Pero genial».
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Sus grandes himnos son bien conocidos. Nos centramos en esta ocasión en descubrir esas otras canciones menos conocidas de este gran pintor, cineasta y cantautor
Pablo Martínez Pita / Madrid
Día 13/09/2013
1«Rojo sobre negro»
abc – Luis Eduardo Aute en la época de su primer disco
Tras haber compuesto para otros artistas, Aute se decidió a cantar él mismo sus canciones. «Rojo sobre negro» forma parte de su primer disco, «Diálogos de Rodrigo y Gimena» (en el que se incluía su famoso «Aleluya nº 1». Después fue reutilizada por su autor en dos álbumes, «Entre amigos» (1983) en versión en directo, y nuevamente grabada en «Autorretratos Vo. 2». Es una buena muestra de su poesía romántica e hiriente.
El cantante interpretó la canción durante un concierto de su mujer, Pegi Young.
Por Rolling Stone
Neil Young
Imaginen las caras de los menos de 300 asistentes del Johnny D, un pequeño local de Somerville, Massachusetts, cuando en un concierto de Pegi Young & The Survivors aparece sobre el escenario, sin avisar, el marido de Pegi, Neil Young. Y eso no fue todo: por si no había sido bastante con su aparición, al final del concierto el músico dejó caer un nuevo tema propio, Drive my car, que el público se encargó de grabar. Puedes escucharlo a continuación.
El pasado mes de agosto, Neil Young & Crazy Horse cancelaron su gira Europea debido a una fractura en la mano de Frank «Poncho» Sampedro. El guitarrista, en una entrevista a Rolling Stone a principios de año, afirmó que éste podría ser «su último tour». ¿Les veremos por España antes de su retirada?
