La cita es en la explanada del Museo Guggenheim.
Por Rolling Stone

«¡Robert Plant desplegará todo su arte en la explanada del Museo el 14 de septiembre! ¿Nos podrías decir a qué banda de rock ha dado voz esta leyenda de la música?»

Con este escueto comunicado el Museo Guggenheim de Bilbao anuncia el concierto del que fuera vocalista de Led Zeppelin, en apenas un mes, y sin ofrecer más información sobre la venta de entradas, precios y horarios, provocando, como no podría ser de otro modo, una marea de comentarios inquietos y decenas de personas suplicando algo más de información sobre el recital en cuestión.

Se desconoce cuál será el formato concreto del concierto, pero cabe recordar que en sus más recientes actuaciones ha interpretado clásicos de Led Zeppelin como Black dog, Going to California, What is and what should never be, Whole Lotta Love o Rock and Roll. Esta es la única cita que el icónico vocalista tiene por ahora confirmada en España.

http://rollingstone.es/noticias/view/robert-plant-en-bilbao-el-14-de-septiembre

La voz que abrió las puertas del éxito a multitud de artistas falleció el 16 de agosto de 1977

16/08/2013

Una fan de Elvis Presley enciende una vela en Graceland. Nikki Boertman | Ap

Madrid. (Efe).- Ya lo dijo el propio John Lennon en una ocasión: «Antes de Elvis no había nada». Sin embargo, lo que nadie predijo es que hoy, 36 años después de su muerte, el mito siguiera vivo con el mismo brillo incandescente que desprendió en vida. Y es que Elvis Aaron Presley (1935-1977) sólo ha habido y habrá uno. Los demás son sucedáneos o, simplemente, meras copias que jamás llegarán al nivel del original. La superestrella del rock y su voz de oro se apagaron tal día como hoy en 1977.

Sus excesos, también de pastillas, le costaron caro. Se dijo que había muerto de una parada cardíaca. No obstante, las causas de su fallecimiento todavía hoy siguen siendo un misterio. Esa aureola de incertidumbre que envolvió su muerte rodeó también sus últimos años de vida. Seductor innato, siempre con su tupé perfecto aderezado con tres aceites diferentes para que permaneciera intacto sobre el escenario, Elvis cautivaba con la mirada y enloquecía con su voz.

Sus espectaculares movimientos de cadera fueron prohibidos durante la década de los 50, cuando un magistrado de Florida le calificó como un «salvaje que estaba socavando a la juventud con su música». Aquel juez se quedó corto, pues el socavón que la estrella del rock dejó llegó a ser de tales dimensiones que aún no se ha podido rellenar. Con solo 42 años, Elvis dejó para la historia éxitos musicales, interpretaciones memorables, películas y un físico deteriorado al final de sus días, pero que todavía se mantiene firme en la cultura popular de Estados Unidos y del mundo.

No solo el cine y la música se rindieron a su carismática figura: Elvis también protagonizó la primera transmisión vía satélite de la historia de la televisión. Su concierto Aloha from Hawaii de 1973 fue el primer show que se emitió en directo en la pequeña pantalla, seguido por millones de personas al mismo tiempo. Elvis colapsaba las listas de éxitos, dominadas por sus sencillos, con los que consiguió más de treinta números uno. El reconocimiento de la «superestrella» no podía ser mayor. Sin embargo, tras el tremendo impacto de sus canciones y películas en el mundo entero, comenzó el declive de la voz de oro, ya en la década de los 70.

El precio de la fama y su creciente adicción a los estupefacientes desencadenaron el inevitable final. Fue entonces cuando la picardía de su frescura juvenil se desvaneció, y el superhombre seguro de sí mismo, motivado y consciente de lo que estaba haciendo desapareció. Elvis necesitaba satisfacer al instante todos sus caprichos y que los cumplidos de sus aduladores jamás cesaran. Drogas, armas, hamburguesas XXL, despilfarro a raudales, el rey del rock sucumbía a todas las tentaciones y pecados imaginables.

Poco quedaba ya del alocado bailarín y conquistador infatigable. En sus últimos años, la estupenda figura del artista se había desvanecido disuelta en treinta kilos de más, lucía flequillo y patillas colosales, pero ante su público ya no era el mismo. En su último año de vida, en Alexandria (Luisiana), el intérprete estuvo en el escenario algo menos de una hora. Tampoco pudo presentarse en Baton Rouge, pues no fue capaz de levantarse de la cama del hotel en el que se hallaba. Finalmente, la gira se canceló. Way Down, el último sencillo de Presley, se publicó el 6 de junio de 1977, y su último concierto tuvo lugar en el pabellón Market Square Arena de Indianápolis el 26 de ese mismo mes.

Ese fue el punto final a una carrera meteórica, apenas dos meses antes de su muerte. El 16 de agosto de 1977, Elvis Presley dijo adiós. Cuentan que su última comida fueron cuatro bolas de helado y seis galletas de chocolate. La voz de oro del rock and roll mundial se había esfumado tras un tortuoso paso por este mundo, entre éxitos y decadencia. Comenzaba así la leyenda y mito de un icono mundial, adorado por legiones de fans que todavía corean gloriosos el nombre del que probablemente ostentará por siempre el título de El Rey.

http://www.lavanguardia.com/musica/20130816/54378593783/elvis-presley-aniversario-muerte.html

Hay muchas versiones de My way, una canción que tuvo varias letras e identidades hasta que llegó a La Voz, pero sólo una manera de entenderla, la de Sinatra. Su versión es la que ha sobrevivido, y él fue el único capaz de sobrevivir casi tres décadas a un éxito que parece estar maldito.

Por P. M. Vico
15.08.2013 |

Sinatra y Mia Farrow, en su época de casados

En el verano de 1966, Frank Sinatra, quien poco antes había cumplido 50 años y un cuarto de siglo de gloriosa carrera en el cine y la música –con algunos altibajos salvados con la ayuda de la amistad… y ‘la familia’– se casó, en una de sus decisiones más extrañas, con una joven actriz de apenas 20 llamada Mia Farrow, famosa por su papel en la adaptación televisiva de Peyton Place. Sinatra, que había lidiado durante años con toda una hembra real, Ava Gardner –quién bromeó sobre el enlace declarando “sabía que Frankie acabaría liándose con un chico”– pronto descubrió que aquella no había sido una buena jugada.

Al principio, Mia acató sus requerimientos para que aparcara su carrera a un lado, y de hecho abandonó su papel en Peyton Place, pero cuando su marido exigió que rechazara el papel que Roman Polanski le ofrecía en La semilla del diablo (1968) dijo que nanay. Más aún, finalizado el rodaje acabó ‘fugándose’ a la India en compañía de toda una compañía de hippies que incluía a los cuatro Beatles, Donovan y un gurú de lo más raro. Si Frankie abrió el buzón un día de 1968 esperando una postal, se encontró con los papeles del divorcio. De pronto, el gran seductor se había convertido en un personaje un tanto tragicómico, un cincuentón perdido en un mundo nuevo, con nuevas reglas; básicamente, Frankie estaba ‘gagá’ entre tanto ‘yeyé’. No sabía que precisamente un ‘peludo’ le iba a salvar la carrera, que gracias a él iba a pasar de ser historia a convertirse en un mito indestructible.

Más o menos por las mismas fechas Claude François, un cantante francés que llevó el peinado a lo tazón a sus límites concebibles, había roto una relación de casi tres años con otra rubia, France Gall, que según el sátiro Serge Gainsbourg se daba una maña tremenda con las piruletas de anís (Les sucettes). François decidió convertir aquello en una oportunidad, y le pidió a Jacques Revaux y Gilles Thibaut una canción que reflejara su dolor y de paso le permitiera evolucionar de ídolo ‘yeyé’ a sucesor de Jacques Brel, que poco antes había anunciado su decisión de retirarse, y a quien Scott Walker había puesto en órbita entre la modernidad de la época. Los compositores tenían un baladón, For me, que no sabían muy bien a quién endosar, y con algunos cambios en la letra y un nuevo título, Comme d’habitude (Como de costumbre), se la cedieron a ‘Clo-cló’, que la grabó en 1967 con cierta repercusión. Su nueva letra reflejaba la melancolía de un hombre para quien la vida y el amor se habían convertido en algo monótono. Un poco cursi, la verdad.

Paul Anka, de vacaciones en Francia, la escuchó y compró los derechos. Era buen material, y decidió ofrecérsela a Sinatra, a quien no le era fácil encontrar estándares a su altura; durante décadas había sido La Voz, un tipo capaz de fagocitar cualquier composición, pero ahora por primera vez las canciones pertenecían a quienes se las trabajaban; por mucho y muy bien que regrabara Yesterday o Mrs. Robinson, jamás superaría las originales de Beatles o Simon & Garfunkel. Lo que necesitaba era un tema que entrara en el “programa de protección de canciones” de Frankie, al que pudiera cambiar de identidad y dar una nueva vida. Y eso es lo que sucedió con Comme d’habitude, que gracias a la nueva letra de Anka era toda una reivindicación, una declaración de principios. La nueva versión se editó en 1969 titulada, contundentemente, My way.

Lo más curioso es que Frank no sólo impuso en el tema su sello personal, sino una maldición. Quizá porque la nueva letra empezaba “Ahora que el fin está cerca…”, la canción se llevaría por delante a cualquiera que intentara pasar a la posteridad con ella. Elvis Presley la grabó en directo para Elvis in concert… y fue su gran single de despedida. Sid Vicious no sobrevivió a su impactante versión para El gran timo del rock’n’roll. Y el mismísimo Claude François decidió grabar un álbum en inglés en 1977 e incluir en el My way con la letra ‘de Sinatra’, y la intención de consagrarse en el mercado americano. Meses después, moría electrocutado en el baño.

CINCO MANERAS DE CANTAR ‘MY WAY’

CLAUDE FRANÇOIS, 1967 & 1977
La grabó primero en francés como Comme d’habitude, y una década después como My way, para un álbum en inglés destinado al mercado americano editado póstumamente, ya que falleció en un accidente casero. Curiosamente, nunca llegó a conocer a Sinatra.

FRANK SINATRA, 1969
Pese a que todos consideraban que tenía madera de clásico, a Sinatra no le entusiasmaba la canción. La grabó casi obligado por las circunstancias y, de hecho, pocos años después decidió retirarla de su repertorio en directo, aunque le fue imposible: el público la exigía una y otra vez.

NINA SIMONE, 1971
La primera gran versión en femenino, aunque olvidada. Nina, en pleno período de activismo social y emocional, cambió completamente el ritmo y los arreglos (que, por cierto, Bill Conti casi plagiaría para el híperfamoso tema de Rocky) la grabó, dio un portazo y se fue de EE UU, prácticamente para no volver.

ELVIS PRESLEY, 1977
‘El Rey’ la empezó a incluir en su repertorio a principios de los setenta, y llegó a grabarla aunque no se editó, pero se decidió a darlo todo con ella con una tremenda versión en directo que grabó poco antes de morir y se convirtió en éxito, superando en listas a la de Sinatra… de nuevo a título póstumo.

SID VICIOUS, 1978
Originalmente, My way tuvo más repercusión en las islas británicas que en Estados Unidos, así que Sid se hartó de escucharla cuando era adolescente. La grabó a los 20, pero hizo realidad aquello de “Ahora que el fin está cerca…” ya que murió poco después. Impactante interpretación, pistola en mano (y también revelada póstumamente) en El gran timo del rock’n’roll.

http://rollingstone.es/specials/view/my-way-la-vida-secreta-de-las-canciones

Una ley estadounidense regula que los compositores pueden recuperar sus temas publicados antes de 1978 tras 56 años

Elena Carreras
Paul Mcartney durante su concierto del pasado marzo en Barcelona

Ana Mellado / Londres

Día 16/08/2013

Paul McCartney y Michael Jackson cambiaron las reglas de la composición moderna con unos estilos muy opuestos, que en ningún momento impidieron que congeniaran desde el primer minuto tras conocerse a principios de las década de los 80. La íntima relación entre las dos leyendas de la música, fraguada al calor de la grabación de «Say, say, say» resultó fugaz e intensa a partes iguales. Las ansias de Jackson por extender su fortuna dinamitaron en 1983 su amistad, después de que el rey de pop comprase por unos 47 millones de dólares los derechos de reproducción de 260 canciones de los Beatles compuestas entre 1964 y 1970.

Casi tres décadas después y varios intentos de recuperar el control sobre temas como «Yesterday», «Hey Jude» y «Michelle», Paul McCartney podría ver resarcidas sus heridas, ya que según la Ley de Derechos de Autor de EEUUde 1976, los compositores pueden obtener el control de los derechos de sus canciones publicadas antes de 1978 siempre que hayan pasado 56 años. Temas como «Love Me Do», publicada en 1962, pasarán a manos de su autor en 2018, mientras que «Let It Be» estarán disponibles hasta 2026.

En el caso de que el autor de las obras muera antes de que se cumplan los 56 años, como el caso de John Lennon, algún heredero puede hacerse acreedor de dichos derechos, que en este caso sería Yoko Ono, según sentencia la ley.

A sus 71 años y con un patrimonio valorado en más de mil millones de dólares, Paul McCartney por fin podrá rescatar la primera parte de sus composiciones hasta ahora en manos de Michael Jackson y la compañía Sony, a quien el fallecido rey del pop se vio obligado a venderle parte de los derechos asediado por las deudas en 2006.

Un consejo envenenado

Nadie como Jackson sabe dilapidar una fortuna y una relación en cuestión de meses. A mediados de los 80 nadaba en la abundancia económica, gracias a su disco «Thriller», del que vendió más de treinta millones de ejemplares en todo el mundo, y pidió consejo a su buen amigo Paul sobre cuál sería la mejor manera de invertir sus ganancias. McCartney le aconsejó entrar en el mundo de las editoriales de canciones, así que Michael Jackson ni corto ni perezoso compró el catálogo del quinteto de Liverpool.

«Pensé que era un chiste cuando me lo dijo. Ni por un momento se me pasó por la cabeza que fuera a comprar mis canciones», reconoció McCartney.

Desde aquel momento apenas volvieron a mantener contacto alguno, entrando en un continuo cruce de acusaciones que evidenciaban cómo el rencor del exbeatle hacia Jackson permanecía inmune al paso del tiempo. En una entrevista concedida en 2006, McCartney cargaba los dardos dirigiéndose directamente a él: «Sabes que no sienta muy bien salir de tour y tener que pagar por cantar todas mis canciones».

A pesar de que nunca enterraron el hacha de guerra y no volvieron a mantener ningún encuentro amistoso, en 2009, tras la muerte de Jackson, Paul McCartney reconoció que su distanciamiento no resultaba óbice para negar el «gran talento de un chico con alma dulce del que siempre guardaría un buen recuerdo».

http://www.abc.es/cultura/musica/20130816/abci-paul-mcartney-derechos-beatles-201308151916.html

Entrevista realizada por Diamantes Musicales al grupo argentino The Shouts Beatles Tribute Band con motivo de la gira que llevaran a cabo por España a partir del jueves día 12 de septiembre en Barcelona.

¿Creéis que alguno de ellos en especial influyó, a modo de líder, en los demás?

Puede ser que Lennon haya sido el gran guía de todos, pero de todas formas cada uno aporto lo suyo, siendo Paul su compañero y mano derecha, George dando la magia y el alma a la banda, y Ringo el incondicional que los unía a los otros tres. En lo musical fueron cuatro complementos perfectos, mucha casualidad que se hayan conocido para lograr semejante banda.

¿Hay en la actualidad interés por los Beatles, en la juventud de los argentinos?

Hay muchos jóvenes en Argentina que se compran sus discos y disfrutan de The Beatles. De hecho en los shows vienen niños de 5 o 6 años, quienes son influenciados por sus padres quizás y se creen que están viendo a los verdaderos Beatles, tienen esa sana ilusión. Nosotros felices de que asi lo vivan, salvando que claramente Los Beatles fueron Los Beatles, y nosotros simplemente un homenaje a la banda que nos cambió la vida.

¿Pensáis que de haber continuado unidos hubieran podido mantenerse arriba?

No sabemos qué hubiese pasado pero creemos que en algún momento se separarían, como habiendo cumplido cada uno su rol de banda. Ya estarían en cierto momento con ganas de hacer sus carreras solistas, como así verdaderamente fue. Claramente y por separado estarían siempre arriba, unos más que otros, pero nunca dejaran de ser Beatles, y eso hará que nunca puedan bajarse de ese tren.

¿Que podría haber supuesto la continuación en la banda de personas como  Pete Best y Stuart Sutcliffe?

Difícil pregunta para responder…podrían haber pasado muchas cosas y diferentes. La verdad que se hace muy complicado pensar qué hubiese ocurrido, aunque sin dudas a algo hubiesen llegado ya que Lennon, McCartney y Harrison eran genios y ya con eso hubiesen logrado cosas grandes.

¿Si tuvierais que escoger un solo disco de Beatles, cual seria y por qué?

En esta pregunta nos matamos jajaja cada uno tiene algún disco con el que se tiene más cariño, no todos pensamos igual pero pueden ser Revolver, Abbey Road y Sgt Pepper.

¿Siendo jóvenes como sois, creéis que nosotros los que vivimos aquellos años de gloria,  estábamos locos o es que nos dejamos llevar por ellos?

Ellos emanaban algo mágico y contagioso que sigue vigente hasta en las nuevas generaciones. Es música atemporal, nunca va a pasar de moda. Sin dudas si las generaciones que lo vivieron estaban locas, las demás seguiremos locas entonces. Revolucionaron y lo cambiaron todo, desde lo musical y hasta otras cuestiones como la estética, la moda, política y cultura. Fueron mucho más que gigantes músicos y eso fue lo que generó en la gente de antes y de ahora.

¿Los Beatles de haber existido ahora en la época de las nuevas tecnologías, habrían triunfado y vendidos más aún si cabe?

Sin dudas que sí, hubiesen sido aún más grandes. Pensemos que en ese entonces no existía Internet y las mil formas de comunicación que hoy existen. Cómo se explica entonces que sin esas herramientas en cuestión de 2 años desde que tocaban en The Cavern hasta su presentación en los EEUU se hicieron famosos mundialmente.  Eso demuestra su grandeza y capacidad, fueron realmente gigantes.

¿Igual que a ellos les pasaba,  a vosotros, que otros músicos os gustan más de aquellos años?

De aquella época nos encantan también The Kinks, Elvis, Rolling Stones, Gerry & The Pacemakers, Beach Boys, Carl Perkins, Chuck Berry, Bob Dylan, The Doors, Pink Floyd y muchos más.

¿En las giras que lleváis a cabo, os sentís como si fuerais ellos mismos manteniéndolos vivos?

Con humildad siempre decimos primero, que son nuestros ídolos y jamás estaremos por sobre ellos…más allá de eso nos pasan cosas muy divertidas debido a que mucha gente se genera esa ilusión de estar viendo a los originales jajaja. Nos persiguen a los hoteles donde estamos, gritos eufóricos en los shows o cuando nos ven por ahí, recibimiento de fans en los aeropuertos, autógrafos, fotos….y así muchas más…solo que a una escala muchísimo menos a Los Beatles jajaja. La idea de la banda es mantenerlos vivos con nuestro aporte, es la manera de recordarlos junto a nuestro público.

¿Qué influencia social tuvieron entonces en Sur y Centro América y en especial en Argentina?

Quizás como nunca tocaron suelo argentino como banda, eso los hace más inalcanzables o superiores. Los europeos y norteamericanos tuvieron la oportunidad de poder disfrutarlos en vivo y en carne y hueso, cosa que en América Latina fue imposible. Por eso cuando Paul o Ringo vinieron por estas tierras han llenado varios estadios y generaron algo muy fuerte con sus fans. Paul vino por primera vez  a la Argentina en 1993, es decir 23 años después de la separación de la banda, de manera que la gente tenía “abstinencia beatle” y su visita aquella vez fue realmente inolvidable, un recuerdo para toda la vida. Lástima que aun nosotros como The Shouts éramos muy pequeños y no pudimos ir, aunque sí lo hicimos en 2010.

¿Cultural y sociológicamente que supusieron los Beatles para la juventud mundial?

Los Beatles en la juventud significaron un verdadero cambio del pensamiento común. Les hicieron ver las cosas de otra manera, como nombrábamos antes, un cambio político, cultural y musical.

¿Qué opinión os merece cada uno de ellos como instrumentistas?

Lennon fue el mejor guitarrista rítmico de la historia, solo consta de prestar atención a lo que hacía en cada canción. En cuanto a la composición no hay mucho que agregar, un genio con todas las letras. McCartney cambió la manera de tocar el bajo, con líneas mucho más rebuscadas y hermosas al oído, ya no solo era acompañamiento sino que también le daba belleza a las composiciones. Harrison era magia pura, un virtuoso de la guitarra, demostró que no hace falta velocidad ni cantidad de notas para transmitir lo que solo él podía dar cuando tocaba. Daba justo las notas que tenía que tocar, ni más ni menos. Ringo rompió es esquema rítmico, prestar atención a «Ticket to ride» o «A day in the life» para darse cuenta que no fue el beatle menos capaz como algunos dicen sino que aportó desde su lado y dejó un gran legado a los bateristas que luego siguieron su manera de tocar.

¿Creéis que de no haber consumido drogas, hubieran compuesto algunas de sus canciones?

Esa pregunta tiene una respuesta relativa…las drogas quizás les permitían ver la vida desde otra perspectiva, aunque creemos que no son determinantes. Donde quizás haya tenido mayor peso fue en la psicodelia, disco Sgt. Pepper y Magical Mystery Tour. Su genialidad venia en los genes, y no en la droga.

¿Qué supusieron para los Beatles, George Martin, Brian Epstein y Phil Spector?

George Martin, Brian Epstein y Phil Spector  lograron sumar a lo que ya era espectacular de los cuatro. Martin y Spector desde el estudio y la composición y Epstein desde el management y la visión. Hicieron que el combo fuese realmente perfecto, los 7 hablaban el mismo idioma, se entendían perfecto.

¿Qué crédito os merecen como compositores?

Tienen muchísimo crédito, realmente han compuesto maravillosas canciones en el caso de Martin y Spector, y el otro, Epstein, hizo que el talento de los 4 de Liverpool se mostrara al mundo, no es poca cosa.

¿Sus películas contribuyeron en algo positivo o negativo para los Beatles?

Las películas no creemos que hayan contribuido tanto. Son divertidas e interesantes pero si nunca las hubiesen hecho no tendrían menos fama. De todas maneras las recomendamos ver todas ya que cada una tiene lo suyo, son muy diferentes entre sí.

 Para mayor y mejor conocimiento de quines son The Shouts Beatles Tribute Band, entra en:

http://www.theshouts.com/

* El sello Columbia edita una edición especial del polémico disco ‘Self portrait’, con 35 rarezas y grabaciones inéditas

El País – Madrid 7 Ago 2013 –

Portada del disco ‘Self portrait’, de Bob Dylan.

A Bob Dylan no le sirvieron las seis intentonas que perpetró de la canción Pretty saro durante la grabación de su décimo disco, Self portrait, en marzo de 1970. El cantante estadounidense relegó al olvido este clásico del folk británico y se concentró en el resto del álbum. Con poca fortuna. “¿Qué es esta mierda?”, espetó el periodista Greil Marcus en la edición estadounidense de la revista Rolling Stone. Su colega Robert Christgau fue algo más moderado y se limitó a darle un aprobado en Village Voice. Más de cuatro décadas después Columbia y Dylan se tomarán la revancha el próximo 27 de agosto con The bootleg series vol. 10. Another self portrait (1969-1971).

En una caja se reúnen 35 rarezas y grabaciones inéditas, disponibles en edición estándar (dos CD), vinilo (tres LP) y una edición de lujo en cuatro CD que incluye por primera vez y remezclado a partir de las cintas originales, el histórico concierto del festival Isle of Wight en agosto de 1969 con The Band.

Pretty saro aparece en forma de vídeo musical en las ediciones digitales de Rolling Stone. La cineasta Jennifer Lebeau, responsable del clip, ha hecho una selección de un total de 1.200 fotografías, tomadas entre 1940 y 1960, conservadas en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. “Quería mostrar ese amor no correspondido en un mundo que se presupone triste, y en el que, sin embargo, la gente siempre se muestra feliz”, explicaba Lebeau a la revista.

La realizadora, responsable también del vídeo que Dylan grabó con la cadena estadounidense MTV en 1994, ha sustentado este trabajo en las mujeres. “Trata sobre granjeras y lavanderas”, apuntó, “pero también sobre aquellas mujeres que durantes esas tres décadas fueron responsables de centros de trabajo o diseñaron aviones”.

Self portrait se convirtió en el primer álbum con el que Dylan dividió a la crítica. Aún así, la fama y su trabajo le precedían, por lo que subió al número 4 en la lista Billboard de Estados Unidos, coronándose en el primer puesto de los rankings británicos. Durante la grabación, el artista estuvo acompañado por músicos como David Bromberg (guitarra) y Al Kooper (teclados, guitarra), añadiendo después nuevos instrumentos en Nashville con Bob Johnston como productor.

El Dylan de esta edición especial es el cantante country de Nashville skyline, un intérprete de folk clásico, además del artista capaz de enfrentar las melodías de algunos de sus coetáneos en temas como Annie’s gonna sing her song, de Tom Paxton y Thirsty boots, de Eric Andersen.

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/08/07/actualidad/1375895557_390566.html

La cantante Bonnie Tyler, mujer de voz cuarteada y con el oficio abollado, pero memorable en la evocación de su carrera artística

Luis Hidalgo – 6 ago 2013

Bonnie Tyler, en Peralada. / Pere Duran

Verano en la costa. En la Costa Brava Sur, la más popular, la de los bronceados acangrejados, ristras de familias en pantalón corto, camisetas del Barça, mucha discoteca, pulseritas de grupo turístico y algún sombrero mexicano. Es el festival de Lloret, que este año abría actividades también en Blanes y en Tossa, quizás para decir que Lloret y Tossa no tienen tantas diferencias entre sí, que ya es decir. La cosa es que el centro fue Lloret, y el centro del centro Bonnie Tyler, el concierto central del segundo y último día de Costa Brava Sur.

Bonnie Tyler, una operaria de la música. 62 años y vestida como si tenerlos obligase a vestuarios de ciencia ficción gótica: negros y plateados, túnica, cadenas de bisutería en las prendas y maquillaje próximo al estucado. Melena rubia y oficio para entretener durante cerca de hora y media a unos centenares de espectadores que bien en modo familiar —hijos adormeciéndose a partir de la cuarta pieza—, pareja madura —recordando veranos pretéritos y celebrando el presente— o turista que no solo quiere sol y arena —y luego descubre que tampoco un concierto de Bonnie Tyler— ocuparon plaza sobre el césped natural del recinto deportivo que acogió el festival. Por cierto, los trabajadores del mismo llevaban un llamativo 12 a la espalda: ¿razón? este año no hubo presupuesto para camisetas. Festivales del enésimo verano de crisis.

Bonnie Tyler no conoce la crisis, solo tirar de oficio y recordar los tiempos en los que fue famosa. Solo un ratito, pero famosa. La voz se le ha cuarteado hasta ser no solo áspera, pero para eso estaban los músicos, para hacer coros. El repertorio no fue muy sólido, comenzó con una atroz versión de Have you ever seen the rain de Creedence y atacó un par de temas de Tina Turner recordando cuando de chavala los cantaba en su habitación. Abordó sus hits añejos (It’s a heartache en cuarto lugar, luego Total eclipse of the heart, Lost In France…) y en un tiernísimo gesto presentó a su marido haciéndolo salir al escenario con su aspecto de consorte confeso antes de cantar Amazed. Y esa fue un poco la clave de Bonnie Tyler, una mujer a la que luego no se haría extraño ver pasear con su marido por Lloret en busca de un sombrero mexicano. Una mujer con el oficio abollado, pero entrañable en la evocación de su carrera artística.

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2013/08/05/catalunya/1375723647_125512.html

Este sábado 3 de agosto se cumplen 50 años de su último concierto en The Cavern, el legendario club en Liverpool donde irrumpieron. Fue su despedida del público que les convirtió en héroes locales: pocas semanas después la ‘Beatlemanía’ cambió todo para siempre.

Por Ívar Muñoz-Rojas

02.08.2013

Los Beatles en The Cavern

292 conciertos en dos años y cinco meses. Este extenuante calendario fue el de los Beatles en The Cavern, el club en Liverpool que se hizo legendario en los primeros 60 por ser donde nuestros protagonistas dieron sus primeros pasos a la fama. Llegaron a este sótano, otrora refugio para los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial, como unos pipiolos desaliñados, y salieron siendo unos héroes locales, dispuestos a comerse el mundo.

El 3 de agosto de 1963 dieron su último concierto en esta sala con techos arqueados, tres semanas antes de publicar She loves you, el primer single de la banda que alcanzó el millón de ejemplares vendidos. Un adiós a sus orígenes que sólo los madrugadores pudieron ver: las 500 entradas, a la venta el 21 de julio previo, se agotaron en 30 minutos. Costaban 10 chelines de entonces, unos 60 céntimos de euro, y los Beatles cobraron 300 libras (unos 350 euros) por su concierto, una cantidad significativamente mayor que la se llevaron por su primer directo en el local: cinco libras.

Los Beatles en The Cavern, un año antes de dar ahí su último concierto y de abrazar el estrellato:

La propia banda, que crecía a pasos agigantados, no vivió con excesiva nostalgia subirse al escenario que la lanzó en su ciudad. O al menos John Lennon. “No deberíamos haber venido”, aseguraban los chicos de Merseybeats, uno de los cinco grupos que completaron el cartel, que dijo el Beatle más bocazas. Quizás influyó que apenas se podía respirar por el calor (dos músicos participantes se desmayaron) o que la condensación de humedad derivó en problemas con la electricidad. Tantos, que durante la actuación de los Beatles hubo un apagón. Traspié que McCartney y Lennon aprovecharon para tocar una versión desenchufada de When I’m sixty four, tema asociado a su expansión hippie y que no vio la luz hasta cuatro años después, cuando ya eran iconos culturales del siglo XX.

Lejos quedaban los días, y los flequillos, en The Cavern para los Beatles, cuando publicaron When I’m sixty four.

Su célebre manager, Brian Epstein, había apalabrado seis conciertos más en este local para los siguientes meses, pero para entonces la Beatlemanía había descartado cualquier posibilidad de tocar a un palmo de su enloquecido público. Mientras, por The Cavern Club llegaron otras glorias británicas como los Rolling Stones, los Who o los Yardbirds. Una década después, en marzo de 1973, cerró y fue demolido este local rodeado de mito, para reabrir a mediados de los 80, próximo al lugar donde estaba. Quien no pueda peregrinar hasta Liverpool para visitar este espacio hecho con ladrillos del original, siempre tiene la opción de ver alguna de las réplicas de The Cavern que hay en Buenos Aires, Dalas o, más cerca, en Arrecife (Lanzarote). Seguramente se encuentre alguna banda de tributo de los fab four tocando.

http://rollingstone.es/specials/view/el-dia-que-los-beatles-dijeron-adios-a-sus-origenes

Concierto en Madrid el 5 de noviembre

Foto: REUTERS

Madrid, 1 Ago. (Europa Press) –

La legendaria cantante Nana Mouskouri vuelve a los escenarios con su gira ‘Happy Birthday’, para celebrar sus 50 años de brillante carrera. El tour comenzará en octubre en Atenas, coincidiendo además con su cumpleaños, y hará parada España en una única fecha poco después.

Concretamente, la cita tendrá lugar el próximo 5 de noviembre (a las 21:00 horas), en el Teatro Circo Price de Madrid. Los tickets ya se pueden adquirir en entradas.com y en la taquilla del recinto. Nana Mouskouri compartirá en esta gira escenario con sus cuatro músicos franceses y con su hija L’enou.

La griega quiere festejar este gran momento con todo su público y durante todo un año, interpretando las canciones de sus compositores y escritores preferidos que le han influenciado a lo largo de su trayectoria.

«Después de celebrar 50 años de mi ‘White Rose of Athens’ hace dos temporadas, me di cuenta de que en 2012 hacía 50 años desde que trabajé con Quincy Jones y grabé mi primer álbum en Nueva York. Este año 2013, hace 50 años desde ‘The Umbrellas of Cherbourg’ junto a Michel Legrand y 50 años de la canción de Eurovisión con la BBC en Londres. El próximo 2014, hará 50 años desde que trabajé con Harry Belafonte y desde que actué por primera vez en Estados Unidos y Canadá», rememora Mouskouri.

Leer más:  La gira 50 aniversario de Nana Mouskouri pasará por España  http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-gira-50-aniversario-nana-mouskouri-pasara-espana-20130801131039.html#AqZ1sG3fkgrahuS9
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http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-gira-50-aniversario-nana-mouskouri-pasara-espana-20130801131039.html

(i-d) El batería Ian Paice, el cantante Ian Gillan, el guitarrista Steve Morse y el teclista Don Airey, de la mítica banda de rock británica Deep Purple, durante su actuación esta noche en el festival «Músicos en la Naturaleza», en la localidad abulense de Hoyos del Espino, en la Sierra de Gredos. Efe

28 de julio de 2013. 17:47h Efe.  Hoyos del Espino (Ávila).

El rock duro de la mítica banda británica Deep Purple ha reunido esta noche a 8.500 personas en la Sierra de Gredos, en Ávila, para presenciar el único concierto que esta formación ofrecerá en España, dentro del VIII Festival Músicos en la Naturaleza.

Precedidos por los españoles Bebe y Loquillo, los integrantes de La MARK VII -así se denominan las diferentes formaciones que ha tenido el grupo- han salido al escenario situado en la finca «Mesegosillo», en Hoyos del Espino (Ávila), con cerca de una hora de retraso sobre lo previsto tras «solventar un ligero problema técnico».

Los integrantes de Deep Purple, Ian Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Steve Morse y Don Airey, han interpretado cuatro de los temas incluidos en su último trabajo «Now what?», especialmente coreados «Vincent Price» y «All the time in the world».

La banda británica ha logrado reunir este año en este mismo espacio natural a 4.000 personas más que las que el año pasado «surfearon» con The Beach Boys, tal y como ha confirmado la Fundación Patrimonio Natural de Castilla y León, organizadora del evento en este espacio natural.

Considerada una de las pioneras y referentes del hard rock y del heavy metal, Deep Purple ha aparecido sobre el gran escenario de Gredos ante el bullicio de un público entregado a la causa y deseoso de vibrar con el rock duro de esta banda que cumple ahora 45 años desde sus inicios en 1968.

«Fireball» ha supuesto el inicio de un concierto de una hora y 40 minutos, que ha servido para confirmar el virtuosismo en los teclados de Don Airey y a la guitarra de Steve Morse, que han protagonizado varios de los momentos estelares de una fría noche.

Con centenares de personas contemplando el concierto desde el exterior del recinto, la formación británica ha repasado sus diferentes etapas, incluyendo «Lazy», «Perfect strangers» o el más conocido por todos: «Smoke in the water».

Con este último la locura se ha adueñado de la finca «Mesegosillo», con un público que ha entrado en éxtasis, protagonizando momentos de locura musical en los que el rock ha hecho de nexo de unión entre los componentes de la banda y su público.

Con «Smoke on the water» ha concluido la parte principal de un concierto en el que el vocalista, Ian Guillan, ha dado las gracias al público que ha acudido esta noche a Gredos para presenciar su única actuación en España.

«Gracias Ávila, sois increíbles. Os queremos», ha añadido, antes de obsequiar a sus fans con otros cuatro temas de un repertorio que han cerrado con «Black night».

El rock duro ha ayudado al público a entrar en calor, ya que el cambio de temperatura ha hecho descender bruscamente los termómetros en esta zona de la vertiente norte de Gredos, obligando a parte del los asistentes a recuperar prendas más propias del invierno.

La cifra de asistentes al concierto queda lejos de las 12.000 personas que lograron reunir Sting en 2006 y Bob Dylan y Amaral en 2008, pero también de los más de 11.000 espectadores que acudieron a ver a Mark Knopfler en 2010 o Sabina y Calamaro un año después, o de los 10.000 de Miguel Ríos en 2009.

No obstante, supera claramente a los 4.500 fans del año pasado para la actuación de The beach boys o los 6.500 de la segunda edición, que se desarrolló durante dos días.

La encargada de abrir el festival ha sido Bebe, que ha tenido un recuerdo para los fallecidos y heridos en el accidente de tren de Galicia, interpretando durante unos 50 minutos algunas de sus canciones más conocidas y presentando los temas incluidos en su tercer y último álbum: «Un pokito de rocanrol».

Después ha llegado el turno de Loquillo, que dentro de su gira «De vez en cuando y para siempre», ha acercado al público algunas de las canciones más conocidas de su repertorio como «El rompeolas» o «Cadillac» y ha llamado al escenario a Bebe para interpretar juntos «El ritmo del garaje».

«Músicos en la Naturaleza» es una iniciativa que arrancó en este mismo paraje natural abulense en 2006 con la actuación de Sting, que después dio paso a actuaciones memorables de referentes de la música mundial, como Bob Dylan, Mark Knopler o The Beach Boys, y española, como Amaral, Miguel Ríos, Joaquín Sabina.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/3140535/cultura+musica/el-rock-duro-de-deep-purple-reune-a-8-500-pers#.UfZqx23IXEM

El legendario músico estadounidense ha muerto de un ataque al corazón, según informa su página web.
Por Rolling Stone

El músico estadounidense J.J. Cale falleció hace unas horas en el Scripps Hospital de La Jolla (Califorina), a consecuencia de un ataque al corazón, tal y como informa su página web oficial y su perfil en Facebook, sin dar más detalles. Por ahora se desconocen los planes inmediatos, y desde ambas fuentes se recuerda que Cale era un gran amante de los animales, por lo que se anima a apoyar los refugios que cada uno tenga más a mano.

Nacido en Tulsa (Oklahoma) el 5 de diciembre de 1938, John W. Cale comenzó su carrera musical en 1958 con la publicación del álbum Shock Hop/Sneaky. Desde entonces publicó una veintena de trabajos hasta llegar a 2011, año en el que lanzó el que será su último disco, The Silverstone Years.

Reputado compositor y guitarrista, escribió dos grandes éxitos para Eric Clapton (After Midnight y Cocaine), y también para Lynyrd Skynyrd (I Got the Same Old Blues y Call Me The Breeze). Con The Road to Escondido, en colaboración con Clapton, logró en 2008 el Grammy al Mejor Álbum Contemporáneo de Blues.

La historia de Cale está reflejada en el documental To Tulsa and back-On tour with J.J.Cale, obra de Jörg Bundschuh, en el que se muestran detalles que reflejan la personalidad introspectiva de un músico que llegó a vivir en una caravana lejos de toda fama y ostentación, a pesar de ser abiertamente admirado y profundamente respetado por nombres tan icónicos como el propio Clapton, Mark Knopfler o Neil Young.

http://rollingstone.es/noticias/view/fallece-j-j-cale-a-los-74-anos

Fotografía de archivo tomada el 29 de junio de 2013 que muestra al cantante de los Rolling Stones, Mick Jagger, durante su concierto en el festival de Glastonbury en Somerset, Reino Unido. Jagger cumple 70 años hoy, viernes 26 de julio. Efe

Efe.  Madrid.

Mick Jagger, líder de los Rolling Stones, la banda más longeva del rock, cumple hoy 70 años y lo hace inmerso en una nueva gira, la del 50 aniversario del nacimiento de la banda. Jagger y los Rolling, grupo británico que fundó en 1962 junto a su amigo Keith Richard, forman parte ya de la historia de música. Los Rolling sentaron las bases del rock contemporáneo y algunos de sus discos están entre los mejores del género.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/3126001/cultura+musica/mick-jagger-cumple-70-anos#.UfLZMW3IXEM

El músico briánico Mark Knopfler en un concierto dentro del festival «Live at Sunset Festival» en Zurich, Switzerland, el pasado 20 de julio. AP

24 de julio de 2013. 18:18h Ep.  Madrid.

Este jueves Mark Knopfler comienza su visita a España con un concierto que tendrá lugar en Barcelona (Poble Espanyol) y al que seguirán las actuaciones que se celebrarán el 26 de Julio en Madrid (Plaza de Toros De Las Ventas), 27 de Julio en Málaga (Plaza de Toros), 29 de Julio en Gijón (Patio Central de Laboral Ciudad de la Cultura) y el 30 de Julio en San Sebastián (Plaza de Toros de Illumbe).

Mark Knopfler regresa a España tras su exitosa gira de 2010, cuando presentó ‘Get Lucky’. En esta ocasión, Knopfler mostrará su nuevo trabajo, ‘Privateering’ (Universal), a la venta desde el próximo 3 de Septiembre.

Se trata de una colección de 20 nuevas canciones grabadas en el estudio del artista, British Grove Studios, en Londres, junto a músicos como Richard Bennet (guitarra), Jim Cox (piano), Guy Fletcher (teclado), John McCusker (violín) y Mike McGoldrick (flauta), Glenn Worf (bajo) y Ian Thomas (batería).

Producido por Mark Knopfler y coproduccido por Chuck Aiblay y Guy Fletcher, este será su octavo disco de estudio en solitario y el primer álbum doble de temas originales en sus 35 años de carrera.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/3103405/cultura+musica/mark-knopfler-arranca-este-jueves-una-gira-por#.UfDJyW3IXEM

Dave Grohl, Krist Novoselic y Pat Smear, los tres miembros vivos de Nirvana, vuelven a unir fuerzas en directo con Macca.

Por Rolling Stone

El pasado mes de diciembre Paul McCartney ‘se convirtió’ en Kurt Cobain al ejercer como vocalista en un grupo integrado por Dave Grohl, Krist Novoselic y Pat Smear, los tres miembros vivos de Nirvana. Fue durante un festival benéfico para reparar los daños del huracán Sandy, celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York.

Después de aquella cita se especuló con todo tipo de posibilidades, incluida una resurrección más o menos formal de la mítica madre nodriza del grunge, capitaneada por el Beatle vivo indudablemente más carismático.

Pero por ahora parece que la cosa se queda en una gran amistad, reconfirmada este fin de semana durante un concierto de Paul en Seattle, durante el cual Grohl, Novoselic y Smear subieron al escenario para interpretar un popurrí de los Beatles, con joyas como Get Back y Helter Skelter.

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http://rollingstone.es/noticias/view/mccartney-y-nirvana-juntos-de-nuevo-en-directo

40 años del BOSS

Foto: GETTY

Madrid, 21 Jul. (Europa Press) –

Este lunes 22 de julio llega a los cines de todo el mundo el documental ‘Springsteen & I’, una cinta en la que se muestra cómo la música del ‘Boss’ se ha convertido en la banda sonora de millones de personas.

Con esta cinta se celebran los 40 años de carrera de Bruce Springsteen, cuando apareció en la escena del rock y la cambió para siempre, gracias a sus directos y a sus 120 millones de discos vendidos.

Detrás de estas canciones se pueden encontrar historias extraordinarias de los fans que han vivido con ellas.

‘Springsteen & I’ está inspirada en ‘Life in a Day’, la película dirigida por Scott Free y aclamada por la crítica. Ha sido producida por las compañías asociadas de Ridley Scott, Scott Free y Black Dog Films, y dirigida por Baillie Walsh, conocido por ‘Flashbacks of a Fool’, filme protagonizado por Daniel Craig.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-documental-springsteen-llega-lunes-cines-todo-mundo-20130721125737.html

Poster del concierto firmado por Eric Burdon

«Diamantes Musicales estuvo en Avilés con Eric Burdon»

Con motivo del concierto que dio Eric Burdon el sábado día 13 en Avilés, una delegación de «Diamantes Musicales» se desplazó hasta Asturias para estar con el.

José, Chuli, Conchi y Paqui se fueron hasta el Centro Niemeyer a disfrutar de la música de este Grande de los ’60.

Después de horas de espera, que si prueba de sonido, que si le traía un taxi, que luego un furgón…

Eric Burdon llegó en torno a las 19,45 horas al Centro Niemeyer y se fue directamente a la prueba de sonido, Chuli, Paqui y José se fueron tras él con la intención de hacerse una foto y que nos firmara los discos y póster que llevábamos.

No pudo ser en ese momento, hubo que espera a que terminara el concierto para poder verle. La espera no resulto infructuosa, más bien todo lo contario, ya que nos dejo acceder a su camerino y cono cer a Marianna Burdon, estuvimos  hablando con ellos durante más de media hora y nos hartamos de hacernos fotos.

El concierto, de lo mejor de lo mejor visto nunca, ni cuando le vimos hace unos años lo hizo mejor.

Para empezar decir que el grupo que le acompañó estaba formado por:

Él, ERIC BURDON

Eric McFadden a la guitarra

Billy Watts a la guitarra

Terry Wilson al bajo

Red Young organo Hammond B3

Teresa James teclados

Tony Braunagel a la batería

Wally Ingram percusión

Entrada personalizada

Un gran concierto, casi lleno el Centro Niemeyer y el publico muy muy satisfecho. Muchos problemas con las fotos ya que las acomodadoras estaban encima de los presentes que sacaban sus teléfonos.

Después de terminar, bajada a los camerinos y un recibimiento exquisito, muy atento y orgulloso de saber que tenemos más de novecientas versiones de «La casa del sol naciente». Además, al conocer el deseo de José en relación con la canción se emocionó bastante.

La cronica post-concierto del diario El Comercio de Gijón, creemos que es bastante clarificadora.

EL COMERCIO

14.07.13 –
Alberto Piquero / Avilés

Una leyenda incombustible

Eric Burdon durante su actuación en el Niemeyer. Sergio López

* El fundador de The Animals dio lecciones de rock, blues y soul con una voz portentosa y un sonido perfecto ante un aforo que no llegó a llenarse
* Un Eric Burdon soberbio presentó en el Niemeyer ‘Til your river runs dry’

A sus 72 años, Eric Burdon mantiene el pulso vocal y rítmico de sus mejores lustros. Lo puso en evidencia en la noche de ayer en el Niemeyer, de la mano de su último disco, ‘Til your river runs dry’, con piezas que dibujaron un amplio registro, marca de la casa, desde la contagiosa ‘Water’ -que sonó la segunda de la noche- o la romántica y deliciosa ‘Wait’, que interpretó con aires de ‘crooner’. Rock, blues, soul, y también orillas de trazo más delicado y lagos tranquilos, poniendo en función las enormes cualidades de la garganta del fundador de The Animals.

Tres cuartas partes del aforo se llenaron al reclamo del británico. Merecía más público a razón del excelente sonido y la voz monumental que subió a escena un músico que estuvo tremendo desde el primer instante hasta el último. Allí estaban para verlo y disfrutarlo músicos asturianos como Jorge Ilegal o Carlos Martagón. Una verdadera leyenda merecía la pena. Merecía la pena estar allí por muchos momentos, como escucharle entonar un blues acompañado solo de una guitarra española electrificada y una mínima percusión y dejar en evidencia un derroche vocal absolutamente portentoso para acto seguido marcarse un rock and roll con toda la banda de quitarse el sombrero.

Burdon conmocionó ayer como si no hubiera pasado el tiempo al público que asistió a su velada en el auditorio del Niemeyer. Como si aquel glorioso tema, ‘The house of the rising sun’ (‘La casa del sol naciente’), que por supuesto sonó, una balada tradicional recuperada de forma prodigiosa, mantuviera toda la emoción de la primera vez, con sus acordes cristalinos, cuerda a cuerda, y la voz desgarrada del cantante, igual de intenso que en la década dorada. Aunque el clásico adoptó en el Niemeyer una nueva dimensión al viajar desde la interpretación más original y alargarse hacia al blues.

Sin nostalgia, arropado por una banda de cinco estrellas, Eric Burdon se comió el escenario y entusiasmó al público. Incombustible.

http://www.elcomercio.es/v/20130714/cultura/leyenda-incombustible-20130714.html

Un viejo disco con la caratula de Eric Burdon, dedicado a José

SELECCIÓN DE FOTOS DE «DIAMANTES MUSICALES»

Eric Burdon se saludan al recibirnos – Foto Diamantes Musicales

Conchi, Eric Burdon y José – Nos la hizo Marianna Burdon – Foto Diamantes Musicales

Al conocer Eric Burdon la historia de José y «The house of the rising sun», ambos se emocionaron – Foto Diamantes Musicales

En la despedida las firmas del poster del concierto, un vinilo antiguo y el nuevo CD que nos regaló – Foto Diamantes Musicales

El último disco de Eric Burdon que dedicó a Diamantes Musicales

La mítica banda de John Belushi y Dan Aykroyd estará actuando el próximo 15 de julio en una nueva edición de ‘Los Veranos de la Villa’.

Esta banda de blues y soul se fundó en 1978 pero alcanzó su mayor popularidad gracias a la película ‘Granujas a todo Ritmo’ con los actores Dan Aykroyd y John Belushi al frente. Ahora con dos miembros originales Steve Cropper y Lou Marini todavía en la banda y acompañados de grandes músicos como John Tropea, Leon Pendarvis, Eric Udel o Lee Finkelstein vuelven a nuestro país para ofrecer varias fechas imprescindibles.

En concreto en Madrid estarán actuando el próximo 15 de julio dentro de la programación de ‘Los Veranos de la Villa’. Las entradas ya están a la venta a través de Entradas.com a un precio que oscila entre 35€y 70€.

Line-up:

Steve «The Colonel» Cropper guitar

Lou «Blue Lou» Marini sax

«Smokin» John Tropea guitar

Leon «The Lion» Pendarvis keyboards

Eric «The Red» Udel  bass

Lee «Funkeytime» Finkelstein drums

Larry «Trombonius Maximus» Farrell trombone

Steve «Catfish» Howard trumpet

Bobby «Sweet Soul» Harden vocal

And Special Guest: Jonny «Rock N’ Roll Doctor» Rosch vocal, harp

http://kedin.es/madrid/que-hacer/the-original-blues-brothers-en-directo-en-el-teatro-circo-price.html

Béjar (Salamanca), 12 jul (EFE).- Un entregado Eric Burdon, el músico británico conocido por haber sido el líder del grupo The Animals, ha revolucionado esta noche el XIV Festival de Blues de Béjar (Salamanca), donde ha presentado su último disco ‘Till your river runs dry’ (Hasta el río se seca).
En una plaza de toros, la considerada más antigua de España, Burdon ha encandilado a los más de mil fieles seguidores que la han llenado con la intención de buscar lo mejor del que fuera líder del grupo The Animals.
Y desde el principio, las 00.20 horas cuando ha salido al escenario, lo ha logrado, con una actuación estelar, vestido de negro y con gafas de sol también oscuras ha hecho vibrar a los aficionados al blues.
De esta manera, Eric Burdon ha abierto el Festival Internacional de Blues de Béjar (Salamanca), en el que también participan Sharrie Williams Band y Blues&Decker durante la primera jornada de la catorce edición de un evento que sirve de encuentro a los amantes de este estilo musical.
Burdon ha sorprendido en su inicio ya que ha introducido sonidos de conga, aunque a los minutos se ha convertido en lo mejor de su blues.

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http://www.hoy.es/agencias/20130713/mas-actualidad/cultura/entregado-eric-burdon-revoluciona-festival_201307130111.html

FOTOS DE DIAMANTES MUSICALES

Cinco años después de su anterior visita demuestran que dominan la escena musical desde hace décadas

Música | 09/07/2013

Concierto de Crosby Stills & Nash en el festival de los jardines de Pedralbes – Àlex Garcia

Barcelona, (EFE).- Los legendarios Crosby, Stills & Nash (CSN) han deleitado esta noche en el cierre del Festival Jardines de Pedralbes de Barcelona en su único concierto este año en España.

Cinco años después de su anterior visita, también a Barcelona, que era hasta ahora su única actuación en los escenarios españoles, David Crosby, Graham Nash y Stephen Stills han demostrado que dominan la escena musical desde hace décadas y han dado muestras de su repertorio, que va desde el country más puro, al blues, el jazz o el potente rock sin artificios.

La legendario formación de folk-rock que arrasó en las listas de ventas norteamericanas a principios de los años 70, se han presentado ante el público barcelonés con una renovada fuerza vocal -que no esconde sus limitaciones pero no escatima esfuerzos-, acompañados por una banda de jóvenes músicos con bastante fundamento.

El concierto ha comenzado a las 22,00 horas en una cálida noche pero no sofocante con dos de sus temas más célebres, «Carry on/Questions», de su mejor álbum, «Deja vu», para luego seguir con un repertorio amplio que incluía el rock, el acústico, el blues o el folk más clásico.

En ese repaso han incluido «Military Madness», «Long time gone», «Just a song before I go», «Southern Cross», la acústica «Lay me down» o el clásico blues de «Exit Zero».

También ha gustado la psicodélica-sinfónica «Bluebird», una versión del tema que popularizara Buffalo Springfield, y con «Our House», el público, de pie, ha hecho de coro para cantar este tema del mismo álbum «Deja vu», convertido con el tiempo en un himno generacional.

Antes del merecido descanso del guerrero, los Crosby, Stills y Nash han sorprendido con una versión jazzística de «Deja vu», en la que se ha visto que no tienen una mera banda de acompañamiento, y en la que se han sucedido los solos de guitarra eléctrica, armónica, órgano -parafraseando el «Bésame mucho»-, piano, guitarra rítmica, bajo y batería.

El trío se formó en 1968 a partir del feliz encuentro de tres músicos con trayectoria contrastada: Stephen Stills, procedente del grupo Buffalo Springfield; David Crosby, que venía de The Birds; y Graham Nash, que provenía de los Hollies.
Crosby, Stills & Nash, con la ayuda del canadiense Neil Young, gozaron de un éxito masivo en Estados Unidos durante la década de los 70 gracias a sus emotivos temas de folk-rock repletos de armonías vocales y aromas de la costa oeste, siempre con un mensaje de marcado carácter político y social.

Ese mensaje no se olvida fácilmente como cuando hoy ha recordado las protestas que hubo en Barcelona contra la presidencia de George Bush que inició la Guerra de Iraq.

Formados en Laurel Canyon (California) en 1968, el trío acertó con su primer disco, repleto de clásicos como «Suite: Judy blue eyes» «Helplessly hoping» o «Marrakesh Express», y alcanzaron el cenit de su carrera cuando un año después al trío se sumó el canadiense Neil Young y alumbraron el disco «Deja Vu» (1970), con canciones como «Helpless», «Carry on» o «Teach your children», hoy las más aplaudidas y coreadas.

A pesar de que su carrera se ha prolongado hasta nuestros días y que han ido publicando nuevos discos, el corpus principal del concierto de hoy se ha centrado en los viejos éxitos de la banda, canciones que les convirtieron en uno de los grandes grupos de la historia de la música popular.
Tras el descanso de veinte minutos para sus cuerdas vocales, los tres músicos norteamericanos han proseguido su festival revival con mayor acierto que en su anterior cita en Barcelona.

En la segunda parte han proseguido con esos grandes hitos de su carrera como «Helplessly hoping» y «Teach your children», «Cathedral», «Chicago», «Guinevere», «Almost cut my hair» y ya en los bises con «Judy blue eyes».

Han pasado más de cuatro décadas desde que surgieron en Laurel Canyon en 1968 y realizaron su concierto en el mítico festival de Woodstock en 1969, y sus componentes continúan en una asociación creativa considerada como una de las más influyentes y perdurables.
Tras el único concierto que han ofrecido en España el legendario trío continuará con su gira europea en Ostende (Bélgica), Weert, La Haya (Holanda), Lyon (Francia), Brescia, Roma y Padua (Italia), y Montecarlo (Mónaco), y después del parón estival, proseguirán en septiembre en el Reino Unido.

http://www.lavanguardia.com/musica/20130709/54377353920/crosby-stills-nash-deleitan-pedralbes.html

* La banda liderada por Mick Jagger ofrece otro concierto en el parque londinense
* Han pasado cuatro décadas de su actuación gratuita en 1969

De izquierda a derecha, Ronnie Wood, Mick Jagger y Keith Richards, ayer en un momento de su concierto en Hyde Park. / Dave j. hogan (GETTY)

EFE Londres 7 JUL 2013

A pesar de las arrugas que lucen los Rolling Stones, el tiempo parece que no pasa para Sus Satánicas Majestades, que volvieron hoy en plena forma al londinense Hyde Park para repetir en este mismo escenario su mítico concierto de hace más de cuatro décadas.

Cuarenta y cuatro años y un día después, Mick Jagger y Keith Richards volvieron a liderar ante decenas de miles de fans la banda británica, acompañados por otros dos históricos «stones» como Ron Wood y Charlie Watts.

Aquel 5 de julio de 1969, Jagger saltó al escenario vestido de blanco y recitando un poema de Percy Bysshe Shelley en honor de su guitarrista Brian Jones, quien había fallecido solo dos días antes y por el que el cantante soltó miles de mariposas al cielo londinense.

Hoy, sir Mick, quien cumplirá 70 años dentro de tres semanas, lució una cazadora de cuero diseñada por su actual compañera, L’Wren Scott, que llevaba estampada una mariposa, otro guiño para Jones, y sin mediar palabra se lanzó sobre los primeros acordes de Start me up (1981).

Mick Jagger lee una dedicatoria a Brian Jones en el concierto de los Rolling Stones en Hyde Park en 1969. / REG BURKETT (GETTY)

El arranque perfecto para una noche a la que había precedido una calurosa jornada en este parque londinense, donde abrieron el apetito festivalero otros grupos y artistas como The Vaccines, The Temper Trap, Gary Clark, Jr. o King Charles.

Y daba así el pistoletazo de salida de casi dos horas de altas dosis de rock&roll y de nostalgia, con Jagger preguntando «¿Cómo estáis?» antes de atacar el segundo tema del repertorio, otro himno como It’s Only Rock And Roll (But I Like It) (1974).

Aunque no hiciera falta, Keith Richards subió la temperatura del evento con su primer solo de la noche durante este clásico, el primero de muchos, si bien muchos de ellos fueron de fechas posteriores a 1969.

Jagger había dejado entrever durante la semana que interpretarían el mismo repertorio de aquel mítico primer concierto en Hyde Park, que, por cierto, fue gratuito.

En el de hoy, las entradas más baratas se acercaban a los 150 euros.

«¡Un gran hola a Londres, Inglaterra y Hyde Park! ¿Alguien estuvo aquí en 1969?» inquirió Jagger, listo para Tumbling Dice (1972), el dado de la suerte (y el talento) que ha convertido a los Rolling en una marca global imperecedera.

No muere porque así lo quieren también las nuevas generaciones, a las que se dirigen estos casi septuagenarios desde la redes sociales para pedirles interacción o, este caso, que voten por una canción para incluirla en el «set».

Por petición popular resultó ser All Down The Line (1972), a la que siguió Beast of Burden (1978), un poco soul para el alma de las más de 200.000 almas que se dieron cita en Hyde Park, y otra más reciente como Doom and Gloom, tema incluido en su último álbum GRRR! (2012).

Tuvieron que pasar Bitch (1971), que interpretaron con Gary Clark Jr., y Paint it Black (1966) hasta que por fin sonó algún tema del primer Stones in the Park y no podía ser otro que Honky Tonk Women (1969).

«¡Hola Londres! Ya os dije que volveríamos», dijo Jagger como para disculpar el retraso ante los más nostálgicos de aquella noche de hace 44 años.

Pero hubo que esperar durante otros tres temas más, You Got the Silver (1969) Before The Make Me Run (1978) y Miss You (1978), para volver a meterse en la máquina del tiempo.

De esta salió el guitarrista Mick Taylor, cuyo primer concierto con los Stones no fue otro que aquel de Hyde Park, cuando tuvo la difícil y delicada papeleta de sustituir al fallecido Jones.

«Lo acabamos de conocer en un pub y le acabamos de poner ante 200.000 personas», bromeó Jagger, quien, a la armónica, interpretó con él Midnight Rambler (1969).

Con la familia casi al completo, los Stones completaron una noche histórica con Gimme Shelter (1969), Jupmin’ Jack Flash (1968), Sympathy For the Devil (1968) y Brown Sugar (1971).

Y para demostrar que está en forma, hasta se marcaron un par de bises con You Can’t Always Get What You Want (1969) y (I Can’t Get No) Satisfaction (1965).

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/07/06/actualidad/1373143288_459168.html