El músico Robin Gibb, excomponente del grupo británico Bee Gees, está hospitalizado en Londres en estado de coma a causa de una neumonía, informó hoy el periódico «The Sun».

El músico británico Robin Gibb, en coma

LARAZÓN.es14 Abril 12 – Londres – Efe

La leyenda del pop, de 62 años, ingresado en una clínica privada, se encuentra acompañado por su esposa Dwina, su hermano Barry y sus tres hijos, que temen que a Gibb le queden «pocos días de vida», según el tabloide británico.

Gibb, que consiguió recuperarse de un cáncer de colón e hígado diagnosticado en 2010 y que hace dos semanas fue sometido a una operación intestinal, padece ahora una neumonía.

El músico canceló el pasado martes su asistencia en Londres al estreno de «Titanic Requiem», un álbum basado en el hundimiento del famoso transatlántico que ha compuesto junto con su hijo RJ Gibb.

Robin Gibb ya había cancelado todos sus actos públicos anteriores al lanzamiento del álbum debido a la operación intestinal que se le practicó el pasado 25 de marzo.

En 2011 fue sometido a una operación por una obstrucción intestinal, el mismo problema que provocó la muerte de su hermano gemelo Maurice, también integrante de los Bee Gees, en 2003.

Bee Gees, en el que también estaba el hermano mayor Barry, fue uno de los grupos más famosos de los años 70 y 80, con más de 200 millones de discos vendidos y temas tan conocidos como «How Deep is your Love» o «Stayin’ Alive».

* Uno de sus éxitos fue la canción ‘Di, papa’, que interpretaba junto a su hija Rosa Mary

* Era conocido como «El crooner de España»

El cantante José Guardiola durante una actuación

EL PAIS – Cataluña

EFE Barcelona 9 ABR 2012

Famoso por su bigote y por sus versiones en español de clásicos del swing, el jazz y el rythm and blues, el cantante barcelonés José Guardiola, fallecido hoy a los 82 años, se aferró al imaginario colectivo de una generación con el tema Di, papá, de 1962, interpretada junto a su hija Rosa Mary.

Suaves cadencias musicales y letras sensibleras políticamente correctas concurrían en este tema, un clásico de la música infantil cuyo esquema se repitió tiempo después en La balada del vagabundo, uno de sus mayores éxitos en Latinoamérica.

Nacido en Barcelona el 22 de octubre de 1930, con su voz melódica, como otros muchos jóvenes con aspiraciones musicales, participó en festivales de música y fiestas populares para labrarse un nombre.

Empezó a cantar en 1949, con el conjunto The Crazy Boys, una orquesta de baile que interpretaba swing, jazz y rythm and blues. Y poco a poco se fue abriendo paso en el mundo de la música y se consolidó como uno de los artistas más relevantes de la canción española a partir de los cincuenta, con notable éxito además en Iberoamérica.

Más allá de lo anecdótico, en un tiempo en el que España vivía sumida en la dictadura franquista, las adaptaciones de este crooner español de éxitos internacionales como Mack The Knife (rebautizado como Mackie el Navaja) permearon el gusto folclórico de aquel tiempo y expandieron las miras musicales del país.

Dieciséis toneladas, adaptación del tema de los años cuarenta Sixteen tons, del cantante country Merle Travis, constituyó uno de los primeros éxitos de su carrera, que no solo reparó en latitudes anglosajonas, sino también en las vecinas Francia e Italia, como en su versión de Cuando, cuando, con la que Tony Renis participó en el Festival de San Remo.

Los años sesenta constituyeron su momento de mayor esplendor, época en la que incorporó a su repertorio Greenfields (Verdes campiñas), de The Brothers Fou; La novia, de Gloria Lasso; Venecia sin ti, de Charles Aznavour, y Volare, de Domenico Modugno.

Además, intervino en el Festival de Benidorm y en 1963 fue escogido para representar a España en el de Eurovisión con Algo prodigioso, que se celebró en Londres y en el que quedó en el puesto duodécimo.

A lo largo de su carrera grabó más de 540 canciones. Convertido en una institución musical en Cataluña, Guardiola exaltó a menudo su cuna barcelonesa y no solo popularizó temas en catalán como La primera vegada, El vell carrer de l’aimada y Diumenge és sempre diumenge, sino que, además, figurará en la historia del club de fútbol RCD Espanyol como el autor de su primer himno, Somos españolistas.

En 1999, casi con 70 años, presentó su disco 40 aniversario, en recuerdo de su amplia trayectoria. Con colaboraciones de Joan Manuel Serrat, Dyango y Loquillo, el trabajo contenía títulos como Extraños en la noche y Mackie el Navaja.

Los funerales se celebrarán mañana en el cementerio de Collserola de Barcelona, según ha informado hoy el canal 3/24 de la televisión catalana.

Hace cuarenta años se publicó una de las leyendas del glam rock y de David Bowie | En el disco, David Bowie da un vuelco camaleónico a su música y personaje | Ziggy Stardust era el álter ego andrógino de Bowie en forma de personaje de ficción

La Vanguardia
Música | 09/04/2012

La influencia del grunge, en su caso muy lejana, se percibe sin embargo en un 'casual look' GYI

Esteban Linés
Barcelona

El músico británico revolucionó la escena musical en los 60 con los vestuarios que incorporó a las giras de 'The man who sold the world' o de 'The rise and fall of Ziggy Stardust' GYI

David Bowie es uno de los artistas más agradecidos para los focos mediáticos, tanto por contrastada calidad artística, por su incomparable desenvoltura dentro y fuera del escenario y, también, por el morbo que despierta su retirada del panorama musical desde que fuese operado del corazón en 2004, los rumores sobre su estado de salud o sobre su potencial regreso. A ello se suma ahora el cuarenta aniversario de la aparición en el mercado de uno de los discos más determinantes de su carrera, The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars, obra que caracterizó su vertiente más camaleónica y una de las referencias del glam rock de los años setenta.

Más allá de especulaciones, la obra de Bowie (Brixton, 1947) fue rupturista formal y visualmente, mientras que musicalmente buscó aunar esencias poperas con una energía que ya anunciaba la contundencia punk. Un álbum y una obra que marcaron a contemporáneos como Lou Reed o Iggy Pop y a infinidad de músicos posteriores de toda condición como Echo and The Bunnymen, Gary Glitter, Radiohead, Air o Lady Gaga, por citar un puñado heterogéneo. A Bowie se le comenzó a ver en España gracias a los esfuerzos del promotor Gay Mercader, que le montó dos conciertos en el Mini Estadi en julio de 1987. «Hacía años que lo quería traer y al final lo pude hacer gracias a Brian Eno, amigo común. En Madrid pinchó y aquí me costó mucho», recuerda. También lo hace Jaume Sisa, que rememora que un año antes de la aparición de Ziggy Stardust «había abandonado el grupo Música Dispersa y estaba intentando grabar un disco; me encontraba en un pozo, en todos los sentidos de la palabra. En aquella época escuchaba lo habitual como Pink Floyd, Frank Zappa o la Incredible String Band, y en ese sentido David Bowie no era un gran santo de mi devoción. Para mi gusto personal en aquella época era sinónimo de demasiado circo y glamur, aunque el álbum es uno de los clásicos de los setenta». El productor, cantante y músico Marc Parrot adelanta que descubrió «a Bowie de mayor, y fue una revelación. Tanto por el talento que él atesoraba, tan dotado como cantante y compositor, como por ser creador de espectáculos, por su look. El disco Ziggy Stardust tenía unas referencias claras del rock clásico, de los cincuenta, y él fue y le dio la vuelta».

Bowie, además de otras cosas, representaba el lado intelectual del glam, había alumbrado ya un puñado de magníficos elepés (Space oddity, The man who sold the world, Hunky dory…) y en 1972 se encontraba en una de las cúspides de su carrera: produjo a Lou Reed y a Mott the Hopple, y creó un personaje de ficción galáctica para sus nuevas canciones, que acabó editando en el disco The rise and fall of Ziggy… (RCA).

El disco fue la materialización de un complejo engranaje donde destacaba el guitarrista Mick Ronson, sobre el que descansaban las canciones escritas por Bowie. Apareció en el mercado en junio de 1972 junto a su primer single, un aclamado Starman que para muchos es paradigma del glam rock más heroico, Pero lo más característico del disco, sin duda, es que el personaje se come al cantante. Entonces fue Ziggy Stardust, andrógino álter ego del propio Bowie, el personaje fantástico ideado, pero antes y después aparecieron otras creaciones memorables: Major Tom (protagonista de la imborrable Space oddity, 1969), Aladdin Sane (de hecho, una evolución de Ziggy, 1973) o Thin White Duke (personaje impecablemente ataviado de en Station to station, 1976).

El recurso del personaje de ficción es algo íntimamente asociado a esa vocación camaleónica que determina cualquier valoración de su obra. Marc Parrot considera que «Bowie ha sido imprevisible por su capacidad de ir siempre un paso más allá de lo que solía hacer un intérprete de rock típico. De hecho, él era capaz de romper el cliché del rock y del pop desde muchos puntos de vista, y eso es algo único». En la misma dirección se posiciona Gay Mercader: «Los grupos y cantantes de entonces, en el mejor de los casos, navegaban con los tiempos pero siempre manteniendo una identidad propia, como hacían los Stones, pero reinventarse completamente de vez en cuando no lo hace cualquiera».

En cualquier caso, la trascendencia de este álbum fue prolongada. Para Santiago Auserón, por ejemplo, que recuerda que «en aquella época yo era dylaniano, pero mi hermano Luis era mucho más abierto y a través de él supe del glam británico y de la Velvet Underground. En un primer momento, tanto Lou Reed como David Bowie no me gustaron por su amaneramiento, sobre todo visual. Pero cuando apareció Ziggy Stardust me quedé deslumbrado. Allí la guitarra de Mick Ronson tiene una importancia capital, y si a ese poderío guitarrero le añades calidad melódica, energía en la interpretación y elegancia vocal, te sale una obra mayúscula, gloriosa».

* Los amplificadores con su apellido fueron los más utilizados por generaciones de músicos
* Jimi Hendrix, Eric Clapton, Pete Towshend y Jimmy Page fueron clientes habituales

elpaís.com – Fernando Navarro –  Madrid 6 abril 2012

La estruendosa guitarra de Jimi Hendrix nunca hubiese sonado tan impactante si no hubiese sido por esa caja negra, rectangular, con un innovador sistema de circuitos para los primeros sesenta del siglo pasado. De hecho, la encarnación del rock más guitarrero y vigoroso ha pasado desde entonces por esas cajas, los célebres amplificadores Marshall, que diseñó Jim Marshall, muerto ayer a la edad de 88 años en una residencia de Londres.

Enfermo de cáncer desde hacía años, Marshall falleció tras un ataque de apoplejía, según informó uno de sus hijos a la agencia Associated Press. Nacido en Londres, empezó su carrera como baterista a finales de los cincuenta pero se ganaba el pan como profesor de música para bateristas, entre ellos Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience y Micky Waller de los Bluesbreakers de John Mayall, y como dueño de una tienda de instrumentos en Londres. Fue allí donde entró en contacto con diversos músicos, entre ellos Richie Blackmore y Pete Towshend, quien, según contó él mismo a una radio nacional estadounidense, le pidió un amplificador “más grande y ruidoso” para sus canciones con The Who.

Fotografía del 1 de diciembre de 2004 que muestra a Jim Marshall. / FRANK MAECHLER (EFE)

Él, sus ayudantes y un ingeniero que contrató fabricaron varios modelos desde 1962. El primero, de 45 vatios, era muy similar al ya existente de la marca estadounidense Fender, creadora de las guitarras eléctricas más influyentes del rock. Pero la clave la hallaron con el sexto modelo, un amplificador de 100 vatios, con controles básicos en su parte superior, capaz de moldear de forma más potente las resonancias eléctricas de los acordes de las guitarras. Towshend tenía lo que buscaba para las epifanías rock de The Who, como en Won’t Get Fooled Again que se sirvió de este amplificador. Y, como él, todos los grandes espadas que saldrían de la excelente escena británica de los sesenta. Eric Clapton, Jimi Hendrix y Jimmy Page, entre otros, utilizaron estos amplificadores. El rock ya tenía un altavoz en condiciones para su nueva condición eléctrica, mucho más plástica y versátil, desprovista de cualquier corsé, rebosante de energía y músculo rítmico.

A mediados de la década, estos amplificadores saltaron el charco y se convirtieron en una pieza deseada entre los músicos estadounidenses. Según contaba el propio Marshall, Roy Orbison fue el primero en hacerle un pedido en 1964 aunque, sobre todo a partir de los setenta, fue habitual ver estas famosas cajas negras en conciertos y estudios de grabación. En una conocida imagen, la banda Kiss posó rodeada de ellos mientras Slash de Guns N’Roses o Kurt Cobain de Nirvana no entendían su música sin su presencia.

La marca Marshall, gracias a sus amplis, quedó asociada al rock. Y el negocio del baterista, aparte de prosperar espectacularmente, se convirtió en un distintivo en el mundo de la música, consiguiendo asociaciones comerciales con varios artistas. Marshall, que mantuvo la sede de la compañía en Londres a pesar de los efectos de la globalización y los consejos que recibió de ahorrarse costes fabricando sus productos en otros países, recibió el apodo de Padre del ruido. Incluso recibió condecoraciones de la Casa Real británica. Amante de los puros cubanos Montecristo y del whisky escocés, según dijo a The New York Times, Marshall contribuyó a que el rock se propagase con toda su fuerza innata. Solo basta escuchar a Jimi Hendrix, al que calificó como “el gran embajador” de su amplificador.

James McCartney quiere reunir a los vástagos de John Lennon, George Harrison y Ringo Starr en un nuevo proyecto musical.

ABC – EFE / LONDRES
Día 04/04/2012

James McCartney, hijo del exbeatle Paul McCartney, está dispuesto a formar una banda con los hijos de los integrantes de los Beatles, según afirmó el músico en una entrevista con la cadena británica BBC.

McCartney, de 34 años, señaló que el proyecto de juntar a la nueva generación del cuarteto de Liverpool en un grupo de música se ha debatido en alguna ocasión y que «es de esperar» que se haga realidad algún día. «Yo sería feliz haciéndolo», señaló el músico, que indicó que Sean Lennon, hijo del exbeatle John Lennon, «parecía estar conforme», lo mismo que Dhani Harrison, hijo del guitarrista George Harrison.

Las únicas reticencias que apuntó el hijo de McCartney fueron las de Zak Starkey, hijo del batería Ringo Starr -«No creo que Zak quiera hacerlo», dijo-, si bien apuntó qué «quizás Jason (hermano de Zak) estaría dispuesto». «Así que sí, quizás. Es de esperar aunque no lo sé, tendremos que aguardar y ver qué ocurre. Con la voluntad de Dios y el apoyo de la naturaleza, me imagino», afirmó el músico.
La influencia de su padre

James McCartney ha participado en algunos de los últimos trabajos discográficos de su padre y comenzó en 2009 una carrera en solitario que le ha llevado a publicar tres álbumes de música pop. El músico, que iniciará en breve una serie de conciertos en Estados Unidos, subrayó la influencia de su padre y de los Beatles en la música que compone.

«Cuando llegué a una cierta edad me di cuenta de que era mejor con la guitarra que otros niños del colegio. Entonces soñaba con ser mejor que los Beatles», consideró James McCartney. «Ahora no creo que sea tan bueno como ellos o como mi padre, pero definitivamente hay ciertas influencias», afirmó el músico. Acerca de su padre, McCartney aseguró que es «más que un genio» y una «gran inspiración» para él.

La siguiente parada del ciclo Music Legends nos llevará en volandas a otra noche mágica.

Manteniendo vivo el espíritu de esta serie de conciertos. Disfrutando de auténticas veladas de leyenda. El 17 de abril contaremos con una de las mejores bandas de blues de Chicago de todos los tiempos: Magic Slim &The Teardrops.

Entre nosotros un bluesman de la vieja escuela que alterna por igual blues eléctrico con tonadas soul e imprime la peculiar pátina de calidez que ofrece su impresionante voz. Una oportunidad única para ver a uno de los últimos bluesman. De disfrutar con su intensa y rasgada guitarra o el virtuosismo de sus vibratos marca de la casa.

Su carrera con la guitarra comienza después de perder un dedo. Slim se ve obligado a dejar el piano y elige la guitarra para seguir con la música. En Chicago es bautizado como Magic Slim por su amigo y mentor Magic Sam. Después funda su banda propia: los Teardrops, junto con sus hermanos menores Nick y Douglas.

Seis veces ganador del premio W. C. Handy como “Mejor Banda de Blues del Año”, y con veintitres álbumes a sus espaldas, Magic Slim es uno de los pocos “bluesman” aún vigentes y, a sus más de setenta años, sigue tocando y cantando con la misma fuerza y pasión que lo ha hecho siempre.

Toma nota: es su única fecha en España. Todo un lujo.

Fecha: 17 de abril 2012
Hora: 20:00 horas

Precio entradas: 24 €
Descuento: 25% con tarjetas BBK (2 entradas por tarjeta)
Tarjeta K18: Entrada gratuita y 50% dto. para acompañante. Siempre según disponibilidad.

Compra de entradas:
Sala BBK
Cajeros multiservicio BBK
944 310 310
www.salabbk.es

Han sobrevivido a todo tipo de osadías. Existen adaptaciones geniales, explosivas, insólitas, vergonzosas, emocionantes… He aquí una lista de los temas con más interpretaciones.

Por Fernando Neira / RollingStone  / 01 de Abril de 2012

1. ‘Yesterday’ (John Lennon/ Paul McCartney)

Así nació:  El récord Guinness a la canción con más versiones nació sin el más mínimo esfuerzo. Una feliz mañana de 1965, Paul McCartney se levantó en un hotel parisino con la melodía entre los labios, y le pareció tan redonda que tardó tiempo en persuadirse de que no la había escuchado antes en ningún sitio. Más difícil resultó la letra: cuenta la leyenda que, durante días, su autor canturreaba como primer verso “scrambled eggs, oh baby, how I love your legs” (“Huevos revueltos; oh, cariño, cómo me gustan tus piernas”). La inspiración literaria no le llegó a sir Paul hasta el 27 de mayo de 1965 en Portugal, durante un viaje de cinco horas en coche entre Lisboa y Albufeira. Paul se aprestaba a pasar unos días de vacaciones junto a su chica de aquel entonces, Jane Asher, en una casa que les había prestado el guitarrista de los Shadows, Bruce Welsh. La idea del cuarteto de cuerda y los arreglos son gentileza de George Martin. Pero, por una vez, los Beatles no eran pioneros: Buddy Holly ya había recurrido a arreglos de cuerda mucho antes, con sus éxitos de 1958 It doesn’t matter anymore y True love ways.

Las mejores lecturas: La primera versión alternativa de Yesterday la rubricó el baladista Matt Monro en 1965, cuando aún apenas se había dado a conocer el original de los Beatles. Pero la lectura que más adhesiones ha suscitado es la que el maestro Ray Charles llevó a los primeros puestos de las listas de soul en 1967. La recreación era soberbia, aunque sobre ella pese la losa de que a John Lennon nunca acabó de convencerle. Así las cosas, ofreceremos la alternativa de Marvin Gaye en 1970, una adaptación libérrima y abrasiva de pura pasión. O las de Smokey Robinson & The Miracles, Elvis Presley, Chris Farlowe y, claro, Frank Sinatra.

Visiones insólitas: Lo malo de las melodías tiernas y melancólicas es que las pueden terminar grabando personajes como Michael Bolton o Richard Clayderman. Tal ha sido el caso, por desgracia. También existen versiones latinas más o menos delirantes (Los Diplomáticos de Cuba, los mexicanos Vaquero’s Musical…) y una lectura en castellano que perpetraron Boyz II Men con el siguiente arranque: “Yesterday / Hoy me siento lejos del ayer / Tantas cosas han cambiado que / quisiera estar en el ayer”. En fin…

2. ‘Georgia on my mind’ (Hoagy Carmichael)

Así nació: El bueno de Hoagland Howard Carmichael, actor, intérprete y baladista, ya había compuesto piezas tan ineludibles en la historia del Tin Pan Alley (o jazz vocal) como Stardust cuando, en 1930, empezó a diseñar al piano la melodía superlativa de Georgia on my mind. Perezoso, como siempre, con la parte literaria, Hoagy encomendó la letra a un amigo banquero afincado en Nueva York, Stuart Gorrell. El estado de Georgia aprovechó la inmensa popularidad de la canción para proclamarla, en 1979, su himno oficial. Sin embargo, parece casi seguro que el tema aludía a la hermana del compositor, Georgia Carmichael.

Las mejores lecturas: Ya en 1931, el saxofonista de jazz Frankie Trumbauer consiguió un éxito instantáneo con Georgia on my mind, que también pasaría por manos y voces tan distinguidas como las de Louis Armstrong, Django Reinhardt, Billie Holiday, Willie Nelson, Tom Jones, The Band o James Brown. Poco conocida y fascinante es la interpretación que un adolescente Steve Winwood registró para el Spencer Davis Group en 1965. Van Morrison la grabó, por fin, en Down the road (2002), después de haberla hecho suya en muchos conciertos. Pero la versión por antonomasia vuelve a ser la del añorado Ray Charles, que obtuvo por ella tres premios Grammy y, encima, era natural de Georgia. Ray la inmortalizó en Nueva York, en apenas cuatro tomas –él solía invertir entre diez y doce para cada tema– y con Ralph Burns como responsable de los arreglos orquestales. La idea de grabar la canción partió del chófer de Charles, que se la había oído tararear en sus viajes por toda América.

Visiones insólitas: Las Georgias más pintorescas provienen del mundo del cine. En la cemonia de los Grammys 2005–en la que Ray obtuvo ocho estatuillas por el póstumo Genius loves company–, Alicia Keys interpretó la canción en compañía del actor Jaime Foxx, que pocas semanas después obtendría el Oscar por su papel de Ray Charles en la biográfica Ray. Más curioso aún resulta escuchársela al actor Jack Lemmon en su disco Piano & vocals, de 1990. Lemmon ya había hecho sus pinitos musicales a finales de los 50, en la época de Con faldas y a lo loco, y, vaya, no lo hacía mal…

3. ‘My way’ (Claude François/ Paul Anka)

Así nació: La canción que el mundo entero identifica con Frank Sinatra nació en 1967 en lengua francesa con el título de Comme d’habitude (Como de costumbre). Era una historia malévola sobre el hastío de la vida conyugal que escribió Gilles Thibaut y a la que pusieron música Jacques Revaux y uno de los personajes más populares de la Francia ye-yé, Claude François. Más de uno pensó que aquella historia constituía una cruel venganza del seductor Clo-Clo hacia la cantante France Gall, con la que había compartido lecho. A los pocos meses, el canadiense Paul Anka (el de Diana) escuchó la canción en la tele francesa, se enamoró de la melodía y la transformó al inglés en una historia de orgullo y reivindicación personal. Perfecto para un personaje de vida disoluta como el amigo Sinatra.

Las mejores lecturas: Sinatra ha sido el gran catalizador, qué duda cabe, de esta canción ideal para voces con mucho temperamento. El 12 de abril de 2004, coincidiendo con el 35 aniversario de su grabación, la editorial Warner promovió la difusión simultánea del tema –en cualquiera de sus versiones– a través de 35.000 emisoras y anunció que My way era el tema más radiado de la historia. Pero cualquiera sabe: cinco años antes, la sociedad estadounidense de derechos BMI había dicho lo mismo de You’ve lost that lovin’ feeling, de los Righteous Brothers. Otras lecturas ineludibles de My way incluyen la de su autor anglófono, Paul Anka (solo o con Julio Iglesias), Tom Jones, Nina Simone y, claro, Elvis Presley.

Visiones insólitas: Lo más pintoresco de todo es constatar que un jovencísimo David Jones (Bowie, para entendernos) también asumió la adaptación al inglés de Comme d’habitude y así dio forma a Even a fool learns to love [Hasta un tonto aprende a amar], una versión en la que un chico jocoso disimula su debilidad por la chica guapa del grupo. Existe una grabación en la que se escucha a Bowie canturrear su frustrada lectura sobre el vinilo original de Claude François. Por lo demás, My way ha certificado una maleabilidad casi camaleónica, con lecturas de punk desaforado (Sid Vicious desquiciadísimo, ya en solitario tras la disolución de los Sex Pistols), raï argelino (en la famosa reunión de los tres grandes del género, Khaled, Rachid Taha y Faudel), rap (Jay-Z), belcanto (Los Tres Tenores) o lolailo puro, con los Gipsy Kings a dúo junto a ¡Joan Báez!, en clave de rumbita. Desde luego, la lectura de los vigueses Piratas tenía mucha más enjundia que todo eso.

4. ‘(I can´t get no) Satisfaction’ (Mick Jagger/ Keith Richards)

Así nació: De nuevo, nada como los brazos de Morfeo para esperar la llegada de la inspiración. Y de nuevo, el mítico 1965. En mitad de una noche de mayo, Keith Richards se despertó en el hotel Fort Harrison de Clearwater (Florida) con las palabras “can’t get no satisfaction” y el famoso acorde de guitarra en la cabeza. Resguardó la idea en una casete y luego siguió roncando. Jagger remataría la jugada con un texto rebelde e inconformista, crónica generacional de frustraciones sobre la vida moderna, la carretera, el sexo y los medios de comunicación. La combinación de música, letra y guitarra distorsionada era dinamita pura, pero Richards no las tenía todas consigo: sospechaba que su subsconciente onírico se había limitado a combinar el acorde de Dancing in the street (Martha & The Vandellas) con una línea del viejo tema 30 days, de Chuck Berry, que dice “I don’t get no satisfaction from the judge”. Por todo ello, Satisfaction sólo se publicó en un primer momento en Estados Unidos y tardó tres meses en llegar a las tiendas de Londres.

Las mejores lecturas: Sin duda, la más memorable es la que Otis Redding llevó al éxito a principios de 1966 con una rutilante sección de metales; curiosamente, la idea original de Keith Richards que el resto de los Stones se encargaron de abortar. Devo firmaron una espasmódica versión tecno-new wave en su disco Q: Are we not men? A: We are Devo! (1978), bajo la producción de Brian Eno. Y el punk sacó todo el partido a la furia del original, sobre todo en manos de The Residents, que la recrearon en un sencillo vanguardista de puro ruidoso.

Visiones insólitas: La inmensa cantidad de dinero que esta canción generó en derechos de autor a Jagger y Richards también ha tenido procedencias con tan poco pedigrí rockero como Samantha Fox, que la grabó en su debú (1987) en la clave disco-chis-pom de sus productores Aitken/Scott/Waterman. Y no ha sido la única rubia abducida por la canción: hace unos años, Britney Spears también la incluyó –vaya por Dios– en su disco Oops! I Did It Again. Pero la insatisfacción femenina más racial es morena y mexicana. Se trata de Alejandra Guzmán, la hija del rockero primigenio Enrique Guzmán, que en su disco Dame tu amor grabó Satisfacción con rimas como “no me doy por satisfecha / y no quiero consentir / que te burles tú de mí”, o “no me doy por satisfecha / que te planto es un hecho”. En efecto: esto ya no es una crónica generacional.

5. ‘Blowin’ in the wind’ (Bob Dylan)

Así nació: Ah, la incontinencia creativa. Cuentan que aquel Bob Dylan de 19 años que pugnaba por hacerse el rey del Greenwich Village neoyorquino se ventiló la letra de Blowin’ in the wind en diez minutos y se limitó a tomar prestada una vieja canción de esclavos, No more auction block, para la parte musical. Eran los años en que Dylan apenas se concedía unas pocas horas de sueño “para que no se le escaparan” las ideas que bullían en su cabeza. Esta pieza de, en apariencia, filosofía oriental tántrica, pudo escucharse por vez primera en el club Gerde’s, el 19 de abril de 1962, y un mes más tarde se reprodujo (letra, melodía y progresión armónica) en la portada del mítico número 6 de la revista Broadside. Un alumno de la universidad de Nueva Jersey, Lorre Wyatt, compró aquella revista, tocó profusamente la canción con su banda estudiantil y en 1963, cuando se editó el disco The freewheelin’, hizo creer al semanario Newsweek que Dylan le había robado el tema.

Las mejores lecturas: Casi antes de que Bob publicara la canción, su representante, Albert Grossman, se la cedió al trío de folk vocal Peter, Paul & Mary, que en el verano de 1963 la llevaron al número 2 de las listas. Las versiones de corte folkie son casi innumerables, desde Pete Seeger a Judy Collins, el mítico Kingston Trio o los maravillosos The Seekers. Más de uno se llevará una agradable sorpresa si la escucha en la voz de la jovencísima Cher de All I really want to do, su disco folk-rock de 1965. Otro mozalbete de la época, de nombre Stevie Wonder, supo trasladar Blowin’ in the wind al primer puesto de las listas de rhythm and blues en el verano de 1966. Más recientemente, quien mayor partido rockero ha sabido extraerle a la canción es Neil Young con Crazy Horse, que dejaron una lectura rabiosa –con explosiones de bombas y disparos incluidos– en su doble directo Weld (1991).

Visiones insólitas: Confiésalo. En la comunión de algún sobrinito habrás tenido oportunidad de entonar aquello de “por este mundo que Cristo nos da / hacemos la ofrenda del pan. / El pan de nuestro trabajo sin fin / y el vino de nuestro cantar”. El mix parroquial de Blowin’ in the wind es fruto del poliédrico talento del periodista Ricardo Cantalapiedra, al que habrás leído en El País. En comparación con tan altos designios, apuntar que el clásico de Dylan también ha sido tratado de forma ligera por Trini López o masacrado en la consabida versión orquestal de Ray Conniff.

6. ‘Johnny B. Goode’ (Chuck Berry)

Así nació: La canción que todo aspirante a estrella del rock ha tarareado alguna vez es esta pieza “más o menos autobiográfica” que en 1958 lanzó al estrellato a un graduado en maquillaje y peluquería de nombre Chuck Berry. El autor cambió “that little colored boy” (“ese pequeño chico de color”) por “country boy” (“chico de campo”) para llegar a un público más amplio. El nombre de Johnny era un homenaje al pianista Johnnie Johnson, con el que Chuck tocó en numerosas ocasiones durante los 50. En el año 2000, Johnson se querelló sin éxito contra Berry, reclamando que había sido el coautor de muchos de sus temas (incluido éste).

Las mejores lecturas: Keith Richards dijo: “Fue la primera canción de rock que escuché en mi vida”. Es lógico, por eso, que se introdujera en el repertorio de muchos grandes del género, desde los Beatles (fantástica lectura en las sesiones de la BBC) a Jerry Lee Lewis, Bill Haley, Grateful Dead, Al Kooper, los Stones, Hendrix o nuestros Burning. Johnny Halliday también la hizo suya en francés, como Johnny, reviens!

Visiones insólitas:  Algunos de los chicos más pastoriles de las praderas americanas quisieron ganar pedigrí con esta canción, caso de los Carpenters o John Denver. Los aspavientos de estos angelotes por parecer rockeros aguerridos resultaban un tanto patéticos. Incluso el por entonces ídolo de jovencitas Leif Garrett grabó (1977) este himno.

7. ‘What a wonderful world’ (Bob Thiele/ George D. Weiss)

Así nació: La emocionante canción de Louis Armstrong se publicó en 1968 con el recelo del director de ABC Records, persuadido de que aquella “cursilada” no llegaría muy lejos. Armstrong accedió a percibir unos emolumentos muy discretos, 250 dólares, para asegurarse de que los músicos de la orquesta también cobrarían. La canción la habían escrito Bob Thiele –por entonces productor de Mingus, Coltrane o Charlie Haden– y George David Weiss, el mismo compositor que le entregó Can’t help falling in love a Elvis. Ninguno de los dos quiso reparar en el detalle de que ya existía un gran tema titulado (What a) wonderful world, ése de Sam Cooke que empieza “Don’t know much about history” y fue popular gracias a la tremenda escena de Único testigo, protagonizada por Harrison Ford. Pero este segundo Mundo maravilloso logró aún mayor popularidad.

Las mejores lecturas: Junto a la interpretación clásica de Louis Armstrong, cerca ya de su muerte, estremece la versión que la malograda Eva Cassidy registró en vivo en 1996, sometida a una fuerte medicación y sólo seis semanas antes de morir por un cáncer de piel con sólo 33 años. Casi nadie reparó en Cassidy durante su breve vida, pero en 2001 aparecía entre las 20 mejores voces de todos los tiempos en una macroencuesta de la BBC. Tony Bennett también grabó esta pieza con su elegancia característica.

Visiones insólitas: Una visión poética e idealizada sobre la vida cotidiana no parecería la materia prima más común para un bandarra tan ilustre como el difunto Joey Ramone, voz de los Ramones, pero gustaba de interpretarla en vivo, como atestigua su disco póstumo Don’t worry about me. El tema también se encuentra entre las rarezas discográficas de Nick Cave con sus indómitos Bad Seeds.

8. ‘Ain’t no sunshine’ (Bill Withers)

Así nació: Tras nueve años en la marina y un trabajo en una fábrica de tazas de váter, Withers debutó a los 32 años, en 1972, con estos dos minutos de desolación que le inspiraron la visión de la película Días de vino y rosas (con Jack Lemmon haciendo de alcohólico). Producía Booker T. Jones, Stephen Stills tocaba la guitarra. Pero Ain’t no sunshine apareció en un principio como cara B de Harlem, una canción de la que hoy casi nadie se acuerda. Los pinchadiscos se encargaron de enmendar el error.

Las mejores lecturas: Pocos meses después de la original, la llevó a las listas de éxito Michael Jackson cuando aún era joven, negro y brillante. Ain’t no sunshine ha pasado también por otras manos no poco hábiles, desde Prince a Tom Jones, Paul McCartney o Sting.

Visiones insólitas: Con esa facilidad del hip- hop para fagocitarlo todo, el rapero DMX asaltó las calles en 2001 con un sampleado del original que tituló, sencillamente, No sunshine. Nada que ver con la visión bucólica que el dandi vaquero Kenny Rogers había propuesto un par de décadas antes.

9. ‘Me and Bobby McGee’ (Kris Kristofferson)

Así nació: El galán Kris Kristofferson –que, entre sus múltiples conquistas, también había tenido un rollete con Janis Joplin– escribió este tema en 1970 a partir del nombre de una secretaria, Bobbi McKee, que trabajaba en las oficinas de su editorial. Se trataba de un relato liberador y romántico, una traducción country del espíritu de Jack Kerouac y su libro En el camino. Pero Bobby McGee no funcionó en su primera lectura, la de la estrella campestre Roger Miller, ni destacó en la que el propio Kristofferson registró en su debú discográfico, Kristofferson (1971). Hasta que llegó La Perla…

Las mejores lecturas: Janis Joplin hizo historia desde el otro barrio: su Me and Bobby McGee era el segundo número uno póstumo en la historia de la música popular, tras el (Sittin’ on) the dock of the bay, de Otis Redding. Su mérito había radicado en convertir a la salvaje, nómada y libérrima Bobby McGee en un verdadero álter ego. Jerry Lee Lewis también llegó al top 40 con este tema que conoció otras aproximaciones distinguidas (Johnny Cash, Chet Atkins, Waylon Jennings). Pero nada comparable a la volcánica furia blues-rock de la pobre Janis Joplin.

Visiones insólitas: Siete años antes de agitar las caderas al mundo como pareja de baile oficial de Travolta, una casi bisoña Olivia Newton-John intentaba hacerse hueco como baladista romántica y sentimental (que a veces puede ser sinónimo de ñoña). Ella encarnó a una Bobby McGee mucho más recatada para el disco If not for you, en el que también se incluían temas de The Band o Gordon Lightfoot. A descubrir…

10. ‘Killing me softly with his song’ (Lieberman/ Gimble/ Fox)

Así nació: Tras escuchar a Don McLean (ya sabes, el de American Pie) en el teatro Troubadour de Los Ángeles, la cantante Lori Lieberman se sintió fascinada y comenzó a escribir un poema titulado Suavemente me mata con su canción. De la música se acabaría encargando un equipo de probada solvencia, Norm Gimble y Charles Fox, los mismos del Oh, happy day. Lieberman estrenó el tema en un disco de 1971 que muy pocos padres guardarán en sus discotecas. Pero Roberta Flack descubrió la canción de marras en el hilo musical del avión, volando de Los Ángeles a Nueva York, y decidió ponerse manos a la obra. Era 1973.

Las mejores lecturas: La “versión universal” de Roberta Flack ocupó tres meses de intenso trabajo en el estudio. El esfuerzo se vería recompensado con tres premios Grammy. Casi al mismo tiempo, el refinado Johnny Mathis titulaba su nuevo disco Killing me softly with her song, con el cambio de género (his, masculino por her, femenino) pertinente para evitar suspicacias. La pieza revivió sus mejores días en 1996: número uno británico y estadounidense gracias al hip-hop ligero de los Fugees de Lauryn Hill.

Visiones insólitas: Como el titulito, la verdad, da mucho juego, el original de Lieberman, Fox y Gimble ha conocido adaptaciones más o menos pintorescas al español (Matándome suavemente, de los inenarrables Los Toros Band y la reciente versión pseudoflamenca de Pitingo) o al alemán, con el grupo Meine Grössten Erfolge y su Das lied meines lebens. Pero nada más irritante, a buen seguro, que escucharle la canción de marras a la mamá vegetariana y el hijo relamido que protagonizaban con Hugh Grant la peli aquélla de Érase una vez un padre (2002), sobre la novela de nuestro más musiquero novelista, Nick Hornby.

CÓMO SE HIZO

Esta lista de las canciones con más versiones se ha elaborado cruzando los datos de diversas fuentes, como el Libro Guinness de los Récords, la página web All Music Guide (allmusic.com) y la base universal de canciones ISWC, un registro equivalente al ISBN que figura en todos los libros editados en cualquier rincón del mundo. Se han preferido suprimir algunos títulos con muchas versiones que encajaban peor en la consideración de música pop, como el villancico White Christmas. En cualquier caso, este top 10 tiene más vocación recreativa que científica.

En el espectáculo, concebido para celebrar el 50 aniversario de su primer éxito y que llegará el próximo 14 de septiembre, se interpretarán más de veinte de sus temas

ABC.es

EFE / Londres
30/03/2012

ABC / John Lennon y Paul McCartney, en la época más feliz de los Beatles

El West End londinense, el circuito de grandes teatros del centro de la capital británica, celebrará el cincuenta aniversario del primer éxito de los Beatles con un nuevo espectáculo en el que se interpretarán más de veinte de sus temas.

El musical, titulado «Let It Be», se representará en el teatro Prince of Wales, donde el famoso cuarteto de Liverpool actuó en 1963 en la llamada «Royal Variety Performance», una gala anual a la que asisten miembros de la Familia Real británica.

Entre las canciones que se interpretarán figuran éxitos de los años sesenta como «A Hard Day’s Night», «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band», «Strawberry Fields Forever» y «Get Back». El espectáculo se estrenará el próximo 14 de septiembre, un mes antes de que se cumplan los cincuenta años desde que los Beatles lanzasen su sencillo «Love Me Do».

Este tema ocupó el primer puesto de la lista de los éxitos de Estados Unidos dos años después de su lanzamiento, mientras que en el Reino Unido no logró posicionarse entre los cinco primeros hasta 1982, cuando se reeditó.

Récord de discos vendidos

El cuarteto de Liverpool -compuesto por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr- mantiene el honor de ser el que más discos ha vendido en la historia, un récord estimado en alrededor de mil millones, más de cuatro décadas después de su disolución.

El anuncio de este nuevo espectáculo en su honor llega poco después de que Paul McCartney recibiera el Grammy al mejor disco histórico por «Band On The Run» y afirmase que reeditará el 22 de mayo «RAM», su segundo álbum publicado después de la disolución de los Beatles y el único que compuso junto a su mujer Linda.

El FIB 2012 toca techo con el anuncio de Bob Dylan

El pasado 19 de marzo celebró medio siglo desde su primer disco
Su ‘fichaje’ cumple todas las aspiraciones de la empresa Maraworld

ELMUNDO.es | Castellón
27/03/2012

La empresa Maraworl acaba de anunciar el máximo cabeza de cartel del FIB 2012, Bob Dylan.

A sus recién cumplidos 70 años, esta vieja gloria del pop rock y blues mundial cumple las expectativas del Festival Internacional de Benicàssim que en su décimo octava edición ‘celebrará’ el concierto de uno de sus sueños, el aclamado Dylan, quien, el pasado 19 de mayo festejó medio siglo desde que editara su primer disco y quien podría ‘hacer explosionar’ al público de Benicàssim aportando parte de su material inédito que está grabando para un nuevo disco.

Con el fichaje de cantautor vivo por excelencia para el FIB, la empresa Maraworld supera todas sus expectativas e incluso puede llegar a tocar techo, ya que el segundo cabeza de cartel al que ha aspirado en los últimos años, R.E.M., ya parece improbable que actúe en Benicàssim, tras anunciar su separación.

El de Minnesota no actúa en España desde junio de 2010, fecha en la que el autor de ‘himnos’ como ‘Blowin’ In The Wind’ abarrotó la sala de Poble Espanyol de Barcelona.

Los tres ‘grandes’ que aterrizan en Benicàssim este verano son tres viejas glorias entre las nuevas generaciones de ‘fibers’. De hecho, Bob Dylan se une a The Stone Roses y New Order demostrando un espíritu ecléctico del festival tanto como mítico: con estrellas de los 70’s, 80’s y 90’s’, al tiempo que deja ya para los inicios el carácter genuino de independiente.

El Festival Internacional de Benicàssim se celebrará del 12 al 15 de julio en esta localidad costera de Castellón con otras nuevas incorporaciones.

Según indica la organización en su página web, además de los cabezas de cartel, Jessie J, Robyn Hitchcock & The Venus 3, Agoria, Totally Enormous Extinct Dinosaurs y Arveene & Misk se suman a los artistas ya anunciados para la decimoctava edición de FIB: The Stone Roses, New Order, Florence + The Machine, At The Drive-In, David Guetta, Noel Gallagher´s High Flying Birds, De La Soul, Dizzee Rascal, The Horrors, The Maccabees, Bombay Bicycle Club, The Vaccines, etcétera.

«Otra figura ilustre de todos los tiempos que tenemos el orgullo de presentar, es el polifacético Kim Fowley, quien será la piedra angular sobre la que pivotará la presentación de la nueva edición de FIB Cinema», explican desde la empresa.

La cantante Aretha Franklin en una de sus actuaciones. | Afp

El Mundo – Dpa | Nueva York
26/03/2012

La cantante estadounidense Aretha Franklin celebra sus 70 años con un nuevo contrato discográfico, según ha confirmado la revista ‘Forbes’.

La ‘reina del soul’ acordó con su ex productor Clive Davis grabar un nuevo disco durante una fiesta adelantada para celebrar su cumpleaños en la noche del sábado.

Franklin y Davis se conocen desde hace años. El productor, que en una semana cumplirá 80 años, había ayudado a la cantante a reiniciar su carrera en los años 80.

Davis también fue un descubridor y promotor de la ahijada de Aretha Franklin, Whitney Houston, quien murió a principios de febrero a los 48 años, justo antes de ir a una fiesta de Davis.

De acuerdo con ‘Forbes’, la cantante, de muy buen ánimo, dijo que se siente más de 50 que de 70 años.

La propia diva se llamó ‘Reeree Button’, una juego de palabras entre su apodo y el relato de Francis Scott Fitzgerald ‘El curioso caso de Benjamin Button’, un hombre (interpretado en la gran pantalla por Brad Pitt) que nace con el cuerpo de un anciano y que con el transcurso del tiempo va rejuveneciendo.

Leonard Cohen actuará en octubre en Barcelona y Madrid

Leonard Cohen, en su último concierto en Madrid el 12 de septiembre de 2009 / Ignacio Gil

ABC
M. de la Fuente / Madrid
Día 26/03/2012

Las fechas son el día 3 (Barcelona) y 5 (Madrid). Las entradas se ponen a la venta este viernes día 30

Leonard Cohen volverá a España en octubre, casi un año después de que recibiera el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en una emotiva y bellísima ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Campoamor de Oviedo el pasado 21 de ese mes de octubre.

Pero en esta ocasión, el artista canadiense viene cargado con su música y su poesía dentro de la gira de presentación de su último y fantástico disco, «Old ideas», que empieza el 12 de agosto.

Las dos ciudades afortunadas son Barcelona (3 de octubre, Palau Sant Jordi) y Madrid (5 de octubre, Palacio de los Deportes).

«Old ideas» ha sido el álbum que más alto ha llegado en las listas de ventas de todos los publicados en su larga y fructífera carrera por Cohen.

La Sala BBK también ha anunciado la actuación, el 18 de julio, del músico de blues Henry Saint Clair Fredericks, conocido artísticamente como Taj Mahal.   Lleva en los escenarios practicamente toda su vida, y en su repertorio tienen cabida el reggae, el jazz y la música afroamericana. 

Taj Mahal grabó su primer disco en 1967 y rápidamente estaba dando shows con los Grateful Dead y Jefferson Airplane.

Taj fue un multi-instrumentista (tocaba la guitarra, el piano, el bajo, el órgano, mandolina, chelo, salterio, flautín, la armónica, kalimba, vibráfono, dobro…).

Taj por siempre compuso nuevas músicas combinando nuevas formas musicales resultando llenas de energía y con resultados evocativos.

Domingo, 27 de mayo de 2012
20:00 – 22:00

Jimmy Cliff, cuyo nombre real es James Chambers, es un músico, actor y cantante de reggae jamaicano, conocido por canciones como «Sittin’ in Limbo», «You Can Get It If You Really Want» , «Many Rivers to Cross» , «I Can See Clearly Now» , «Samba Reggae”.

Considerado uno de los pioneros en introducir el reggae en los mercados de buena parte del mundo, su carrera está a la altura de los máximos exponentes del reggae como Bob Marley o Peter Tosh.

En Octubre de 2003, el Gobierno de Jamaica le otorgó el premio honorífico de “Orden al Mérito” por su contribución al cine y música jamaicanos.

Fecha: 27 de mayo 2012
Hora: 20:00 horas
Precio entradas: 20€ patio de pie / 26€ anfiteatro

Descuento: 20% con tarjetas BBK (2 entradas por tarjeta)
Tarjeta K18: Entrada gratuita y 50% dto. para acompañante. Siempre según disponibilidad.

Compra de entradas:
Sala BBK
Cajeros multiservicio BBK
944 310 310
www.salabbk.es

Domingo, 6 de mayo de 2012
20:00 – 22:00

Palacio Euskalduna   
Este evento se celebrará en el Palacio Euskalduna con el patrocinio de la Sala BBK.
Con todos ustedes, el gran James Taylor: cantautor y guitarrista estadounidense, ganador de cinco Premios Grammy.
Su carrera comenzó a mediados de los años 60, pero encontró su público a inicios de los 70 cantando canciones acústicas suaves y sensibles. Taylor formó parte de una ola de cantautores suaves que incluye a Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Jackson Browne y Carly Simon, con quien se casó más tarde. Fue precisamente el éxito comercial de Taylor que abrió el camino para toda esta generación de cantautores.

Fecha: 6 de mayo 2012
Hora: 20:00 horas
Precio entradas: entre 50€ y 70€

Compra de entradas:
Sala BBK
Cajeros multiservicio BBK
944 310 310
www.salabbk.es

Bill Wyman y Mick Taylor dos ex Rolling Stones el 17 de junio y 3 de julio respectivamente a la Sala BBK. Ahí es nada. Dos veladas de auténtica leyenda. Dos ex componentes de la mítica banda de los cantos rodados nos visitan dentro del ciclo Music Legends.

Bill Wyman abandonó los Rolling en el 93 para formar su propia banda Wymans Rhythm Kings. Llegará con 6 discos de auténtico lujo bajo el brazo. A lo largo de su carrera ha contado con una nómina de músicos de altura entre sus colaboradores: Albert Lee, Gary Brooker, Martin Taylor…

Por su parte Mick Taylor, uno de los guitarras más emblemáticos de todos los tiempos fue capaz de cambiar el sonido de los Stones. Posteriormente decidió que su lugar estaba en otra parte. Ya en solitario ha colaborado con estrellas de la talla de Bob Dylan, Carla Olson o el propio Keith Richards. Además ha colaborado con Wymans Rhythm Kings.

Diremos eso de imperdibles.

Bill Wyman & The Rhythm Kings
Fecha: 17 de junio 2012
Hora: 20:00 horas
Precio entradas: 30 €
Descuento: 25% con tarjetas BBK (2 entradas por tarjeta)

Mick Taylor
Fecha: 3 de julio 2012
Hora: 20:00 horas
Precio entradas: 25 €
Descuento: 25% con tarjetas BBK (2 entradas por tarjeta)

Compra de entradas:
Sala BBK
Cajeros multiservicio BBK
944 310 310
www.salabbk.es

A finales de mayo se lanza la edición restaurada fotograma a fotograma en DVD y Blue-ray de Yellow submarine.

El País
Manuel Cuéllar –  Madrid 22 Marzo 2012

A finales del año pasado Apple ofrecía gratuitamente el libro interactivo del éxito de los Beatles Yellow Submarine. 43 páginas con audios, vídeos, texto, dibujos y otros contenidos interactivos basados en el disco y la película de 1968, casi a una página por cada año desde su creación. En 2009 se anunció a bombo y platillo que la película se estaba preparando para su relanzamiento en 3D para 2012, pero la última noticia ofrecida por Apple records es una restauración digital y el lanzamient en DVD y Blu-ray el próximo 28 de mayo de una de las películas más psicodélicas de los Beatles. También se reeditará (una vez más) la banda sonora en la misma fecha.

Según las informaciones facilitadas por la compañía de discos, en esta restauración no se ha utilizado “software automatizado y la limpieza de la película se ha realizado fotograma a fotograma debido a la delicada naturaleza de la obra original dibujada a mano”.

Como es natural, una de las grandes ofertas de esta reedición tendrá que ver con su contenido extra. El DVD ofrecerá una especie de minidocumental de siete minutos titulado ‘Oddyssey Mod’, el tráiler original de la película, comentarios de audio del productor John Coates y el director de arte Heinz Edelmann, las secuencias del storyboard, 29 dibujos a lápiz original y 30 fotos de lo ocurrido durante la filmación de la película en 1968. También incluirá reproducciones de fotogramas de animación de la película, pegatinas coleccionables, y un folleto de 16 páginas con un texto de John Lasseter (director creativo de Walt Disney y Pixar Animation Studios) quien se declara fan de la película.

Lasseter escribe en su ensayo: «Como un fan de la animación y como cineasta, me quito el sombrero ante los artistas de Yellow Submarine, cuyo revolucionario trabajo ayudó a allanar el camino para el mundo de la animación que todos disfrutamos hoy en día.»

El ‘viejo’ que destronó a los Beatles

A sus 75 años Engelbert Humperdinck acude al rescate del Reino Unido, que lleva 15 años sin ganar Eurovisión

El Diario Montañes 21.03.12 – Álvaro Soto

Quien piense que España es el país que con más frecuencia hace el ridículo en Eurovisión puede consolarse con el Reino Unido. La patria de Lennon y McCartney y de los Rolling Stones, la mayor potencia musical europea, solo ha ganado cinco veces en las 56 ediciones del festival. De su última victoria han pasado ya 15 años, y en esta última década y media todo han sido humillaciones para los representantes de la Union Jack. Ha quedado entre los puestos 22 y 26, con un momento dramático en 2003, cuando el grupo Jemini fue último, con cero puntos (‘nul points’), un resultado que la prensa sensacionalista interpretó como un ataque al orgullo nacional. Unos comenzaron a preguntarse por qué el continente odiaba a las islas, otros sugirieron que la BBC no acudiera nunca más al certamen; un tercer grupo, en cambio, se puso a buscar soluciones.
Tras varios intentos fracasados, para 2012 alguien decidió abrir el baúl de los recuerdos y apareció el nombre de Engelbert Humperdinck, un cantante de 75 años cuyo mayor hito fue desbancar a los Beatles del primer puesto de la lista británica. La balada ‘Release me’, que de pastelona provocaba subidas de azúcar generalizadas en las adolescentes de la época, superó en 1967 al ‘Strawberry Fields’ de los chicos de Liverpool y se mantuvo seis semanas en el número uno. Fue toda una sorpresa. El anglo-indio Humperdinck ya tenía entonces 30 años, había sufrido para hacerse un hueco en el mundo de la música y vivió con estrecheces hasta que grabó su primer ‘hit’. A partir de ese momento, cosechó varios éxitos (‘There goes my everything’, ‘The last waltz’, ‘Quando quando quando) y puso el mundo a sus pies. Se repartió con el ‘tigre’ Tom Jones el favor de las mujeres y comenzó a actuar en Las Vegas, donde derrochó seducción y bonhomía y se hizo íntimo de Elvis Presley, que llegó a decir de él: «He encontrado al hermano gemelo que murió cuando yo nací».
150 millones de discos
¿Por qué se la juega Reino Unido con Humperdinck? Los expertos en los tejemanejes de Eurovisión creen que en la BBC han sido muy astutos al apostar tan fuerte por ‘Hump’. Para empezar, será el cantante de más edad que nunca ha competido en el certamen europeo, lo que le proporcionará publicidad gratis y posiblemente, la simpatía de los espectadores más veteranos, que también votan. Pero además resulta que el intérprete británico, que todavía cuenta con una legión de seguidores por todo el mundo, disfruta extrañamente de una enorme popularidad en Rusia, en las antiguas repúblicas soviéticas y en Escandinavia; precisamente, las zonas territoriales donde, gracias al intercambio de votos y favores, se suele decidir el ganador. Y obviamente, habrá que pensar que quien tuvo retuvo y que a ‘Hump’ no se le ha olvidado cantar. El protagonista, entusiasmado, se ha tomado su nuevo cometido como una misión. «Quiero tener el apoyo de toda la nación», proclama el emocionado Engelbert Humperdinck, el abuelo de nueve nietos que quiere volver a sentirse joven.

Beatles Revival Cantababria celebra su segundo aniversario en el Black Bird

A los 66 años
Fallece Davy Jones, cantante de The Monkees

Londres, 1 Mar. (Europa Press)

El miércoles falleció en Florida la voz y, según muchas, el rostro de The Monkees, la banda estadounidense que saltó de la pequeña pantalla a las listas de éxitos con canciones como Im a Believer, Last Train to Clarksville o Daydream Believer a finales de los 60.

Davy Jones, nacido en Manchester, falleció el pasado miércoles en el Martin Memorial Hospital de Stuart, Florida, a los 66 años de edad, tras sufrir un ataque al corazón. Tras conocerse la noticia, estrellas como Will Smith, Eva Longoria o Neil Diamond -quien escribió para The Monkees Im a Believer- expresaron su pesar en Twitter y Facebook.

Jones había comenzado su carrera como actor a los 11 años en la serie británica Coronation Street. Su participación en el musical Oliver! le llevaría a Broadway, donde lograría una nominación a un Tony y entrar en contacto con la compañía Screen Gems, que en 1966 crearía la serie de televisión The Monkees.

«Yo era un actor que podía cantar, igual que Micky Dolenz», explicó en su día Jones sobre el casting al que se presentó en el que se buscaban Cantantes y músicos de Folk & Roll para papeles en una serie de televisión. «Mike Nesmith y Peter Tork eran músicos. Había una mezcla de intereses», señalaba.

Entre 1966 y 1968 la serie The Monkees logró un gran éxito en televisión, incluyendo dos premios Emmy, pero el verdadero éxito lo tuvo en las listas de ventas de música. Los cuatro primeros discos alcanzaron el número uno en las listas estadounidenses, logrando todos ellos la certificación de multiplatino.

Tras la cancelación de la serie y una batalla legal por lograr el control de la música que hacían, The Monkees continuaron con los discos y las giras, e incluso participaron en una película, Head, de 1968. Sin embargo, con el paso de los años solo Micky Dolenz y Davy Jones se quedaron al frente del proyecto, que expiró en 1970.

Durante años, Jones y Dolenz continuaron dedicándose a la música junto a Tommy Boyce y Bobby Hart, hasta que a mediados de los 80 la MTV resucitó la serie y Nesmith y Tork se reunieron con sus antiguos compañeros para una gira que finalmente se traduciría en la grabación de dos nuevos discos.

Considerados en su día como una imitación-parodia de los Beatles, lo cierto es que la última vez que se pudo ver a The Monkees sobre un escenario fue el año pasado, cuando realizaron una gira por el 45 aniversario de la banda. Según Dolenz, entonces Davy seguía en plena forma: «Las mujeres todavía se volvían locas con él».

Diamantes Musicales saca nuevo CD con temas de grupos de Cantabria que han pasado por el programa de Oidradio y/o que han participado en actos organizados por la Asocición Cultural.

Diamantes Musicales saca nuevo CD con temas de grupos de Cantabria que han pasado por el programa de Oidradio y/o que han participado en actos organizados por la Asocición Cultural.

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