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Actualizado 08/12/2015 11:45:06 CET

MADRID, 8 Dic. (EDIZIONES – David Gallardo) – John Winston Lennon nació en la localidad inglesa de Liverpool el 9 de octubre de 1940. Aunque en ese momento nadie lo imaginara, se trataba de un bebé que se desgañitaba en sus noches de insomnio con un especial sentido de la musicalidad, pues estaba destinado a ser uno de los compositores fundamentales del siglo XX, y eso es algo innato que viene de serie.

Siendo todavía un joven imberbe, sumergido entre discos de Elvis Presley y Fats Domino, John inició su trayectoria musical a finales de los cincuenta en The Quarrymen, una banda en la que se fogueó ya con Paul McCartney y George Harrison. Con el cambio de nombre y de década nacieron The Beatles (poco después apareció Ringo Starr) y el rumbo de los acontecimientos mutó de golpe y porrazo con toneladas de demencia fanática en todo el mundo conocido.

Un fanatismo que terminaría convirtiendo a John Lennon en un icono cultural, gracias también a su soberbia trayectoria en solitario durante la década de los setenta, hasta su trágico asesinato el 8 de diciembre de 1980 a las puertas de su casa en el edificio Dakota de Nueva York, este martes hace 35 años.

Para reivindicar a John Lennon y conmemorar su impagable contribución a la cultura de nuestro tiempo, repasamos su trayectoria a través de su música inmortal. Por eso y porque sigo vivo a través de sus canciones, que le mantienen bien presente en este nuestro 2015.

LOVE ME DO (1962)

El primer sencillo de The Beatles llegó ya firmado por esa milagrosa dupla compositiva integrada por Lennon y McCartney, quienes no se andaron por las ramas a la hora de demostrar su innato talento. La canción colocó a la banda en el mapa antes de su primer disco, ‘Please please me’, que llegó en 1963, desatando la locura en las islas británicas (en Estados Unidos el proceso se repitió en 1964).

COME TOGETHER (1969)

La carrera de los Beatles era imparable gracias a discos como ‘A Hard Day’s Night’ (1964), ‘Rubber soul’ (1965), ‘Revolver’ (1966), ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967), ‘White album’ (1968), ‘Abbey Road’ (1969) y ‘Let it be’ (1970). Precisamente en ‘Abbey Road’ encontramos este blues rock obra de John Lennon (inicialmente ideado para una campaña contra de Ronald Reagan, aspirante entonces a gobernador de California), versionado a lo largo de los años siguientes por artista tan dispares como Aerosmith, Bunbury, Michael Jackson o Bruce Springsteen con Axl Rose.

GIVE PEACE A CHANCE (1969)

Debido a su capacidad para atraer la atención, John Lennon y su esposa Yoko Ono se encamaron durante varios días en Amsterdam para reivindicar la paz mundial. Allí fue donde le dijo a un periodista que estaban intentando darle una oportunidad a la paz.

Se quedó con la frase en la cabeza, alquiló una grabadora de 8 pistas en unos almacenes locales de música, volvió a la habitación del hotel y la grabó como su primer single con The Plastic Ono Band, el proyecto con el que inicialmente daría continuidad a su creatividad tras los Beatles.

IMAGINE (1971)

‘Imagine’ es indudablemente el gran himno de John Lennon, publicado en 1971 en su segundo disco en solitario, de igual título. Una canción «antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional y anticapitalista», como el propio músico explicó en su momento. Una de las composiciones fundamentales del siglo XX.

WOMAN (1980)

‘Woman’ fue el segundo sencillo del álbum ‘Double Fantasy’, y el primero publicado tras la muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980, lo cual, desde luego, le otorga una mística especial. Una suerte de despedida musical mientras el planeta cultural trataba de asimilar la desaparición de uno de los pilares fundamentales del siglo pasado… y del presente.

http://www.europapress.es/cultura/noticia-35-anos-asesinato-john-lennon-vida-canciones-20151208104256.html</a>

Estas son las ciudades confirmadas:

26 NOVIEMBRE – ÚBEDA – TEATRO IDEAL CINEMA

27 NOVIEMBRE – MURCIA – TEATRO ROMEA

29 NOVIEMBRE – IBI (ALICANTE – TEATRO RIO

09 DICIEMBRE – BARCELONA – AUDITORI DE BARCELONA

10 DICIEMBRE – BILBAO – PALACIO EUSKALDUNA

11 DICIEMBRE – SANTANDER – AUDITORIO SALESIANOS

PARTE DE SU INOLVIDABLE REPERTORIO PLENO DE ÉXITOS:
La Prima Cosa Bella – Vagabundo – Agnese
Il Giorni dell´ Arcobaleno – Rosa – Zíngara – Por Ejemplo
Trotamundos – Guitarra Suena Más Bajo – El Último Romántico
El Corazón es un Gitano – Eternamente – Como Violetas
Paese – Una Ragazzina Come Te – Ti Fa Bella L´amore
Un Gran Amor Nada Más – Amore Ritorna a Casa – Mare
Il Mondo e´ Grigio, Il Mundo e´ Blu – El Extranjero
Lisa De Los Ojos Azules – Tú Me Acostumbraste
Sé Que Bebo Se Que Fumo –

Nicola Di Bari – es unos de los privilegiados artistas que goza del éxito y cariño del público desde hace más de 40 años, con canciones míticas y reconocidas por varias generaciones y que son parte viva de la mejor música italiana en la historia de la música.

Su estilo personal lleno de particularidades lo desarrolla en los conciertos en vivo donde es fácil situarle entre los más grandes cantantes. Nicola Di Bari es sin duda un enamorado de la vida, de las personas, de los pueblos y canta al amor como estrategia para combatir a un mundo cada vez más hostil e inseguro.

Su personal voz conecta perfectamente con estos sentimientos ya que la utiliza para transmitir una mayor emoción y matices a las canciones que le demanda el público al cual le entrega su pasión por la música – alguien dijo una vez “Nicola es un titán”.

No, Nicola es un artista que se entrega hasta la extenuación en los escenarios, donde expone sus heridas y deja que sus experiencias y espíritu llegue hasta el público asistente a sus conciertos ahí se deja ver como un romántico, cautivador y un fascinante personaje que solo quiere ganarse el corazón de su gente.

Dueño de una particular forma de vivir, ganador 2 veces del Festival de San Remo y de la Canzonissima, con canciones inolvidables como las que incluimos en esta presentación y que perduran en el alma de millones de fans. NICOLA DI BARI es uno de los shows de más prestigio y más rentables que se pueden disfrutar en directo

EMI

 MADRID, 6 Dic. (EDIZIONES) –  Actualizado 06/12/2015 19:14:09 CET

La batería que tocó Ringo Starr en más de 200 conciertos y que utilizó en la grabación de algunos de los primeros éxitos de Los Beatles ha sido vendida en una subasta por un valor de 2,2 millones de dólares al dueño del equipo de fútbol americano los Colts de Indianápolis, Jim Irsay.

La casa de subastas Julien’s Auctions ha confirmado que Irsay compró la batería de tres piezas Ludwing Oyster Black Pearl de 1963 en una subasta celebrada el pasado viernes en Beverly Hills, California. Según Martin Nolan, director ejecutivo de esta casa de subastas, el legendario instrumento ha estado fuera de la vista del público durante 50 años.

«Miren su tamaño», dijo Starr en un vídeo para presentar el lote a subastar, «Yo quería que fuera pequeña porque así yo parecería grande», aseguró. La batería también fue utilizada por Paul McCartney para su primer álbum como solista, titulado ‘McCartney’.

La ronda de subastas duró tres días, y durante ella se subastó un lote de más de 800 artículos propiedad de Ringo Starr y su esposa, Barbara Bach.

Los artículos subastados fueron utilizados por Starr en más de 200 actuaciones entre 1963 y 1964, y la batería Ludwig fue tocada por el músico en las grabaciones de temas como ‘Can’t buy me love’, ‘She loves you’, ‘All my loving’ y ‘I want to hold your hand’.

Irsay es un conocido melómano que se ha hecho con un destacable catálogo instrumentos musicales de colección, que incluye 30 famosas guitarras, entre las que se encuentran las de Paul McCartney, George Harrison y John Lennon, razón por la cual afirmó tras la compra de la batería que «Finalmente, tras 45 años, los Beatles vuelven a estar juntos».

Una parte de las ganancias de la subasta se destinarán a la Fundación Lotus Children, de la pareja, que financia proyectos benéficos.

http://www.europapress.es/cultura/noticia-vendida-famosa-bateria-ringo-starr-22-millones-dolares-subasta-20151206170748.html

La batería, una Ludwig Oyster Black Pearl, es de color negro perlado – ABC

 REUTERS/EP – abc_culturaMadrid – 03/12/2015 a las 11:24:51h. – Act. a las 11:28:25h.

Una batería de Ringo Starr alcanzará un valor de varios millones de dólares en una subasta, realizada por Julien’s Auctions, en la que se venderán varios objetos que pertenecen al ex Beatle y su esposa, Barbara Bach. Junto con la batería se subastará una guitarra que John Lennon le regaló a Ringo.

Entre ellos figuran siete baterías de escenario y de estudio, incluida la primera Ludwig Oyster Black Pearl, de color negro perlado, con la que grabó temas de la banda como «Can’t Buy Me Love» y «I Want to Hold Your Hand» y que usó en más de 200 actuaciones.

Según ha señalado el presidente de Julien’s Auctions, Darren Julien, la venta está estimada entre dos y cinco millones de dólares. «Se trata de una pieza importante de la historia de los Beatles», ha destacado.

El mes pasado, la casa de subastas vendió por 2,1 millones de dólares el bombo de una batería que Ringo usó en The Ed Sullivan Show en 1964.

http://www.abc.es/cultura/musica/abci-bateria-ringo-starr-subasta-201512031124_noticia.html

25 noviembre 2015 Autor: EFEEME

Julien’s Auctions de Beverly Hills subastará entre el 3 y el 5 de diciembre unos 1.300 objetos de la colección personal de Ringo Starr, entre los que destaca la copia número 0000001 de la primera edición inglesa álbum blanco de los Beatles.

La subasta acaba con un pequeño mito de los mitos de los Beatles, ya que las cuatro primeras copias del álbum blanco fueron destinadas a los miembros del grupo y hasta ahora se creía que la número 1 era la perteneciente a John Lennon.

El ejemplar de Ringo Starr sale a subasta por un precio inicial de 20.000 dólares y se espera obtener por él unos 60.000 dólares. En 2008 se pagaron algo menos de 30.000 dólares por la copia número 0000005.

Los beneficios de la subasta irán destinados a Lotus Foundation, creada por Ringo Starr y su mujer, Barbara Bach.

http://www.efeeme.com/ringo-starr-subasta-la-copia-no-0000001-del-album-blanco-de-los-beatles/?utm_source=wysija&utm_medium=email&utm_campaign=news+efe+eme

Cynthia Robinson, en una imagen de 1967 – ABC

EP – abc_culturaMadrid – 25/11/2015 a las 13:12:33h. – Act. a las 13:19:29h.

Cynthia Robinson, cofundadora, trompetista y corista del grupo de soul y funk Sly and The Family Stone ha fallecido a los 69 años, después que fuera diagnosticada con cáncer a principios de este mismo año, tal y como confirma la página oficial de la artista en Facebook.

Nacida en 1946 en Sacramento (California), Robinson se unió a mitad de los sesenta a la primera banda de Sly Stone, llamada The Stones, que después pasó a ser Sly Stone and The Family Stone, tal y como recuerda Consequence of Sound.

Su voz y su trompeta aparecen en todos los discos que la banda grabó desde 1967 hasta 1974. Tras su separación, siguió trabajando con Sly Stone, así como con el bajista Larry Graham y otros artistas como Prince y George Clinton. Con el paso del tiempo, actuó también con The Family Stone, un grupo en el que había viejos miembros de la banda original.

Robinson entró en el Rock and Roll Hall of Fame en 1993 junto a los otros miembros de Sly and The Family Stone, convirtiéndose así en la primera mujer trompetista afroamericana que obtenía tal reconocimiento.

http://www.abc.es/cultura/musica/abci-muere-cynthia-robinson-fundadora-family-stone-201511251312_noticia.html

Diamantes Musicales os trae el recuerdo de uno de sus exitos:

The Zombies nos regalaron el Setlist de la primera parte del concierto de Bilbao el pasado día 22

Disco de los 60 firmado por los dos líderes, Rod Argent y Colin Blunstone

Carátula del nuevo disco editado este octubre

El disco nuevo firmado por todos los integrantes de The Zombies

Fotos del concierto. Para ampliarlas pinchar encima de cada una de ellas

19 noviembre 2015 – Autor: EFEEME

Desde su lanzamiento en 1972, la canción de Carly Simon ‘You’re So Vain’ ha sido objeto de muchas conjeturas sobre a quién aludía la letra; se ha citado los nombres de Warren Beatty, Mick Jagger o James Taylor, entre otros. Finalmente Carly Simon ha revelado el misterio: en una entrevista en “People”, con motivo de la próxima publicación de sus memorias, reconoce que la canción trata de Warren Beatty, aunque solo la segunda estrofa.

“He confirmado que la segunda estrofa es Warren”, dice Simon. “¡Warren piensa que toda la canción trata de él!”. Y añade que no dará a conocer el resto de nombres de los hombres a los que alude la letra de ‘You’re So Vain’, al menos hasta que no se lo revele a ellos.

Y la segunda estrofa de ‘You’re So Vain’ viene a decir lo siguiente:

“Me tuviste hace algunos años cuando todavía era bastante ingenua
Bien, dijiste que hacíamos una bonita pareja y que nunca lo dejarías
Pero regalaste las cosas que amabas y una de ellas fui yo
Tuve algunos sueños, fueron nubes en mi café
Nubes en mi café, y…”

http://www.efeeme.com/carly-simon-revela-el-misterio-de-youre-so-vain/?utm_source=wysija&utm_medium=email&utm_campaign=news+efe+eme

TOM PETTY

MADRID, 19 Nov. (EDIZIONES) –

El músico norteamericano Tom Petty ya tiene su propio programa de radio. Bueno, en realidad se trata de todo el canal 31 de la radio por satélite SiriusXM, que estará operativo desde este sábado 20 de noviembre.

Como no podría ser de otra manera, en este canal se podrá escuchar música de toda la carrera de Tom Petty, incluyendo sus trabajos en solitario, con The Heartbreakers, The Travelling Wilburys y Mudcrutch.

También tendrán espacio maquetas y grabaciones en directo, versiones de canciones de Petty hechas por otros artistas y todo tipo de rarezas que harán las delicias de los fans, informa Billboard.

Petty ha pasado las últimas semanas grabando un programa semanal llamado Tom Petty’s Buried Treasure. También se podrá escuchar una extensa entrevista elaborada por el veterano periodista David Fricke.

En este programa aparecerán los músicos de Petty Steve Ferrone y Benmont Tench, así como Lucinda Williams, Jackson Browne y Roger McGuinn. Todos harán sesiones de dj especiales.

http://www.europapress.es/cultura/noticia-tom-petty-ya-tiene-propia-radio-20151119132404.html

Grabada con la voz de Barry McGuire, fue la canción protesta más popular en los años sesenta, alcanzando el número uno en Estados Unidos

P. F. Sloan – ABC

P. M. P.. Madrid – 17/11/2015 a las 11:21:19h. – Act. a las 17:40:19h.

En julio de 1965 apareció en las tiendas de discos un single cuya cara b contenía una canción que desgranaba los males que asolaban la Tierra en ese momento, como la segregación, la amenaza nuclear y la guerra de Vietnam. Se titulaba «Eve of Destruction» («Víspera de la destrucción»), y estaba firmada por un joven de 19 años llamado P. F. Sloan. Barry McGuire fue el encargado de cantarla, y aquella composición superó a todos sus rivales contestatarios, incluido Bob Dylan (justo en el momento en que este cambiaba de tercio): vendió seis millones de copias, y llegó al número uno en las listas norteamericanas, a pesar de la polémica que levantó y el boicot de varias emisoras de radio que lo tachaban de antiamericano.

Philip Gary Schlein, conocido como P. F. Sloan, falleció de cáncer a los 70 años el pasado 15 de noviembre en Los Ángeles. Nació en Nueva York el 18 de septiembre de 1945, aunque pasó su adolescencia en California. Antes de componer «Eve of Destruction» ya llevaba tiempo trabajando en el negocio musical: a los 14 años escribió su primer single, y a los 16 entró a formar parte de la editorial Screen Gems, la más importante de la Costa Oeste. Más tarde entraría en Dunhill Records y firmó canciones para artistas como The Turtles («You Baby»), The Searchers, The Grass Roots y Johnny Rivers («Secret Agent Man»).

También publicó sus propios discos, como «Songs of Our Time» en 1965 y «Twelve More Times» un año más tarde. Desde entonces sus apariciones han sido muy escasas y de escaso éxito. Su último disco es «My Beethoven», de 2014. Publicó también un libro de memorias, «What’s Exactly The Matter With Me?». El cantante Jimmy Webb le dedicó un caluroso homenaje titulado con su nombre, «P. F. Sloan».

http://www.abc.es/cultura/musica/abci-muere-sloan-autor-destruction-201511171121_noticia.html

Entrada para el concierto de The Zombies

 Muchas veces he afirmado que gran parte de los discos que más han marcado mi vida y que considero absolutamente imprescindibles en mi bagaje personal no me arrebataron la primera vez que los escuché. Notas que hay algo especial en ellos. Percibes que tras la primera apariencia se esconde algo muy especial que acabaras descubriendo, exprimiendo, disfrutando para siempre…

 Odisea y Oráculo del longevísimo grupo británico The Zombies es una excepción. Un disco genial, rotundo, mágico, obligatorio, que la primera vez que lo escuchas ya te deja patidifuso. Si es verdad que en sucesivas audiciones (las que van desde la segunda hasta las tres millones, aproximadamente) sigues percibiendo matices, melodías, nuevas sugerencias, pero ya todas caerán sobre el terreno abonado de esa primera vez en la que el despliegue de tanta imaginación, tantas armonías vocales (atrevidas para la época), tantos arreglos sutiles, tantas buenas canciones te ganaron corazón y cabeza para siempre.

 De no haber existido un grupo llamado The Beatles y su disco Sgt Pepper, Odessey and Oracle de The Zombies sería el disco más influyente de la psicodelia británica sin lugar a dudas.

 El domingo 22 actúan en Bilbao The Zombies. Rod Argent, Colin Blunstone y Co. vienen a presentar su nuevo disco de estudio Breathe out Breathe in, que les ha devuelto a la lista de éxitos inglesas 50 años después. Suponemos que estas nuevas canciones serán el eje del concierto, pero seguro que She is not there o Time of the Season, además de algunos éxitos del grupo Argent, como God gave rock and roll to you no faltarán.

 Diamantes Musicales tampoco. Allí hemos de estar.

Manuel Teira (Diamantes Musicales)

12 noviembre 2015 Autor: EFEEME

El veterano Dion Dimucci publicará el próximo mes de febrero el álbum “New York Is My Name”. La canción que le da título es un dúo con Paul Simon que será lanzado en forma de single este viernes (13 de noviembre). La canción cuenta con un videoclip que fue rodado en octubre en las calles de Nueva York.

“Es mi canción de rock and roll callejero, mi canción de amor a la ciudad y mi chica”, dice Dion. “Para mis ojos la ciudad es pura, me eleva a la más alta realidad. Experimento la plenitud de la vida en Nueva York. Todo está aquí”.

http://www.efeeme.com/dion-y-paul-simon-han-grabado-juntos-el-single-new-york-is-my-name/?utm_source=wysija&utm_medium=email&utm_campaign=news+efe+eme

ANDY WHITE

MADRID, 11 Nov. (EUROPA PRESS) –
Andy White, el músico de sesión que tocó la batería en Love me do y otras grabaciones iniciáticas de los Beatles, ha fallecido en New Jersey (Estados Unidos) a los 85 años después de sufrir un derrame cerebral, tal y como ha confirmado su familia a la BBC.

White (nacido en Glasgow en 1930) fue elegido por el mánager del grupo, Brian Epstein, para tocar en septiembre de 1962 la batería en la versión single de Love me do y su cara-b, PS I Love you Muere Andy White, batería de las primeras grabaciones de los Beatles(relegando a Ringo a pandereta y maracas). También se cree que tocó en la versión álbum de Please please me.

Los Beatles grabaron tres versiones de Love me do: con el baterista original Pete Best a las baquetas (6 de junio de 1962), con Ringo Starr (4 de septiembre) y con Andy White (11 de septiembre).

Aparte de sus trabajos con los Beatles antes de que Ringo consiguiera afianzarse en el puesto, White también tocó la batería en el single It’s not unusual de Tom Jones (1965) y en la versión que Lulu hizo de Shout (1964).

También salió de gira con Marlene Dietrich, Burt Bacharach y Rod Stewart, además de tocar con The BBC Scottish Radio Orchestra.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-muere-andy-white-bateria-primeras-grabaciones-beatles-20151111182242.html

Camilo Sesto fue su productor y su protagonista, y la dirección fue de Jaime Azpilicueta

JULIO BRAVO – juliobravo1963 Madrid – 07/11/2015 a las 19:56:04h. – Act. a las 16:35:00h. Guardado en: Cultura , Teatros

El 6 de noviembre de 1975, hace ahora cuarenta años, la portada de ABC informaba de la confirmación de Carlos Arias Navarro como presidente del Gobierno. Con Francisco Franco agonizante, el entonces Príncipe Don Juan Carlos había asumido la jefatura del Estado. Aquel mismo día, en el teatro Alcalá Palace de Madrid, se estrenaba un montaje que ya es historia del teatro musical en España: «Jesucristo Superstar», con Camilo Sesto como productor y cabeza de cartel.

El ambiente político no resultaba especialmente propicio para el estreno de una obra que ya había causado polémica en otros países, y cuya versión cinematográfica ya había generado problemas en nuestro país. «Tuvimos que retrasar el estreno varios días, porque estábamos pendientes del fallecimiento de Franco, que era inminente -recuerda Jaime Azpilicueta, el director de aquel montaje-. Hasta que decidimos estrenar el día 6. Cuando murió, el 20 de noviembre, tuvimos que suspender tres días las representaciones». El espectáculo, sin embargo, tuvo un éxito extraordinario, y permaneció hasta el mes de marzo. «Tuvimos que parar con el cartel de «No hay billetes» porque Camilo tenía una gira comprometida».

Camilo Sesto, que encarnaba a Jesucristo, era el protagonista de aquella histórica producción y también su productor. «Físicamente daba muy bien el papel, y vocalmente era perfecto; a mí me interesaba más destacar los aspectos melódicos que los rockeros», recuerda Azpilicueta. «Yo creo que ha sido lo mejor que ha hecho». Junto a él figuraban la cantante dominicana Ángela Carrasco (María Magdalena), el futuro presidente de la SGAE Teddy Bautista (Judas) y Carlos Chausson (Caifás), que entonces aparecía en los carteles como Charly Chausson, y que más tarde se convertiría en un notable barítono de ópera. Completaban el reparto Alfonso Nadal (Pilatos), Guillermo Antón (Pedro), Antonio de Diego (Simón el Zelote), Jason (Anás) y Dick Zappala (Herodes).

«Durante mes y medio vimos a 1620 personas en las audiciones -cuenta Azpilicueta-. Entonces no era como ahora; el que cantaba no bailaba, y el que bailaba no sabía actuar. Pero conformamos un buen elenco».

Camilo Sesto- ABC

«Jesus Christ Superstar», escrito por unos jovencísimos Andrew Lloyd Webber (música) y Tim Rice (letras) había nacido como en 1970 como disco; en él participaron cantantes como Ian Gillan, vocalista de Deep Purple, y Murray Head, y se anunciaba como «ópera rock». El 12 de octubre de 1971 se estrenó en Nueva York, y un año después llegó a Londres, donde permanecería en cartel durante ocho años. Norman Jewison firmó en 1973 la versión cinematográfica, rodada en Israel y protagonizada por Ted Neeley, Carl Anderson e Yvonne Elliman (que ya había estrenado la obra en Nueva York y Londres).

La adaptación española del texto la firmaron el propio Azpilicueta y un joven periodista, Nacho Artime. Habían visto el estreno en Nueva York de la obra, en 1971, y la posterior puesta en escena en Londres. «A mí el que me gustó fue el montaje de Tim O’Horgan en Broadway; el de Londres no me gustó; todo lo contrario que a Lloyd Webber, que detestaba la versión neoyorquina.

¿Tuvieron problemas con la censura? «Todas -exclama Jaime Azpilicueta-; el espectáculo estuvo prohíbido durante mucho tiempo, a pesar de que la película se había autorizado y se proyectaba en el cine Palafox de Madrid -aunque con subtítulos que decían cosas diferentes de lo que se cantaba en la versión original-. Nadie sabía darnos una razón para que no pudiéramos poner en pie “Jesucristo Superstar”, ni siquiera el director general de entonces, Mario Antolín, que era muy amigo mío. Alguien de “muy arriba” había decidido impedir el estreno».

Hasta que, de pronto, los problemas desaparecieron y se autorizó el estreno. «El día del ensayo para la censura -se hacía la función únicamente para los censores y sus esposas-, estábamos aterrados -relata el director-. Y fíjese lo que ocurrió. En la escena del arresto, teníamos unas proyecciones con portadas de periódicos que anunciaban la detención de Jesús; en una de ellas se leía: Jesucristo, arrestado por el “establishment”. Pues en la hoja de censura, nos prohibían que hiciéramos referencia a aquel “partido político”».

Camilo Sesto y Alfonso Nadal- ABC

Las dificultades no terminaron ahí. Al igual que había ocurrido con el estreno de la película, los guerrilleros de Cristo Rey fueron especialmente combativos con «Jesucristo Superstar». «Se apostaban en las cercanías de la puerta del teatro y trataban de disuadir a las personas que se acercaban a la taquilla», recuerda Azpilicueta. También hubo varias amenazas de bomba. «Cada vez que veíamos a las taquilleras, unas señoras mayores, salir corriendo, ya sabíamos que habían vuelto a llamar con otra amenaza. Pero afortunadamente, se quedaron ahí. «No hubo agresiones». Y reflexiona el director de escena: «Aquí somos más papistas que el Papa; mientras aquí había protestas, “Getsemaní” se convertía en número 1 en Radio Vaticano».

«Quiero hacer algo realmente digno -decía Camilo Sesto en la revista «Blanco y Negro», publicada dos días después del estreno-. Tanto los que tienen interés como los que no se van a llevar una gran sorpresa. Incluso los que estábamos más o menos seguros de que va a ser algo bien montado -Nacho Artime, Azpilicueta, coreógrafo, etc.- estamos sorprendidos porque vemos que da para más. El guión es completísimo y no tiene cortes como la película. La gente no va a ver una estampita ni va a asistir a una clase de catecismo. Oirá una historia de hace muchísimos siglos, actualizada y con un lenguaje comprensible para todos. Mi papel es humano, tierno y duro a la vez».

«Jesucristo Superstar» supuso un hito en la historia del teatro musical en España. «Creo que fue la primera vez que el género entró a lo grande en este país -asegura Azpilicueta-. Se hizo con cuatro duros, además; con el 15 por ciento de lo que había costado en Nueva York (se habló de entre doce y quince millones de pesetas). Con la perspectiva del tiempo, sé que hicimos algo que tuvo un valor extraordinario. No había todavía micrófonos inhalámbricos, así que tuvimos que usar micrófonos con cables, y la gente tenía que bailar encima de esos cables; teníamos gente encargada de estirarlos y colocarlos. Y como necesitábamos un ascensor, llamamos a Boetticher para que nos construyera uno. Pero el esfuerzo mereció la pena. En la escena de la crucifixión la gente se emocionaba y aplaudía muchísimo».

Pablo Abraira y Estíbaliz Uranga- ABC

Nueve años después de este estreno, «Jesucristo Superstar» volvió al propio teatro Alcalá Palace, también con dirección de Jaime Azpilicueta. Pablo Abraira, Estíbaliz Uranga y Pedro Ruy Blas fueron sus protagonistas. La obra volvió a la escena española dos veces: en 2007, en el teatro Lope de Vega de Madrid (el espectáculo giraría después por todo el país), con Miquel Fernández -al que sustituiría después Gerónimo Rauch-, Lorena Calero e Ignasi Vidal; y el año pasado, en Canarias, en una versión que dirigió Azpilicueta.

http://www.abc.es/cultura/teatros/abci-jesucristo-superstar-cumple-cuarenta-anos-201511071956_noticia.html

John Lennon, en una imagen de 1969 Ap

Música | 08/11/2015 – 12:04h | Última actualización: 08/11/2015 – 14:35h

AP, Beverly Hills). Una guitarra acústica utilizada por John Lennon para grabar y escribir Love Me Do, I Want to Hold Your Hand y otros éxitos fue vendida por 2.4 millones de dólares en una subasta. La guitarra Gibson J-160E fue vendida el sábado a un comprador no revelado, según Julien’s Auctions.

La casa de subastas dijo que la guitarra era uno de los dos únicos ejemplares de este tipo que fueron llevados de Estados Unidos a Inglaterra para Lennon y George Harrison en 1962. Lennon utilizó el instrumento durante casi un año antes de intercambiarla con Harrison; más tarde desapareció durante un concierto de Navidad en 1963. El paradero de la guitarra fue un misterio durante más de 50 años hasta que un hombre de California descubrió el año pasado que su instrumento podría tener valor histórico.

John McCaw, de San Diego y que compró la guitarra a finales de la década de 1960 por 275 dólares, se tropezó con una viejo reportaje en una revista sobre Harrison, que incluía una foto de un instrumento con marcas muy similares a las de su guitarra. Un experto pudo comprobar que el número de serie y el grano y las marcas de la madera de la guitarra eran las mismas que las de la empleada por Lennon a principios de la década de los 60, dijo Julien’s Auction en un comunicado de prensa.

El bombo que los Beatles usaron en un histórica participación en The Ed Sullivan Show fue subastado el sábado por 2.1 millones de dólares, dijo la casa de subastas.

http://www.lavanguardia.com/musica/20151108/54438717014/john-lennon-subasta-guitarra.html

THE ROLLING STONES

MADRID, 5 Nov. (EUROPA PRESS) –

Tras meses de especulaciones, The Rolling Stones han confirmado nuevos conciertos para 2016, que en esta ocasión se celebrarán en diversos países sudamericanos.

Este regreso a la carretera, llamado genéricamente Olé Tour, comenzará el 3 de febrero en el Estadio Nacional de Santiago de Chile, y visitará después Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Colombia y México.

Las entradas se ponen a la venta este próximo 9 de noviembre a través de www.rollingstones.com/tickets

03 febrero – Estadio Nacional – Santiago de Chile
07 febrero – La Plata Stadium – Buenos Aires
10 febrero – La Plata Stadium – Buenos Aires
13 febrero – La Plata Stadium – Buenos Aires
16 febrero – Centenario Stadium – Montevideo
20 febrero – Maracaná – Río de Janeiro
24 febrero – Morumbi Stadium – Sao Paulo
27 febrero – Morumbi Stadium – Sao Paulo
02 marzo – Beira Rio Stadium – Porto Alegre
06 marzo – Estadio Monumental – Lima
10 marzo – Estadio El Campín – Bogotá
14 marzo – Foro Sol – México DF

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-the-rolling-stones-confirman-gira-sudamericana-febrero-marzo-2016-20151105175008.html

Bob Dylan, Jeff Lyne, Tom Petty, Roy Orbison y George Harrison, en 1988.

JULIÁN RUIZ
ACTUALIZADO 28/10/201503:16

A comienzos del mes de febrero de 1988 , George Harrison recibió un mensaje de su última casa de discos, Warner Music. Tras el gran éxito de su versión de Got my mind set on you», un clásico de Rudy Clark , que le había gustado toda su vida, la compañía le había sugerido grabar una nueva canción, como cara B en condiciones para reforzar This is love, el último gran tema que había escrito George con el líder de la Electric Light Orchestra, Jeff Lynne. Lynne también había sido el productor en Cloud nine, el último que George hizo en vida.

George Harrison quería rescatar la carrera de su viejo ídolo Del Shannon, el cantante de Runaway. Le estaba produciendo algunos temas nuevos, con la ayuda de Jeff Lynne, que se había convertido en su mano derecha. Pero la prioridad era hacer caso a la Warner y grabar un nuevo tema para el ex-beatle, cuya clave pensado.

Así que George y Jeff contactaron con Tom Petty para ir a su casa y recoger la guitarra que el chico de Liverpool se había dejado en casa del líder de los Heartbreakers. Cuando George , Jeff y Tom estaban allí, se presentó de repente el gran Roy Orbison. Tom y Jeff había escrito la formidable You got it para el último disco de Roy Orbison, el casi póstumo Mistery girl, que también incluía una gran canción de Bono y The Edge, She’s is a mystery to me.

George se había arruinado produciendo la película Shangai Surprise, con Madonna y Sean Penn de protagonistas. Había perdido casi todo el dinero que había ganado con el sello Handmade Films , el mismo que había producido La vida de Brian con los maravillosos Monty Python .

En medio de la conversación, entre las cuatro estrellas, Roy Orbison se ganó a George porque empezó a hablar de los Monty y de lo buenos que eran. No tuvo que apretar mucho George para convencer a Roy de que cantara una estrofa de la canción que había preparado para la cara B de This love.

El roñoso George

George, que siempre había sido muy roñoso, dijo que no quería gastarse mucho dinero en la grabación. Así que llamó a su buen amigo Bob Dylan, que tenía un pequeño estudio en su casa en Malibu. Como Bob no poseía un buen grabador multipistas, alquilaron un cacharro barato, un Ampex de 24 pistas.

A la mañana siguiente , los cinco jinetes del pop estaban en casa de Dylan, en Malibú. Mientras que George y Jeff empezaron a trabajar en la canción, Dylan se dedicó a preparar una barbacoa para todos en el jardín de su casa. El estudio estaba en el garaje. George recuerda que, en la puerta había una pegatina con las típicas palabras de Handle with care. Le gustó. Ya tenía el título de la canción.

Cuando la grabación estaba casi terminada, con las guitarras de Jeff y Tom, más la voz de Roy Orbison, Dylan llevó una bebidas y a George se le ocurrió decir:

-¿No Nos puede mejorar la letra de la canción este famoso letrista?

Bob Dylan sonrió y lo hizo con algunos apuntes histéricos en el texto, algo absolutamente nuevo en el estilo de Bob. Incluso se enrolló y grabó un fade de sólo de armónica al final de la canción. George presionó aún más y convenció a todos que cantaran como coro el puente del tema.

Al día siguiente , Lynne agregó guitarras y un bajo. La mezcla se hizo casi sóla. Roy Orbison fue el primer en marcharse porque tenía que actuar esa noche en Anaheim.

La locura en Warner

Horas después, George llamó a Mo Ostin, el presidente de Warner Music, a su despacho de Burbank. Cuando George le puso la canción a Ostin, al día siguiente, el presidente se quedó perplejo, asombrado. Aquello no podía ser una cara B. Era un éxito seguro, perfecto. El productor Lenny Waronker, que estaba en el despacho de al lado, también se rindió a la gran calidad del tema. Mo Ostin le sugirió enseguida a George de que convenciera a todos sus famosos amigos para hacer un álbum, todos juntos. Había algo más que química maravillosa en aquella grabación. Y, además, ya tenían el primer single, Handle with care, un éxito asegurado. Para la cara B se decidió aquel mismo día que se utilizara Breath away from heaven, que era la penúltima canción en Cloud nine.

Horas después , cuando George le contó a Jeff Lynne las propuestas de Warner, al ex-lider de la ELO no le pareció nada sorprendente. Todo estaba perfecto, dijo, mientras se metía en el estómago un par de cervezas mexicanas. El problema es que Roy Orbison había empezado su larga gira y sólo tendría una semana para grabar.

Todos se dieron prisa. Bob Dylan fue el más reacio a embarcar en la aventura, pero aceptó el envite como el que se anima a irse de juerga con unos amigos que iban a salir de todas formas. El álbum incluso saldría barato: Dave Stewart , el líder de Eurythmics, acababa de instalar un pequeño estudio en la cocina de su casa en Bel-Air. El líder de Euryhtmics quería producir el nuevo álbum de Dylan (finalmente lo grabaría Daniel Lanois, a sugerencia de Bono), así que puso la cocina y el estudio a partir de finales del mes de mayo de 1988. Durante 10 días, los cuatro músicos se reunieron con sus guitarras. No paraban de componer, utilizando a veces la voz de Orbison. El autor que más había contribuido a la creación de la canción era siempre el que más intervenía en la grabación.

Por ejemplo, Dylan en Dirty world, Congratulations y Tweeter and the monkey man, así titulada cuando no existía Twitter, ni mucho menos. Dylan se refería con esa palabra a una persona, a un ladrón, un rufián . Todos se esforzaron para que Roy Orbison cantara con esa maravillosa voz de barítono Not alone anymore, una brillante canción de Jeff y George, al igual que The end of the line, que era la más coral de todas y con la que despedían el disco. Rattled era de Jeff y Last night era de Tom, casi al estilo de un reggae.

Todos grababan coros juntos y aquella resultó una maravillosa dinámica de superación. Una hermandad de genios guiados por un líder llamado George Harrison. Sólo él con su humildad podía domesticar los presumibles egos. Lo cierto es que el disco, con el paso del tiempo, posee una calidad impresionante. Un milagro. Escucho el álbum y no me lo creo todavía.

Los hijos de Wilbury

Sólo faltaba el nombre del supergrupo. Dylan pasó de ponerle el apellido, a pesar de que fue la primera idea que les vino a la cabeza. George y Jeff se acordaron de lo que habían sufrido con los compresores y puertas en la mesa de grabación del disco Cloud nine. George los llamaba wilburys. Y se acordaron de ello. Así que a George se le ocurrió el nombre de The Trembling Wilburys. A Jeff le parecía demasiado . Así que sugirió el nombre de The Traveling Wilburys. Ambos lo decidieron en julio, cuando acabaron las mezclas definitivas en el estudio de George, en su mansión de Friar Park, donde habían trabajado con los dichosos wilburys. Pero nadie aceptó el nombre hasta que Dylan dio el visto bueno al definitivo The Traveling Wilburys.

Al agente de prensa de George, el mismo de los viejos Beatles, es decir, a Derek Taylor, se le ocurrió una historia. Por ahí aparecía un padre mujeriego, libertino y liberal llamado Charles Truscott Wilbur, que tenía cinco hijos, cinco balas perdidas, llamados Lucky Wilbury ( Bob Dylan), Speke Wilbury (George Harrison), Lefty Wilbury (Roy Orbison), Charlie T. Wilbury Jr. (Tom Petty) y Otis Wilbury (Jeff Lynne). Es decir, los Traveling Wilburys. Los «hermanos» en la causa, resolvieron que el álbum se llamaría simplemente Vol 1, porque pretendían hacer varios.

El disco apareció ante la gran sorpresa general, maravillosa sorpresa, el 18 de octubre de 1988. Fue un éxito inmediato. En la actualidad, lleva más de cinco millones de copias vendidas. El Monty Phyton Michael Palin escribió una inteligente nota en la portada, bajo seudónimo, por supuesto.

Menos de un mes después, nuestro Lefty Wilbury, es decir Roy Orbison, murió de un ataque al corazón. Sus hermanos hicieron un gran video con End of the line, en recuerdo de Roy, que había muerto con sólo 52 años. Su drama tuvo un presagio: una serie de fuertes dolores en la espalda que lo atormentaron durante sus últimas semanas. Ni siquiera fue al medico. Murió en casa de su madre, en Tennesse.

¿El fin de los Wilburys?

Aquel debió ser el fin para los hermanos Wilburys, pero George decidió seguir adelante y convenció a todos los demás. Volvieron a reunirse y grabar un segundo disco, otra vez en casa de Dave Stewart, entre el 27 de abril y el 15 de mayo de 1990. Para que no todo fuera igual, se cambiaron incluso los nombres . George pasó a llamarse Speke. Dylan fue Boo. A Tom lo llamaban Muddy y Clayton fue Jeff Lynne.

No aceptaron un quinto miembro para sustituir a Roy Orbsion, aunque el hijo de George, Dhani, participó como Ayrton Wilbury, como homenaje a Ayrton Senna, el piloto de Formula 1, gran amigo de la familia Harrison. George decidió llamar al disco Vol. 3, para equivocar «a los «ladrones y piratas» del momento. Como curiosidad, el primer tema que grabaron fue una versión de Nobody’s child, un tema que los Beatles habían hecho suyo en Hamburgo, con Tony Sheridan.

George Harrison siempre estuvo seguro de que si Roy Orbison hubiese seguido vivo, los Traveling Wilburys habrían realizado giras por todo el mundo. Y se dedicarían a grabar más Volúmenes.

George decía que, de haber salido de gira los Traveling Wilburys, él hubiera cantado Blowin in the wind en los escenarios y Dylan, desde luego, Something.

Y recordaba End of the Line:
Bueno, está bien, incluso si usted es viejo y gris / Bueno, está bien, todavía tiene algo que decir / Bueno, está bien, recuerde que debe vivir y dejar vivir / Bueno, está bien, lo mejor que podemos hacer es perdonar / Bueno, está bien, aunque el sol no brille / Bueno, está bien, vamos al final de la línea /

http://www.elmundo.es/cultura/2015/10/28/562fdfa022601d574b8b45e2.html

26 octubre 2015 Autor:EFEEME

El 30 de octubre se publica en forma de triple DVD y Blu-ray (el 13 de noviembre llegará un cuádruple LP más DVD) “From The Vault: Live At The Tokyo Dome 1990” de los Rolling Stones, filmado durante la gira de 1990 por Japón. Como adelanto, podemos ver esta interpretación de ‘Mixed Emotions’.

http://www.efeeme.com/video-del-dvd-de-los-rolling-stones-live-at-the-tokyo-dome-1990/?utm_source=wysija&utm_medium=email&utm_campaign=news+efe+eme