Este viernes los Kinks actuaron en concierto en el Assembly Hall del North London. Los hermanos Davies, Ray y Dave, compartieron el escenario por primera vez en veinte años para tocar You Really Got Me.
The Kinks se separaron en 1996 y ambos hermanos se dedicaron los siguientes años a desprestigiarse a través de la prensa. Por ejemplo, Dave sostuvo que Ray llevaba haciendo «karaokes de los conciertos de los Kinks desde 1996». Ray, en cambio, declaró que su hermano era «totalmente impredecible».
A pesar de estos episodios, los hermanos están cada vez más abiertos a volver a reunirse. El 50 aniversario de la banda y el biopic dirigido por Julien Temple puede haber ayudado a ello.
Dave Davies se ha mostrado entusiasmado con el concierto que dio junto a su hermano y así lo publicó en Twitter. Su versión de You Really Got Me ya se ha subido a YouTube por los fans.
En cualquier caso, los acontecimientos de la pasada noche fue mágica. Tras la sorpresa de los fans, solo hay una cosa clara: Si los Kinks se reúnen, sacudirán la escena musical.
Seis años después de su muerte, Michael Jackson lleva despachados mil millones de ejemplares de todos sus álbumes
Michael Jackson – REUTERS
EFE – abc_culturaMadrid – 17/12/2015 a las 12:23:31h. – Act. a las 12:30:32h.
Michael Jackson sigue batiendo récords seis años después de muerto, al lograr que su álbum «Thriller» haya vendido más de cien millones de copias en todo el mundo, según ha anunciado la asociación de industrias discográficas de Estados Unidos (RIAA, en sus siglas en inglés).
El sexto disco de estudio del artista estadounidense, que incluye temas tan icónicos como «Thriller», que da nombre al álbum, «Billie Jean» o «Beat It», fue el más vendido de todos los tiempos sólo un año después de su lanzamiento, en noviembre de 1982, experimentó una nueva fase de popularidad tras la muerte del «Rey del pop» el 25 de junio de 2009.
«La RIAA concede discos de oro y de platino en nombre de la industria musical desde hace casi 60 años, pero es la primera vez que un artista consigue treinta veces un disco de platino (30 millones de discos)» sólo en Estados Unidos, declaró el presidente de la asociación, Cary Sherman.
Y destacó que Jacko es el primer artista que logra superar el listón de 100 millones de copias vendidas de un álbum en todo el mundo, una cifra que se eleva a mil millones de discos vendidos si se tienen en cuenta todos sus álbumes. «Nos honra celebrar el estatus único de ‘Thriller’ en la historia de los discos de oro y platino. Es un logro excepcional y testimonio del lugar que ocupa en nuestros corazones y en la historia de la música», subrayó Sherman, quien duda que «en estos tiempos» ningún artista pueda superar esa cifra de ventas.
Siete de las nueve canciones del álbum fueron lanzadas como sencillos, y todas llegaron al top 10 en el Billboard Hot 100. Producido por Quincy Jones y Michael Jackson, «Thriller» ganó ocho premios Grammy en la edición de 1984.
Tras «Thriller», según la RIAA, el segundo álbum más vendido en la historia de Estados Unidos es una compilación de los Eagles, «Their Greatest Hits 1971-1975», con 29 millones de discos. Le sigue otra compilación de Billy Joel, «Greatest Hits Volume I & Volume II», con 23 millones de ejemplares. A título comparativo, los Beatles vendieron 19 millones, Adele 11 y Mariah Carey, Madonna y U2 10.
Klaus Meine, Rudolf Schenker, Mathias Jabs y compañía actuarán en Bilbao, Madrid y Andalucía dentro de la gira de celebración de su cincuenta aniversario
Los miembros de Scorpions, al cierre de un concierto en Berlín – AFP
EP – abc_culturaMadrid – 17/12/2015 a las 11:52:01h. – Act. a las 11:54:53h.
Han pasado más de cincuenta años desde que Klaus Meine, Rudolf Schenker y Mathias Jabs empezaran a recorrer las calles de Hannover con sus guitarras y amplificadores. Desde entonces, Scorpions han vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo y han llevado a cabo innumerables giras, hasta la actualidad.
Pero, lejos de acomodarse, el grupo sigue celebrando su cincuenta aniversario por todo el mundo, en esta ocasión con Sabaton como artistas invitados. De hecho, la banda regresará a España el próximo verano para ofrecer tres conciertos en Bilbao (el 30 de junio en el Bilbao Arena Miribilla), Andalucía (el 2 de julio, con la ciudad aún por confirmar y un grupo «muy especial» como invitado) y Madrid (3 de julio en el Barclaycard Center).
Las entradas para los conciertos de Bilbao y Madrid estarán disponibles a partir del 18 de diciembre en las tiendas de la red de Tickemaster, Viajes Halcón, Carrefour, FNAC, por telefóno en el 902 15 00 25 y por internet en www.ticketmaster.es y en www.marcaentradas.com.
En septiembre del pasado 2014 concretamente el día 28 en el Fonda Theater de Los Ángeles se llevó a cabo un concierto de homenaje a George Harrison, participaron muchos amigos de Harrison los más conocidos fueron: Brian Wilson y Al Jardine, The Flaming Lips, Perry Farrell, Conan O’Brien, “Weird Al” Yankovic, Ann Wilson de Heart, Brandon Flowers de The Killers, Norah Jones y el hijo de George, Dhani.
“George Fest: A Night to Celebrate the Music of George Harrison”, será el título del 2CD/DVD, 2CD/Blu-Ray, 3LP, y descarga digital.
En el DVD y el Blu-Ray se acompañan diversas entrevistas con los participantes en el concierto homenaje.
El listado de canciones es el siguiente:
Disco 1:
• Introduction
• Old Brown Shoe – Conan O’Brien
• I Me Mine – Britt Daniel (from Spoon)
• Ballad of Sir Frankie Crisp (Let It Roll) – Jonathan Bates feat. Dhani Harrison
• Something – Norah Jones
• Got My Mind Set On You – Brandon Flowers (from The Killers)
• If Not For You – Heartless Bastards
• Be Here Now – Ian Astbury (from The Cult)
• Wah-Wah – Nick Valensi (from The Strokes)
• If I Needed Someone – Jamestown Revival
• Art of Dying – Black Rebel Motorcycle Club
• Savoy Truffle – Dhani Harrison
• For You Blue – Chase Cohl featuring Brian Bell (From Weezer)
• Beware of Darkness – Ann Wilson (from Heart)
Disco 2:
• Let It Down – Dhani Harrison
• Give Me Love (Give Me Peace On Earth) – Ben Harper
• Here Comes The Sun – Perry Farrell (from Jane’s Addiction)
• What Is Life – “Weird Al” Yankovic
• Behind That Locked Door – Norah Jones
• My Sweet Lord – Brian Wilson (from The Beach Boys)
• Isn’t It A Pity – The Black Ryder
• Any Road – Butch Walker
• I’d Have You Anytime – Karen Elson
• Taxman – Cold War Kids
• It’s All Too Much – The Flaming Lips
• Handle With Care – Brandon Flowers, Britt Daniel, Dhani Harrison, Jonathan Bates, Wayne Coyne, and “Weird Al” Yankovic
• All Things Must Pass – Ann Wilson, Dhani Harrison, Karen Elson and Norah Jones.
La promoción se inicia con un trailer de “George Fest: A Night To Celebrate The Music Of George Harrison” y seguido del audio de “Handle With Care”, famoso tema de los Traveling Wilburys que interpretaron en el concierto homenaje: Brandon Flowers, Dhani Harrison, Jonathan Bates, ‘Weird Al’ Yankovic, Britt Daniel y Wayne Coyne.
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MADRID, 8 Dic. (EDIZIONES – David Gallardo) – John Winston Lennon nació en la localidad inglesa de Liverpool el 9 de octubre de 1940. Aunque en ese momento nadie lo imaginara, se trataba de un bebé que se desgañitaba en sus noches de insomnio con un especial sentido de la musicalidad, pues estaba destinado a ser uno de los compositores fundamentales del siglo XX, y eso es algo innato que viene de serie.
Siendo todavía un joven imberbe, sumergido entre discos de Elvis Presley y Fats Domino, John inició su trayectoria musical a finales de los cincuenta en The Quarrymen, una banda en la que se fogueó ya con Paul McCartney y George Harrison. Con el cambio de nombre y de década nacieron The Beatles (poco después apareció Ringo Starr) y el rumbo de los acontecimientos mutó de golpe y porrazo con toneladas de demencia fanática en todo el mundo conocido.
Un fanatismo que terminaría convirtiendo a John Lennon en un icono cultural, gracias también a su soberbia trayectoria en solitario durante la década de los setenta, hasta su trágico asesinato el 8 de diciembre de 1980 a las puertas de su casa en el edificio Dakota de Nueva York, este martes hace 35 años.
Para reivindicar a John Lennon y conmemorar su impagable contribución a la cultura de nuestro tiempo, repasamos su trayectoria a través de su música inmortal. Por eso y porque sigo vivo a través de sus canciones, que le mantienen bien presente en este nuestro 2015.
LOVE ME DO (1962)
El primer sencillo de The Beatles llegó ya firmado por esa milagrosa dupla compositiva integrada por Lennon y McCartney, quienes no se andaron por las ramas a la hora de demostrar su innato talento. La canción colocó a la banda en el mapa antes de su primer disco, ‘Please please me’, que llegó en 1963, desatando la locura en las islas británicas (en Estados Unidos el proceso se repitió en 1964).
COME TOGETHER (1969)
La carrera de los Beatles era imparable gracias a discos como ‘A Hard Day’s Night’ (1964), ‘Rubber soul’ (1965), ‘Revolver’ (1966), ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967), ‘White album’ (1968), ‘Abbey Road’ (1969) y ‘Let it be’ (1970). Precisamente en ‘Abbey Road’ encontramos este blues rock obra de John Lennon (inicialmente ideado para una campaña contra de Ronald Reagan, aspirante entonces a gobernador de California), versionado a lo largo de los años siguientes por artista tan dispares como Aerosmith, Bunbury, Michael Jackson o Bruce Springsteen con Axl Rose.
GIVE PEACE A CHANCE (1969)
Debido a su capacidad para atraer la atención, John Lennon y su esposa Yoko Ono se encamaron durante varios días en Amsterdam para reivindicar la paz mundial. Allí fue donde le dijo a un periodista que estaban intentando darle una oportunidad a la paz.
Se quedó con la frase en la cabeza, alquiló una grabadora de 8 pistas en unos almacenes locales de música, volvió a la habitación del hotel y la grabó como su primer single con The Plastic Ono Band, el proyecto con el que inicialmente daría continuidad a su creatividad tras los Beatles.
IMAGINE (1971)
‘Imagine’ es indudablemente el gran himno de John Lennon, publicado en 1971 en su segundo disco en solitario, de igual título. Una canción «antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional y anticapitalista», como el propio músico explicó en su momento. Una de las composiciones fundamentales del siglo XX.
WOMAN (1980)
‘Woman’ fue el segundo sencillo del álbum ‘Double Fantasy’, y el primero publicado tras la muerte de Lennon el 8 de diciembre de 1980, lo cual, desde luego, le otorga una mística especial. Una suerte de despedida musical mientras el planeta cultural trataba de asimilar la desaparición de uno de los pilares fundamentales del siglo pasado… y del presente.
PARTE DE SU INOLVIDABLE REPERTORIO PLENO DE ÉXITOS:
La Prima Cosa Bella – Vagabundo – Agnese
Il Giorni dell´ Arcobaleno – Rosa – Zíngara – Por Ejemplo
Trotamundos – Guitarra Suena Más Bajo – El Último Romántico
El Corazón es un Gitano – Eternamente – Como Violetas
Paese – Una Ragazzina Come Te – Ti Fa Bella L´amore
Un Gran Amor Nada Más – Amore Ritorna a Casa – Mare
Il Mondo e´ Grigio, Il Mundo e´ Blu – El Extranjero
Lisa De Los Ojos Azules – Tú Me Acostumbraste
Sé Que Bebo Se Que Fumo –
Nicola Di Bari – es unos de los privilegiados artistas que goza del éxito y cariño del público desde hace más de 40 años, con canciones míticas y reconocidas por varias generaciones y que son parte viva de la mejor música italiana en la historia de la música.
Su estilo personal lleno de particularidades lo desarrolla en los conciertos en vivo donde es fácil situarle entre los más grandes cantantes. Nicola Di Bari es sin duda un enamorado de la vida, de las personas, de los pueblos y canta al amor como estrategia para combatir a un mundo cada vez más hostil e inseguro.
Su personal voz conecta perfectamente con estos sentimientos ya que la utiliza para transmitir una mayor emoción y matices a las canciones que le demanda el público al cual le entrega su pasión por la música – alguien dijo una vez “Nicola es un titán”.
No, Nicola es un artista que se entrega hasta la extenuación en los escenarios, donde expone sus heridas y deja que sus experiencias y espíritu llegue hasta el público asistente a sus conciertos ahí se deja ver como un romántico, cautivador y un fascinante personaje que solo quiere ganarse el corazón de su gente.
Dueño de una particular forma de vivir, ganador 2 veces del Festival de San Remo y de la Canzonissima, con canciones inolvidables como las que incluimos en esta presentación y que perduran en el alma de millones de fans. NICOLA DI BARI es uno de los shows de más prestigio y más rentables que se pueden disfrutar en directo
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MADRID, 6 Dic. (EDIZIONES) – Actualizado 06/12/2015 19:14:09 CET
La batería que tocó Ringo Starr en más de 200 conciertos y que utilizó en la grabación de algunos de los primeros éxitos de Los Beatles ha sido vendida en una subasta por un valor de 2,2 millones de dólares al dueño del equipo de fútbol americano los Colts de Indianápolis, Jim Irsay.
La casa de subastas Julien’s Auctions ha confirmado que Irsay compró la batería de tres piezas Ludwing Oyster Black Pearl de 1963 en una subasta celebrada el pasado viernes en Beverly Hills, California. Según Martin Nolan, director ejecutivo de esta casa de subastas, el legendario instrumento ha estado fuera de la vista del público durante 50 años.
«Miren su tamaño», dijo Starr en un vídeo para presentar el lote a subastar, «Yo quería que fuera pequeña porque así yo parecería grande», aseguró. La batería también fue utilizada por Paul McCartney para su primer álbum como solista, titulado ‘McCartney’.
La ronda de subastas duró tres días, y durante ella se subastó un lote de más de 800 artículos propiedad de Ringo Starr y su esposa, Barbara Bach.
Los artículos subastados fueron utilizados por Starr en más de 200 actuaciones entre 1963 y 1964, y la batería Ludwig fue tocada por el músico en las grabaciones de temas como ‘Can’t buy me love’, ‘She loves you’, ‘All my loving’ y ‘I want to hold your hand’.
Irsay es un conocido melómano que se ha hecho con un destacable catálogo instrumentos musicales de colección, que incluye 30 famosas guitarras, entre las que se encuentran las de Paul McCartney, George Harrison y John Lennon, razón por la cual afirmó tras la compra de la batería que «Finalmente, tras 45 años, los Beatles vuelven a estar juntos».
Una parte de las ganancias de la subasta se destinarán a la Fundación Lotus Children, de la pareja, que financia proyectos benéficos.
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El instrumento del ex Beatle podría alcanzar un valor de varios millones de dólares
La batería, una Ludwig Oyster Black Pearl, es de color negro perlado – ABC
REUTERS/EP – abc_culturaMadrid – 03/12/2015 a las 11:24:51h. – Act. a las 11:28:25h.
Una batería de Ringo Starr alcanzará un valor de varios millones de dólares en una subasta, realizada por Julien’s Auctions, en la que se venderán varios objetos que pertenecen al ex Beatle y su esposa, Barbara Bach. Junto con la batería se subastará una guitarra que John Lennon le regaló a Ringo.
Entre ellos figuran siete baterías de escenario y de estudio, incluida la primera Ludwig Oyster Black Pearl, de color negro perlado, con la que grabó temas de la banda como «Can’t Buy Me Love» y «I Want to Hold Your Hand» y que usó en más de 200 actuaciones.
Según ha señalado el presidente de Julien’s Auctions, Darren Julien, la venta está estimada entre dos y cinco millones de dólares. «Se trata de una pieza importante de la historia de los Beatles», ha destacado.
El mes pasado, la casa de subastas vendió por 2,1 millones de dólares el bombo de una batería que Ringo usó en The Ed Sullivan Show en 1964.
Julien’s Auctions de Beverly Hills subastará entre el 3 y el 5 de diciembre unos 1.300 objetos de la colección personal de Ringo Starr, entre los que destaca la copia número 0000001 de la primera edición inglesa álbum blanco de los Beatles.
La subasta acaba con un pequeño mito de los mitos de los Beatles, ya que las cuatro primeras copias del álbum blanco fueron destinadas a los miembros del grupo y hasta ahora se creía que la número 1 era la perteneciente a John Lennon.
El ejemplar de Ringo Starr sale a subasta por un precio inicial de 20.000 dólares y se espera obtener por él unos 60.000 dólares. En 2008 se pagaron algo menos de 30.000 dólares por la copia número 0000005.
Los beneficios de la subasta irán destinados a Lotus Foundation, creada por Ringo Starr y su mujer, Barbara Bach.
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La artista estadounidense, que ha fallecido a los 69 años, fue la primera mujer trompetista afroamericana que entró en el Rock and Roll Hall of Fame
Cynthia Robinson, en una imagen de 1967 – ABC
EP – abc_culturaMadrid – 25/11/2015 a las 13:12:33h. – Act. a las 13:19:29h.
Cynthia Robinson, cofundadora, trompetista y corista del grupo de soul y funk Sly and The Family Stone ha fallecido a los 69 años, después que fuera diagnosticada con cáncer a principios de este mismo año, tal y como confirma la página oficial de la artista en Facebook.
Nacida en 1946 en Sacramento (California), Robinson se unió a mitad de los sesenta a la primera banda de Sly Stone, llamada The Stones, que después pasó a ser Sly Stone and The Family Stone, tal y como recuerda Consequence of Sound.
Su voz y su trompeta aparecen en todos los discos que la banda grabó desde 1967 hasta 1974. Tras su separación, siguió trabajando con Sly Stone, así como con el bajista Larry Graham y otros artistas como Prince y George Clinton. Con el paso del tiempo, actuó también con The Family Stone, un grupo en el que había viejos miembros de la banda original.
Robinson entró en el Rock and Roll Hall of Fame en 1993 junto a los otros miembros de Sly and The Family Stone, convirtiéndose así en la primera mujer trompetista afroamericana que obtenía tal reconocimiento.
MADRID, 24 Nov. (EDIZIONES) –
El rockero estadounidense Bruce Springsteen publicará el próximo 4 de diciembre la esperada caja de reedición de su disco de 1980 ‘The River’, que llegará con el título ‘The ties that bind: The river collection’.
En total serán cuatro cds (con 54 canciones) y tres dvds con abundante material inédito (aquella fue una de las épocas más prolíficas de un artista ya de por sí prolífico), grabaciones en vivo de la época y un nuevo documental sobre el álbum.
‘The ties that bind: The river collection’ incluirá el disco doble original, así como la primera publicación oficial del álbum en formato sencillo (con las diez canciones que grabó en 1979 como continuación del ‘Darkness on the edge of town’ de 1978 y que nunca vio la luz).
La caja incluye también un CD con maquetas de estudio registradas entre 1979 y 1980 (The River: Outtakes), además de un doble DVD con un concierto nunca antes oficialmente editado de 1980 en Tempe Bruce Springsteen desvela un tema inédito de la reedición 35 aniversario de The River (Arizona, Estados Unidos), y que dura 2 horas y 40 minutos.
La guinda la ponen imágenes de ensayos, el citado documental y un libro con 200 fotos y todo tipo de memorabilia de la época. Así las cosas, es bien, precisamente ahora Springsteen desvela un avance del disco de maquetas. Se trata de Party lights, canción inédita hasta ahora en esta versión:
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Desde su lanzamiento en 1972, la canción de Carly Simon ‘You’re So Vain’ ha sido objeto de muchas conjeturas sobre a quién aludía la letra; se ha citado los nombres de Warren Beatty, Mick Jagger o James Taylor, entre otros. Finalmente Carly Simon ha revelado el misterio: en una entrevista en “People”, con motivo de la próxima publicación de sus memorias, reconoce que la canción trata de Warren Beatty, aunque solo la segunda estrofa.
“He confirmado que la segunda estrofa es Warren”, dice Simon. “¡Warren piensa que toda la canción trata de él!”. Y añade que no dará a conocer el resto de nombres de los hombres a los que alude la letra de ‘You’re So Vain’, al menos hasta que no se lo revele a ellos.
Y la segunda estrofa de ‘You’re So Vain’ viene a decir lo siguiente:
“Me tuviste hace algunos años cuando todavía era bastante ingenua
Bien, dijiste que hacíamos una bonita pareja y que nunca lo dejarías
Pero regalaste las cosas que amabas y una de ellas fui yo
Tuve algunos sueños, fueron nubes en mi café
Nubes en mi café, y…”
El músico norteamericano Tom Petty ya tiene su propio programa de radio. Bueno, en realidad se trata de todo el canal 31 de la radio por satélite SiriusXM, que estará operativo desde este sábado 20 de noviembre.
Como no podría ser de otra manera, en este canal se podrá escuchar música de toda la carrera de Tom Petty, incluyendo sus trabajos en solitario, con The Heartbreakers, The Travelling Wilburys y Mudcrutch.
También tendrán espacio maquetas y grabaciones en directo, versiones de canciones de Petty hechas por otros artistas y todo tipo de rarezas que harán las delicias de los fans, informa Billboard.
Petty ha pasado las últimas semanas grabando un programa semanal llamado Tom Petty’s Buried Treasure. También se podrá escuchar una extensa entrevista elaborada por el veterano periodista David Fricke.
En este programa aparecerán los músicos de Petty Steve Ferrone y Benmont Tench, así como Lucinda Williams, Jackson Browne y Roger McGuinn. Todos harán sesiones de dj especiales.
Grabada con la voz de Barry McGuire, fue la canción protesta más popular en los años sesenta, alcanzando el número uno en Estados Unidos
P. F. Sloan – ABC
P. M. P.. Madrid – 17/11/2015 a las 11:21:19h. – Act. a las 17:40:19h.
En julio de 1965 apareció en las tiendas de discos un single cuya cara b contenía una canción que desgranaba los males que asolaban la Tierra en ese momento, como la segregación, la amenaza nuclear y la guerra de Vietnam. Se titulaba «Eve of Destruction» («Víspera de la destrucción»), y estaba firmada por un joven de 19 años llamado P. F. Sloan. Barry McGuire fue el encargado de cantarla, y aquella composición superó a todos sus rivales contestatarios, incluido Bob Dylan (justo en el momento en que este cambiaba de tercio): vendió seis millones de copias, y llegó al número uno en las listas norteamericanas, a pesar de la polémica que levantó y el boicot de varias emisoras de radio que lo tachaban de antiamericano.
Philip Gary Schlein, conocido como P. F. Sloan, falleció de cáncer a los 70 años el pasado 15 de noviembre en Los Ángeles. Nació en Nueva York el 18 de septiembre de 1945, aunque pasó su adolescencia en California. Antes de componer «Eve of Destruction» ya llevaba tiempo trabajando en el negocio musical: a los 14 años escribió su primer single, y a los 16 entró a formar parte de la editorial Screen Gems, la más importante de la Costa Oeste. Más tarde entraría en Dunhill Records y firmó canciones para artistas como The Turtles («You Baby»), The Searchers, The Grass Roots y Johnny Rivers («Secret Agent Man»).
También publicó sus propios discos, como «Songs of Our Time» en 1965 y «Twelve More Times» un año más tarde. Desde entonces sus apariciones han sido muy escasas y de escaso éxito. Su último disco es «My Beethoven», de 2014. Publicó también un libro de memorias, «What’s Exactly The Matter With Me?». El cantante Jimmy Webb le dedicó un caluroso homenaje titulado con su nombre, «P. F. Sloan».
Muchas veces he afirmado que gran parte de los discos que más han marcado mi vida y que considero absolutamente imprescindibles en mi bagaje personal no me arrebataron la primera vez que los escuché. Notas que hay algo especial en ellos. Percibes que tras la primera apariencia se esconde algo muy especial que acabaras descubriendo, exprimiendo, disfrutando para siempre…
Odisea y Oráculo del longevísimo grupo británico The Zombies es una excepción. Un disco genial, rotundo, mágico, obligatorio, que la primera vez que lo escuchas ya te deja patidifuso. Si es verdad que en sucesivas audiciones (las que van desde la segunda hasta las tres millones, aproximadamente) sigues percibiendo matices, melodías, nuevas sugerencias, pero ya todas caerán sobre el terreno abonado de esa primera vez en la que el despliegue de tanta imaginación, tantas armonías vocales (atrevidas para la época), tantos arreglos sutiles, tantas buenas canciones te ganaron corazón y cabeza para siempre.
De no haber existido un grupo llamado The Beatles y su disco Sgt Pepper, Odessey and Oracle de The Zombies sería el disco más influyente de la psicodelia británica sin lugar a dudas.
El domingo 22 actúan en Bilbao The Zombies. Rod Argent, Colin Blunstone y Co. vienen a presentar su nuevo disco de estudio Breathe out Breathe in, que les ha devuelto a la lista de éxitos inglesas 50 años después. Suponemos que estas nuevas canciones serán el eje del concierto, pero seguro que She is not there o Time of the Season, además de algunos éxitos del grupo Argent, como God gave rock and roll to you no faltarán.
Diamantes Musicales tampoco. Allí hemos de estar.
Manuel Teira (Diamantes Musicales)
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El veterano Dion Dimucci publicará el próximo mes de febrero el álbum “New York Is My Name”. La canción que le da título es un dúo con Paul Simon que será lanzado en forma de single este viernes (13 de noviembre). La canción cuenta con un videoclip que fue rodado en octubre en las calles de Nueva York.
“Es mi canción de rock and roll callejero, mi canción de amor a la ciudad y mi chica”, dice Dion. “Para mis ojos la ciudad es pura, me eleva a la más alta realidad. Experimento la plenitud de la vida en Nueva York. Todo está aquí”.
MADRID, 11 Nov. (EUROPA PRESS) –
Andy White, el músico de sesión que tocó la batería en Love me do y otras grabaciones iniciáticas de los Beatles, ha fallecido en New Jersey (Estados Unidos) a los 85 años después de sufrir un derrame cerebral, tal y como ha confirmado su familia a la BBC.
White (nacido en Glasgow en 1930) fue elegido por el mánager del grupo, Brian Epstein, para tocar en septiembre de 1962 la batería en la versión single de Love me do y su cara-b, PS I Love you Muere Andy White, batería de las primeras grabaciones de los Beatles(relegando a Ringo a pandereta y maracas). También se cree que tocó en la versión álbum de Please please me.
Los Beatles grabaron tres versiones de Love me do: con el baterista original Pete Best a las baquetas (6 de junio de 1962), con Ringo Starr (4 de septiembre) y con Andy White (11 de septiembre).
Aparte de sus trabajos con los Beatles antes de que Ringo consiguiera afianzarse en el puesto, White también tocó la batería en el single It’s not unusual de Tom Jones (1965) y en la versión que Lulu hizo de Shout (1964).
También salió de gira con Marlene Dietrich, Burt Bacharach y Rod Stewart, además de tocar con The BBC Scottish Radio Orchestra.
El 6 de noviembre de 1975, en plena agonía de Franco, se estrenó la primera versión española del musical
Camilo Sesto fue su productor y su protagonista, y la dirección fue de Jaime Azpilicueta
JULIO BRAVO – juliobravo1963 Madrid – 07/11/2015 a las 19:56:04h. – Act. a las 16:35:00h. Guardado en: Cultura , Teatros
El 6 de noviembre de 1975, hace ahora cuarenta años, la portada de ABC informaba de la confirmación de Carlos Arias Navarro como presidente del Gobierno. Con Francisco Franco agonizante, el entonces Príncipe Don Juan Carlos había asumido la jefatura del Estado. Aquel mismo día, en el teatro Alcalá Palace de Madrid, se estrenaba un montaje que ya es historia del teatro musical en España: «Jesucristo Superstar», con Camilo Sesto como productor y cabeza de cartel.
El ambiente político no resultaba especialmente propicio para el estreno de una obra que ya había causado polémica en otros países, y cuya versión cinematográfica ya había generado problemas en nuestro país. «Tuvimos que retrasar el estreno varios días, porque estábamos pendientes del fallecimiento de Franco, que era inminente -recuerda Jaime Azpilicueta, el director de aquel montaje-. Hasta que decidimos estrenar el día 6. Cuando murió, el 20 de noviembre, tuvimos que suspender tres días las representaciones». El espectáculo, sin embargo, tuvo un éxito extraordinario, y permaneció hasta el mes de marzo. «Tuvimos que parar con el cartel de «No hay billetes» porque Camilo tenía una gira comprometida».
Camilo Sesto, que encarnaba a Jesucristo, era el protagonista de aquella histórica producción y también su productor. «Físicamente daba muy bien el papel, y vocalmente era perfecto; a mí me interesaba más destacar los aspectos melódicos que los rockeros», recuerda Azpilicueta. «Yo creo que ha sido lo mejor que ha hecho». Junto a él figuraban la cantante dominicana Ángela Carrasco (María Magdalena), el futuro presidente de la SGAE Teddy Bautista (Judas) y Carlos Chausson (Caifás), que entonces aparecía en los carteles como Charly Chausson, y que más tarde se convertiría en un notable barítono de ópera. Completaban el reparto Alfonso Nadal (Pilatos), Guillermo Antón (Pedro), Antonio de Diego (Simón el Zelote), Jason (Anás) y Dick Zappala (Herodes).
«Durante mes y medio vimos a 1620 personas en las audiciones -cuenta Azpilicueta-. Entonces no era como ahora; el que cantaba no bailaba, y el que bailaba no sabía actuar. Pero conformamos un buen elenco».
Camilo Sesto- ABC
«Jesus Christ Superstar», escrito por unos jovencísimos Andrew Lloyd Webber (música) y Tim Rice (letras) había nacido como en 1970 como disco; en él participaron cantantes como Ian Gillan, vocalista de Deep Purple, y Murray Head, y se anunciaba como «ópera rock». El 12 de octubre de 1971 se estrenó en Nueva York, y un año después llegó a Londres, donde permanecería en cartel durante ocho años. Norman Jewison firmó en 1973 la versión cinematográfica, rodada en Israel y protagonizada por Ted Neeley, Carl Anderson e Yvonne Elliman (que ya había estrenado la obra en Nueva York y Londres).
La adaptación española del texto la firmaron el propio Azpilicueta y un joven periodista, Nacho Artime. Habían visto el estreno en Nueva York de la obra, en 1971, y la posterior puesta en escena en Londres. «A mí el que me gustó fue el montaje de Tim O’Horgan en Broadway; el de Londres no me gustó; todo lo contrario que a Lloyd Webber, que detestaba la versión neoyorquina.
¿Tuvieron problemas con la censura? «Todas -exclama Jaime Azpilicueta-; el espectáculo estuvo prohíbido durante mucho tiempo, a pesar de que la película se había autorizado y se proyectaba en el cine Palafox de Madrid -aunque con subtítulos que decían cosas diferentes de lo que se cantaba en la versión original-. Nadie sabía darnos una razón para que no pudiéramos poner en pie “Jesucristo Superstar”, ni siquiera el director general de entonces, Mario Antolín, que era muy amigo mío. Alguien de “muy arriba” había decidido impedir el estreno».
Hasta que, de pronto, los problemas desaparecieron y se autorizó el estreno. «El día del ensayo para la censura -se hacía la función únicamente para los censores y sus esposas-, estábamos aterrados -relata el director-. Y fíjese lo que ocurrió. En la escena del arresto, teníamos unas proyecciones con portadas de periódicos que anunciaban la detención de Jesús; en una de ellas se leía: Jesucristo, arrestado por el “establishment”. Pues en la hoja de censura, nos prohibían que hiciéramos referencia a aquel “partido político”».
Camilo Sesto y Alfonso Nadal- ABC
Las dificultades no terminaron ahí. Al igual que había ocurrido con el estreno de la película, los guerrilleros de Cristo Rey fueron especialmente combativos con «Jesucristo Superstar». «Se apostaban en las cercanías de la puerta del teatro y trataban de disuadir a las personas que se acercaban a la taquilla», recuerda Azpilicueta. También hubo varias amenazas de bomba. «Cada vez que veíamos a las taquilleras, unas señoras mayores, salir corriendo, ya sabíamos que habían vuelto a llamar con otra amenaza. Pero afortunadamente, se quedaron ahí. «No hubo agresiones». Y reflexiona el director de escena: «Aquí somos más papistas que el Papa; mientras aquí había protestas, “Getsemaní” se convertía en número 1 en Radio Vaticano».
«Quiero hacer algo realmente digno -decía Camilo Sesto en la revista «Blanco y Negro», publicada dos días después del estreno-. Tanto los que tienen interés como los que no se van a llevar una gran sorpresa. Incluso los que estábamos más o menos seguros de que va a ser algo bien montado -Nacho Artime, Azpilicueta, coreógrafo, etc.- estamos sorprendidos porque vemos que da para más. El guión es completísimo y no tiene cortes como la película. La gente no va a ver una estampita ni va a asistir a una clase de catecismo. Oirá una historia de hace muchísimos siglos, actualizada y con un lenguaje comprensible para todos. Mi papel es humano, tierno y duro a la vez».
«Jesucristo Superstar» supuso un hito en la historia del teatro musical en España. «Creo que fue la primera vez que el género entró a lo grande en este país -asegura Azpilicueta-. Se hizo con cuatro duros, además; con el 15 por ciento de lo que había costado en Nueva York (se habló de entre doce y quince millones de pesetas). Con la perspectiva del tiempo, sé que hicimos algo que tuvo un valor extraordinario. No había todavía micrófonos inhalámbricos, así que tuvimos que usar micrófonos con cables, y la gente tenía que bailar encima de esos cables; teníamos gente encargada de estirarlos y colocarlos. Y como necesitábamos un ascensor, llamamos a Boetticher para que nos construyera uno. Pero el esfuerzo mereció la pena. En la escena de la crucifixión la gente se emocionaba y aplaudía muchísimo».
Pablo Abraira y Estíbaliz Uranga- ABC
Nueve años después de este estreno, «Jesucristo Superstar» volvió al propio teatro Alcalá Palace, también con dirección de Jaime Azpilicueta. Pablo Abraira, Estíbaliz Uranga y Pedro Ruy Blas fueron sus protagonistas. La obra volvió a la escena española dos veces: en 2007, en el teatro Lope de Vega de Madrid (el espectáculo giraría después por todo el país), con Miquel Fernández -al que sustituiría después Gerónimo Rauch-, Lorena Calero e Ignasi Vidal; y el año pasado, en Canarias, en una versión que dirigió Azpilicueta.
