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Sí, nos faltaba algo de amor, y por fin aparece el «Black Beauty» de Love

El álbum, grabado en el 73, estaba ideado para salir después del «Vindicator» de Arthur Lee en solitario, pero acabó abandonado en el baúl de los olvidos.

J.Villuendas / Madrid
Día 13/01/2013 – 09.43h

Epiclectic –
Imagen del multi-racial grupo para la portada del segundo disco, del 67, en el mismo año que aparecería el reverenciado «Forever Changes».

Va a ser verdad que faltaba algo de amor en este mundo o, lo que es lo mismo, que aún quedaban por escuchar canciones de Arthur Lee. Y es que los amantes de las melodías más top empiezan el año 13 de enhorabuena, porque un sello neoyorkino acaba de lanzar esta semana el LP “Black Beauty”, el disco perdido del grupo que facturó el insuperable «Forever Changes» y que por fin ve la luz en formato físico. En otro nuevo ejemplo del nunca es tarde si la dicha es…

El álbum, grabado en 1973, estaba ideado para salir después del “Vindicator” del 72 (el primero suyo en solitario), pero acabó abandonado en el baúl de los olvidos tras la quiebra de la discográfica que iba a publicarlo. Casi cuarenta años han tenido que pasar para que un nuevo sello, High Moon Rercords, especializado en rarezas y labor desclasificadora (pronto tendrán disponible el descatalogado «Two Sides To Every Story» de Gene Clark) rescatase la obra y lanzase una edición limitada de 5.000 vinilos con las nuevas viejas canciones. Y así, tras los mil retrasos y contratiempos correspondientes, finalmente: «¡High Moon Records está emocionada de anunciar el lanzamiento del disco «Black Beauty» de Love!».

Los fans más acérrimos, por supuesto, ya conocen de sobras la mayoría de los temas puesto que circulaban con calidad piratera desde hace bastante tiempo, sin embargo ahora disfrutarán de la alta fidelidad del sonido o de su libreto de fotos inéditas del grupo en plan bucólico de Herbert Worthington (amigo de Lee y fotógrafo de la imagen del «Rumours» de Fleetwood Mac).

El rescatado «Black Beauty» añade a la paleta sónica de Love (o de Lee más nuevos músicos de sesión, íntimos suyos) una mayor querencia por el hard rock, blues y funk, que de hecho eran los derroteros por los que se movía el artista en esta época, acercándose a Jimi Hendrix, alejándose, así, del folk y pop de considerable aliento poético que desprendía el propio «Forever Changes».
Practicó el amor y la guerra

En 1966, Love comenzaba su andadura discográfica con el lanzamiento de su álbum homónimo, que incluía joyas del calibre de «Soflty to Me», el himno anti-droga «Signed D.C.» o el pausado lirismo «Message to Pretty». Un año después, el grupo multi-racial angelino sacaba el «Forever Changes», disco clave en la historia de la música popular, con «Alone Again Or» (del segundo de abordo, Bryan Maclean), con Old Man, con todas. En 1996, 29 años después, Arthur Lee entraba la cárcel.

El auto-proclamado como «el primer hippie negro» había sido condenado a 12 años, que serían seis, por acumulación de faltas leves (como, por ejemplo, sacar a pasear una pistola en una discusión vecinal). Este héroe de la Costa Oeste, ya tenía, además, antecedentes por posesión de drogas. En general, no era famoso por su bonhomía y, de hecho, su trato con el resto de la banda no se basaba precisamente en el amor. Aún con todo, Love se convertiría en uno de los grupos más grandes poco conocidos de la historia.

Arthur Lee falleció agosto de 2006, en elque seguramente sea el peor verano de la historia de la psicodelia, puesto que también se llevaba consigo a Syd Barret (primer cabecilla de Pink Floyd), otra de sus más insinges figuras. Lee no sobrevivía a su particular batalla contra la leucemia. Tras de sí, finalmente, dejaba un legado indiscutible junto a sus compañeros (que ahora vive un feliz nuevo episodio), siendo parte remarcable del todo que significó la segunda mitad de la decada de los sesenta, a ese periodo de prodigioso amontonamiento de obras maestras en la música popular.

http://www.abc.es/cultura/musica/20130113/abci-faltaba-algo-amor-aparece-201301112144.html

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La faceta más introspectiva de Neil Young sale a la luz en un documental

DEL DIRECTOR DE ‘EL SILENCIO DE LOS CORDEROS’ Y ‘PHILADELPHIA’

Foto: SONY

Madrid, 13 Ene. (Europa Press) –

La faceta más introspectiva de Neil Young, las anécdotas más interesantes de su juventud y sus historias más íntimas salen a la luz en un documental realizado por Jonathan Demme, el director de ‘El Silencio de los Corderos’ y ‘Philadelphia’.

‘Neil Young Journeys’, que forma parte de la selección oficial del Festival de Cine de Toronto y del Festival de Cine de los Ángeles, se publica en DVD en España y se trata de la primera vez que esta cinta puede verse en nuestro país.

El documental lleva al espectador a mayo de 2011, una fecha en la que el músico viajó en un Crown Victoria de 1956, el mítico coche, desde su ciudad natal, Omemee, Ontario, hasta el icónico Massey Hall en el centro de la localidad, donde ofreció los dos últimos conciertos de su gira mundial en solitario, celebrados en la intimidad.

Durante este trayecto, Neil Young relató al cineasta algunas de las historias más curiosas, íntimas y reveladoras de su juventud, anécdotas que el director combinó con la música del mito del rock, incluyendo actuaciones en directo del disco de 2010 ‘Le Noise’, versiones de clásicos como ‘Ohio’, ‘Hey Hey, My My’ o ‘I Believe in You’ y las canciones inéditas ‘Leia’ y ‘You never Call’.

Además, este DVD también incluye material extra como el ‘Viaje a Slamdance: Una conversación con Neil Young y Jonathan Demme’, ’92Y habla con Neil Young y Jonathan Demme’ y ‘Así se hizo Journeys’.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-faceta-mas-introspectiva-neil-young-sale-luz-documental-20130113103710.html

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Hoy se cumplen 10 años sin Maurice Gibb, el primero de los Bee Gees en morir

Estaba trabajando en nueva música con Michael Jackson y su hermano Barry cuando falleció a los 53 años en Miami.

Por David Gallardo

De izquierda a derecha: Robin, Barry y Maurice. Los Bee Gees en su máximo esplendor reflectante

Acompañado por sus seres más queridos. Así falleció el 12 de enero de 2003 Maurice Gibb, el talento ‘oculto’, el encargado de cantar las notas más altas del trío, la amalgama que lo mantenía todo unido, en el Mount Sinai Medical Center de Miami. Rodeado por su esposa Ivonne, sus hijos y sus hermanos Barry y Robin, quien había llegado apenas una hora antes procedente de Londres.

Maurice, el más joven de los tres, era mellizo de Robin y nació 35 minutos antes. Falleció con 53 años, por un paro cardiaco durante una operación quirúrgica de urgencia para tratar de solventar una obstrucción intestinal que le había llevado hasta el hospital unos días antes y que finalmente no pudo superar.

“Su amor, entusiasmo y ganas de vivir son un motivo de inspiración para todos nosotros. Le echaremos mucho de menos”, declaró la familia en un escueto a la par que emotivo comunicado a las pocas horas del deceso, antes de centrarse en cuestionar las decisiones de los médicos que trataron a Maurice durante su estancia en el centro médico.

“Vamos a investigar todos los factores, cada uno de los segundos de las últimas horas de la vida de Maurice”, advirtió entonces el hermano mayor, Barry, actualmente único miembro de los Bee Gees con vida tras la muerte hace siete meses también de Robin.

Maurice Gibb nació el 22 de diciembre de 1949 en la Isla de Man (Gran Bretaña), aunque prontó emigró con su familia al próspero continente australiano. Desde allí se cimentó una fabulosa trayectoria musical junto a sus hermanos que despegó definitivamente con su primer gran sencillo de éxito de 1967, Massachussetts. Varias décadas después los Bee Gees acumulan más de 200 millones de copias vendidas entre discos de estudio, singles y recopilatorios.

Reconocido multi instrumentista, Maurice se encargó a lo largo de los años de teclados, guitarras, bajos y percusión, así como de las armonías, las melodías y los coros, relativamente eclipsado por Barry y Robin, que se encargaban de las letras y las voces principales (aunque Maurice era capaz de alcanzar notas más altas con sus locos falsetes).

El peso como músico de Maurice le hizo ganarse el cariño de los fans, y le llevó a ser director musical de los Bee Gees durante sus últimos años en activo. Además, en 1994 entró a formar parte del Songwriters Hall of Fame, tres años antes de que el trío accediera al prestigioso Rock n Roll Hall of Fame.

Siguiendo con los reconocimientos, en 2002 fue ordenado Caballero del Imperio Británico junto a sus hermanos. Lamentablemente, la distinción no se entregó formalmente hasta 2004, de manera que tuvo que ser su hijo Adam quien acompañara a Barry y Robin en la ceremonia celebrada en el Palacio de Buckingham.

Tras su inesperada muerte el 12 de enero de 2003 se supo que Maurice (fanático del paintball, aunque este dato no tenga nada que ver) estaba trabajando en nuevas canciones con Michael Jackson y su hermano Barry. Su último gran proyecto fue la producción de un álbum con canciones escritas e interpretadas por su hija Samantha, que finalmente vio la luz en 2005 con el título de M.E.G., las inicales del músico.

En marzo de 2007 el parque Island View de North Miami Beach pasó a llamarse Maurice Gibb Memorial Park. Aunque en realidad su perdurable recuerdo está más que a salvo gracias a no pocas delirantes fiebres del sábado noche y canciones tan inmortales como Stayin’ alive, Tragedy, Night fever, To love somebody, More than a woman, How deep is your love o la ya mencionada Massachussetts. Porque según él mismo afirmó en vida: “Uno de nosotros está bien, dos de nosotros está bastante bien, pero los tres juntos somos mágicos”.

http://rollingstone.es/specials/view/hoy-se-cumplen-10-anos-sin-maurice-gibb-el-primero-de-los-bee-gees-en-morir

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Jimi Hendrix ‘estrena’ una nueva canción

El 5 de marzo verá la luz una colección de composiciones inéditas grabadas por el guitarrista entre 1968 y 1969.

Por Rolling Stone

El próximo 5 de marzo verá la luz una colección de grabaciones inéditas de Jimi Hendrix bajo el título de People, Hell and Angels, grabada originalmente entre 1968 y 1969 mientras buscaba nuevas direcciones creativas, jugueteando con metales, teclados, percusión y una segunda guitarra, tratando de expandir su talento.

Estos nuevo sonidos iban a formar parte de First Rays of the New Rising Sun, un doble álbum que el guitarrista pretendía publicar tras Electric Ladyland. Lo que ahora se puede escuchar es un primer adelanto de este material inédito titulado Somewhere, en el que Hendrix se une a Buddy Miles como batería y Stephen Stills en el bajo para una ascendente ‘jam’ de blues.

http://rollingstone.es/noticias/view/jimi-hendrix-estrena-una-nueva-cancion

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Sony Music publica primeras grabaciones de Bob Dylan para esquivar el nuevo copyright

Cambio normativo en la UE

Foto: Reuters

Madrid, 9 Ene. (OTR/Press)

Sony Music ha publicado una recopilación con algunas de las primeras grabaciones de Bob Dylan con un claro objetivo: mantener los derechos de explotación en Europa antes de que entre en vigor el cambio normativo del copyright en la UE. Para ello, se han distribuido solo 100 copias en algunas tiendas de Alemania, Francia, Suecia y Gran Bretaña, según ha informado el medio estadounidense ‘The New York Times’.

Unos pocos admiradores de Bob Dylan han podido acceder a esta recopilación, en la que se incluyen 86 canciones inéditas procedentes de grabaciones en estudio y en directo, tomadas en 1962 y 1963. La venta se ha producido únicamente en Europa, algo que ha desatado las pujas en internet al otro lado del océano Atlántico, elevando el precio hasta los 1.200 dólares a cambio de un ejemplar.

El propio título de esta entrega, ‘The 50th Anniversary Collection. The Copyright Extension Collection, Vol. 1’,  explica las intenciones de la compañía ante los cambios normativos que tendrán lugar en el viejo continente a partir de 2014.

Actualmente, en Europa se pueden mantener los derechos de explotación de grabaciones durante 50 años, un periodo mucho más reducido que en Estados Unidos, donde las obras registradas a partir de 1978 mantendrán el copyright hasta 70 años después de la muerte del autor.

En 2011, la Unión Europea revisó sus leyes para ampliar 20 años más el copyright, un cambio que será efectivo el próximo año. Sin embargo, esta modificación tiene un matiz que ha motivado la publicación de estas canciones inéditas de Dylan: la grabaciones no podrán beneficiarse de esta extensión a no ser que hayan sido publicadas antes de que el periodo de 50 años de copyright haya expirado.

http://www.europapress.es/cultura/musica-00129/noticia-sony-music-publica-primeras-grabaciones-bob-dylan-esquivar-nuevo-copyright-20130109185035.html

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Julio Iglesias volverá a actuar en España en los meses de junio y julio

El cantante comenzará su gira de 2013 en Guatemala, el próximo 24 de febrero

Julio Iglesias durante la promoción de su último disco – Ángel de Antonio

EP / abc.es / Madrid
Día 09/01/2013 – 16.20h

La gira de 2013 de Julio Iglesias pasará por España en los meses de junio y julio. Hasta el momento, están previstos seis conciertos: Albacete (22 de junio), Barcelona (25 de junio), Santander (29 de junio), Logroño (3 de julio), Alicante (6 de julio) y Roquetas de Mar, en Almería (13 de julio).

Guatemala, el 24 de febrero, será la primera parada de esta gira de 2013 que tiene como argumento principal el disco «1» (2011), en el que el famoso cantante volvió a grabar sus mayores éxitos.

El resto de las fechas previstas, a la que se sumarán otras que serán anunciadas próximamente, son las siguientes: en el mes de marzo actuará en Rusia (en Krasnodar el día 1, en San Petersburgo el 4 y en Rostov del Don el 11), en Ucrania (en Kiev el día 6 y en Dnepropetrovsk el 8) y en Armenia (en Ereván el día 18). Dentro de la gira asiática en abril, actuará en Filipinas (Manila, día 6), Corea del Sur (Seúl, día 10), China (Shangai, día 14; Chengdú, día 17; Shénzhen, día 19; y Pekín, día 21), Singapur (día 27) y Taiwán (Taipéi, día 30).

http://www.abc.es/cultura/musica/20130109/abci-julioiglesias-201301091555.html

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‘(Sitting On) The Dock Of The Bay’ de Otis Redding celebra su 45 aniversario

La canción, de la que se han vendido más de cuatro millones de copias, fue lanzada un mes después del fallecimiento del cantante

La canción del conocido como «Rey del Soul» cumple 45 años y hasta la fecha ha vendido más de cuatro millones de copias

(Redacción / EFE).-

(Sitting On) The Dock Of The Bay, la canción compuesta por Otis Redding y convertida en uno de los grandes clásicos de la música del siglo XX, cumple hoy 45 años desde que Atlantic Records la publicara en Estados Unidos un 8 de enero de 1968.

La canción, que se puso a la venta un mes después del trágico fallecimiento de Redding en un accidente de aviación, alcanzó el número 1 en la lista Billboard en marzo del mismo año, posición en la que se mantuvo durante cuatro semanas consecutivas, informó este martes en un comunicado Warner Music.

Aunque su gran éxito fue ‘Sitting On The Dock Of The Bay’, el apodado «Rey del Soul» inició su camino a la fama -aún en vida- tras formar un dúo con la también conocida como «Reina del Soul de Memphis», Carla Thomas.

El éxito de Redding, su único número uno en su corta pero intensa trayectoria, obtuvo también dos premios Grammy y fue elegido en el puesto 26 de la lista de la revista Rolling Stone de las «500 grandes canciones de todos los tiempos».

Cuarenta y cinco años después, la canción publicada en el sello Stax Volt, sigue manteniendo su vigencia y popularidad en todo el mundo y, hasta la fecha, ha vendido más de cuatro millones de copias.

http://www.lavanguardia.com/musica/20130108/54358905772/45-aniversario-sittin-on-the-dock-of-the-bay-otis-redding.html

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David Bowie vuelve después de una década

 

El día que el cantante cumple 66 años del cantante ha lanzado su nuevo single «Where are we now?»

abc.es / Madrid
Día 08/01/2013 – 10.53h


David Bowie, durante su última gira

David Bowie vuelve después de una década de ausencia musical. La leyenda del glam ha lanzado su nuevo single «Where are we now?». Toda una declaración de intenciones si se tiene en cuenta que la fecha elegida para romper su silencio ha sido el día que el cantante cumple 66 años y con ella quiere sorprender a sus millones de seguidores.

La canción está disponible en video en su página oficial y también puede descargarse. Además, anuncia que vendrá seguida de un nuevo álbum, «The Next Day», que verá la luz el próximo mes de marzo.

«Where are we now?», una balada sobre el piano, ha sido grabada en Nueva York y producida por Tony Visconti, con el que el cantante ha trabajado durante años. El tema incluye varias referencias a Berlín, donde Bowie y Visconti alumbraron la mítica trilogía de discos «Low», «Heroes», y «Lodgers» en los setenta.
Tono elegíaco

«Si escuchas atentamante las estrofas se encuentran referencias a la ciudad alemana. Aparecen los lugares en los que vivió Bowie mientras trabajaba en esos álbumes. Y tiene un tono elegíaco. Hay tristeza, creo. Cansancio en su voz», ha afirmado John Wilson, reputado presentados de la radio de la BBC.

La portada del nuevo álbum, que ya aparece en Itunes, es una versión de la de «Heroes», reforzando la conexión con la trilogía de Berlín.

«David es el tipo de artista que escribe e interpreta lo que quiere cuando quiere… cuando se tiene algo que decir en lugar de algo que vender. Hoy definitivamente tiene algo que decir», se afirma en su web.

http://www.abc.es/cultura/musica/20130108/abci-david-bowie-vuelve-despues-201301081044.html

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El mito simpático de la canción italiana cumple 75 años

Adriano Celentano

Celentano, en una imagen de archivo. | Gtres

dpa | Roma
Actualizado domingo 06/01/2013 16:00 horas

Su rasgada voz está lejos de acallarse. Adriano Celentano sigue arremetiendo contra la incapacidad de los políticos mientras sus álbumes se venden por millones y miles de fans llenan los estadios durante sus conciertos. Su hit ‘Azzurro’, compuesto por Paolo Conte y con el que en 1968 se dio a conocer en discotecas de todo el mundo, fue elegido como la canción italiana más popular fuera de las fronteras del país.

Infatigable, con una poblada cabellera ahora repleta de canas, Celentano acaba de lanzar un nuevo disco en directo y un manifiesto político de izquierdas. Este domingo, el cantante, actor y productor cumple 75 años.

Su andar relajado, su descarada elección de vocabulario y su talento para darse a conocer ayudaron al cantante a hacer carrera. Su mujer, Claudia Mori, suele decir de él que es «bastante cabezota», y ella debe saberlo bien, pues desde hace décadas convive con este ‘Rey de los ignorantes’, como reza el nombre de uno de sus elepés. Eso sí, cada vez que Celentano y su simpática sonrisa aparecen en un programa de televisión, millones de italianos se sientan en el sofá a verlo.

Inolvidables son éxitos suyos como ‘Una festa sui prati’ y ‘24.000 baci’, que en su día constituyeron la respuesta italiana a Elvis Presley. Hace ya medio siglo, Celentano se hizo merecedor de esta halagüeña comparación cantando en festivales y haciendo vibrar realmente las salas. Desde entonces, es imparable, apenas transcurre un año sin que haya nuevos temas cantados por su personal voz.

El último, el pasado otoño (boreal), fue ‘Dormi amore la situazione non è buona’, sobre la mala situación que atraviesa el país. Entre tanto, su esposa y también cantante afirma que no comparte cama ni con un mito ni con un genio, pero que Celentano siempre consigue hacerla reír. No en vano, al artista siempre se le dio bien el ‘slapstick’.

Carrera en la gran pantalla

Su carrera en la gran pantalla comenzó en 1959, con una breve aparición en ‘La dolce vita’ de Federico Fellini. Lo que siguió encajaba a la perfección con ese subgénero de la comedia equivalente a veces a la payasada, en ocasiones con trasfondo político y a menudo un éxito de taquilla aunque no tanto de crítica.

Los títulos hablan por sí solos: ‘Serafino’, ‘Bluff, los Embrollones’ y, sobre todo, ‘Furiosamente enamorado’, junto a Ornella Muti. Sin embargo, actualmente apenas rueda.

Nacido en Milán en el seno de una familia humilde, dejó el colegio tras cinco años, trabajó como afilador y fue aprendiz de relojero. Poco a poco, se hizo un hueco como comediante e imitador, hasta que emprendió su carrera musical y cinematográfica. Sus maneras, relajadas y simpáticas, le servirían también más tarde para triunfar en televisión. A finales de los 80, fue presentador del programa ‘Fantastico’, por el que a menudo saltó a los titulares con sus declaraciones políticas y elevado sueldo.

«Podría cambiar el voto de cinco millones de electores», dijo una vez a la televisión pública Rai. En 2005 reprochó al entonces jefe del gobierno Silvio Berlusconi que ponía trabas a la libertad de prensa. Sin embargo, tanto ayer como hoy, la mayoría de fans lo que quiere es escuchar sus canciones. Como en los dos conciertos que dio en octubre en el estadio de Verona, donde reunió a 24.000 fans y a más de nueve millones de telespectadores. Puntual para Navidad salió a la venta ‘Adriano Live – Il Concerto’, con 22 temas de este grande de la canción italiana.

http://www.elmundo.es/elmundo/2013/01/05/cultura/1357390763.html

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Jethro Tull interpretará al completo su «Thick as a brick» en el Kursaal

El álbum ha cumplido en 2012 cuarenta años

abc.es / Madrid
Día 07/01/2013 – 18.00h

ABC – Ian Anderson, el gran flautista del rock

Jethro Tull, con casi medio siglo de carrera y un puñado de álbumes de gran categoría, adalides de la fusión de folk con rock duro y progresivo, actuará el próximo 9 de febrero en San Sebastián, donde interpretará íntegramente el disco «Thick as a Brick», de cuya edición se han cumplido recientemente 40 años, ha informado la Fundación Kursaal en un comunicado.

La banda de Ian Anderson, reconocido como el músico que se atrevió a introducir la flauta travesera en el rock, visita el Kursaal de San Sebastián dentro de una gira iniciada el pasado año con motivo del cuadragésimo aniversario de uno de sus álbumes más celebrados, el «Thick as a Brick», un trabajo conceptual de una única pieza de 45 minutos.

El disco será interpretado por completo en el concierto, al igual que Jethro Tull hizo en 1972, año en el que el álbum salió al mercado. Desde entonces, el grupo británico sólo ha tocado algunos fragmentos en sus recitales.

Jethro Tull, uno de los nombres imprescindibles de lo que se denominó en los años 70 rock progresivo, se creó en 1967 y ha mantenido su actividad hasta hoy con Ian Anderson como único integrante de la formación original y con la participación en estas cuatro décadas de más de más de una veintena de músicos.

En estas más de cuatro décadas ha editado más de 30 álbumes que han vendido más de 80 millones de copias y ha ofrecido más de 3.000 conciertos en 40 países.

http://www.abc.es/cultura/musica/20130107/abci-jethor-tull-sebastian-201301071601.html

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Muere Patti Page, una voz mítica del pop de los cincuenta

Page ha fallecido a los 85 años en California

Fue la artista femenina que más discos vendió en la década de 1950 en EE UU

EFE – Washington 3 Ene 2013 – 02:38 CET

Patti Page en 1962. / Las Vegas News Bureau / Handout (EFE)

La cantante estadounidense Patti Page, la artista femenina que más discos vendió en la década de 1950 en Estados Unidos, ha fallecido este miércoles a los 85 años en Encinitas (California), según ha informado la residencia en la que vivía.

Page, conocida por su mezcla de pop y country y por su éxito Tennessee Waltz (1951), murió por un problema de salud no especificado en su residencia de Seacrest Village Retirement Communities, según confirmó esa compañía al diario The New York Times.

Nacida en Oklahoma en 1927, Page saltó a la fama al comienzo de la era de las big bands, presentada como la furia cantante, y se convirtió rápidamente en un éxito de ventas, con más de 100 millones de discos en la década de los cincuenta.

Su sencillo Tennessee Waltz, que hoy es una de las dos canciones oficiales de ese estado estadounidense, vendió 10 millones de copias y se considera el primer éxito popular en abarcar varios géneros, ya que pasó semanas en las listas de pop, country y rythm and blues.

Page también se considera la primera cantante en hacer coros para sí misma en una grabación, en su canción de 1948 Confess, cuando las coristas del estudio estaban en huelga.

Ganó su único Grammy en 1999, por la grabación de un concierto de 1997 en el Carnegie Hall de Nueva York que celebraba su 50 aniversario como cantante. Su muerte le impedirá recibir su segunda estatuilla, el Grammy de reconocimiento a toda una carrera, que esa academia planeaba entregarle este año y que probablemente le concederá a título póstumo.

Page, cuyo nombre de pila era Clara Ann Fowler, era conocida además por éxitos como I Went To Your Wedding y Doggie in the Window, que pasaron más de dos meses en el número uno de ventas.

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/01/03/actualidad/1357177105_337628.html

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Phil Spector, el number one de la música ?

Esta semana ha cumplido años, no se sabe cuantos ya que hay dudas en la fecha de su nacimiento, el quizás más grande músico de la historia de los años 60 y 70, el gran Phil Spector.

Harvey Philip Spector que así se llamó al nacer, es un músico y productor estadounidense, conocido por su técnica de orquestación, el «muro de sonido» (wall of sound), consistente en grabar múltiples pistas de acompañamiento, superponiéndolas hasta crear un sonido compacto y único.

Phil comenzó su carrera musical como integrante de los Teddy Bears. En 1958 una canción suya tuvo un gran éxito «To know him is to love him».

Pasándose poco después a la producción musical, especializándose en grupos femeninos como The Crystals («Da Doo Ron Ron (When He Walked Me Home)» y The Ronettes «Be My Baby».

Algunas de las canciones mas famosas de los años 60 como «You’ve Lost that Lovin’ Feelin» de los Righteous Brothers, y «River Deep, Mountain High», de Ike y Tina Turner fueron de su propia cosecha.

En 1970 John Lennon le pide en 1970  que ayude a The Beatles en la publicación del  “Let it be”.

Durante la decada de los setenta produce para artistas como John Lennon, Leonard Cohen, George Harrison  y los Ramones.

Hoy en día, Phil Spector, está cumpliendo condena de 19 años por homicidio en segundo grado  el 13 de abril de 2009.

En el siguiente video se puede ver un pequeño, muy pequeño, resumen de algunas de sus innumerables canciones.

Selección de albumes y singles en los Phil Spector tuvo todo que ver:

Álbumes
1959: The Teddy Bears Sing – The Teddy Bears
1963: A Christmas Gift for You from Phil Spector – Various Artists
1963: Twist Uptown – The Crystals
1963: He’s A Rebel – The Crystals
1964: Presenting the Fabulous Ronettes Featuring Veronica – The Ronettes
1965: Ronettes – The Ronettes
1966: River Deep – Mountain High – Ike and Tina Turner
1970: Let It Be – The Beatles
1970: All Things Must Pass (co-producer) – George Harrison
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band
1970: Plastic Ono Band (co-producer) – Yoko Ono and The Plastic Ono Band
1971: Imagine (co-producer) – John Lennon and The Plastic Ono Band
with the Flux   Fiddlers
1971: The Concert for Bangla Desh (co-producer) – George Harrison and Friends
1972: Some Time in New York City (co-producer) – John Lennon and Yoko Ono
With Elephant’s Memory plus Invisible Strings
1975: Rock N’ Roll (co-producer) – John Lennon
1975: Born To Be With You – Dion
1977: Death of a Ladies’ Man – Leonard Cohen
1980: End of the Century – Ramones
1981: Season of Glass (co-producer) – Yoko Ono
1986: Menlove Ave. (co-producer) – John Lennon
1991: Back to Mono (1958-1969) (Box set compilation) – Various Artists
2003: Silence Is Easy (co-producer) – Starsailor

Sencillos
«To Know Him Is to Love Him» – The Teddy Bears (12/01/58, #1)
«Corrine, Corrina» – Ray Peterson (1/09/61, #9)
«Pretty Little Angel Eyes» – Curtis Lee (8/07/61, #7)
«Every Breath I Take» – Gene Pitney (9/11/61, #42)
«I Love How You Love Me» – The Paris Sisters (10/30/61, #5)
«Under the Moon of Love» – Curtis Lee (11/27/61, #46)
«There’s No Other (Like My Baby)» – The Crystals (1/22/62, #20)
«I Could Have Loved You So Well» – Ray Peterson (1/27/62, #57)
«Uptown» – The Crystals (3/03/62, #13)
«He Knows I Love Him Too Much» – The Paris Sisters (3/10/62, #34)
«Let Me Be the One» – The Paris Sister (5/26/62, #87)
«Second Hand Love» – Connie Francis (6/09/62, #7)
«He’s A Rebel» – The Crystals (11/03/62, #1)
«Zip-a-Dee-Doo-Dah» – Bob B. Soxx & the Blue Jeans (1/12/63, #8)
«He’s Sure the Boy I Love» – The Crystals (1/19/63, #11)
«Puddin N’ Tain (Ask Me Again, I’ll Tell You the Same)» – The Alley Cats (2/16/63, #43)
«Why Do Lovers Break Each Other’s Hearts» – Bob B. Soxx and the Blue Jeans –  (3/30/63, #38).

«(Today I Met) The Boy I’m Gonna Marry» – Darlene Love (5/11/63, #39)
«Da Doo Ron Ron (When He Walked Me Home)» – The Crystals (6/08/63, #3)
«Not Too Young to Get Married» – Bob B. Soxx and the Blue Jeans (7/13/63, #63)
«Then He Kissed Me» – The Crystals (8/17/63, #6)
«Wait ’Til My Bobby Gets Home» – Darlene Love (9/07/63, #26)
«Be My Baby» – The Ronettes (10/12/63, #2)
«A Fine Fine Boy» – Darlene Love (11/23/63, #53)
«Christmas (Baby, Please Come Home)» – Darlene Love
«Baby, I Love You» – The Ronettes (2/01/64, #24)
«(The Best Part of) Breakin’ Up» – The Ronettes (5/16/64, #39)
«Do I Love You?» – The Ronettes (8/01/64, #34)
«Walking In the Rain» – The Ronette (12/05/64, #23)
«You’ve Lost That Lovin’ Feelin'» – The Righteous Brothers (2/06/65 #1, UK #1)
«Just Once in My Life» – The Righteous Brothers (5/15/65, #9)
«Unchained Melody» – The Righteous Brothers (8/28/65, #4)
«Ebb Tide» – The Righteous Brothers (1/08/66, #5)
«River Deep – Mountain High» – Ike and Tina Turner (6/18/66, #88 UK #3)
«Love Is All I Have to Give» – The Checkmates, Ltd. (5/03/69, #65)
«Black Pearl» – The Checkmates, Ltd. (7/05/69, #13)
«Proud Mary» – The Checkmates, Ltd. (11/01/69, #69)
«Instant Karma (We All Shine On)» – John Lennon (3/28/70, #3)
«The Long and Winding Road»/»For You Blue» – The Beatles (6/13/70, #1)
«My Sweet Lord» – George Harrison (12/26/70, #1)
«What Is Life» – George Harrison (3/27/71, #10)
«Power To The People» – John Lennon/Plastic Ono Band (5/15/71, #11)
«Try Some, Buy Some» – Ronnie Spector (5/22/71, #77)
«Bangla-Desh» – George Harrison (9/11/71, #23)
«Imagine» – John Lennon (11/13/71, #3)
«Rock ‘n’ Roll High School» – Ramones (8/04/79, UK #67)
«Baby, I Love You» – Ramones (2/04/80, UK #8)
«Do You Remember Rock ‘n’ Roll Radio?» – Ramones (5/16/80, #54)
«Unchained Melody – The Righteous Brothers (10/20/90 Reissue, #13)
«Silence Is Easy» – Starsailor (01/09/03, UK #8)

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Fontella Bass, gloriosa voz negra

La creadora de ‘Rescue me’ comenzó y terminó cantando música religiosa

Diego A. Manrique 28 Dic 2012 – 01:56 CET

Fontella Bass, cantante de soul, en los años setenta. / FIN COSTELLO (GETTY)

Fontella Bass murió el miércoles 26 de diciembre en su St. Louis natal; tenía 72 años y había sufrido un ataque al corazón a principios de mes. Cantante de poderosa garganta, rica en recursos expresivos, Fontella está identificada por Rescue me, arrollador tema de soul que ella ayudó a componer. Éxito global a mediados de los sesenta, se trata de una de esas piezas que han terminado retratando aquella década, por su impetuosa línea de bajo y su urgente mensaje.

Para muchos, por tanto, podría encarnar el prototipo del one hit wonder, el artista de un solo éxito. En realidad, Fontella disfrutó de una vida musicalmente rica, que partió del góspel y llegó hasta el jazz de vanguardia. Casada con el trompetista Lester Bowie, participaría en discos del Art Ensemble of Chicago como la banda sonora de Les estances a Shophie.

Sin embargo, Fontella representaba mejor el arquetipo de la cantante de soul: familia musical, ya que su madre había actuado con Clara Ward; formación en la iglesia, donde aprendió piano y órgano; el salto a la música profana, como opción profesional con muchos reparos morales; el maltrato en una industria que se aprovechaba de la abundancia de talento. En St. Louis, Bass trabajó como instrumentista y vocalista dentro de la banda de Oliver Sain, que acompañaba a Little Milton. También conectó con Ike Turner, uno de los más astutos (y peligrosos) cazatalentos del momento. Finalmente, fichó para Chess, el luminoso sello de Chicago.

El sello Chess está mitificado por sus grabaciones de blues y rock and roll, pero se tiende a olvidar que también vivió una tercera edad de oro con el soul a mediados de los sesenta, gracias a Billy Stewart, The Dells, Sugar Pie de Santo, Gene Chandler, Etta James o el mismo Little Milton. Fontella triunfó haciendo duetos como Don’t mess a good thing, con Bobby McClure; como solista, su Rescue me fue uno de los discos más vendidos en la historia de la compañía.

Desdichadamente, como era demasiado habitual, apenas fue recompensada. Tuvo luego un éxito menor con Recovery pero se sintió estafada. Abandonó Chess y se instaló en París, que a finales de los sesenta acogió con los brazos abiertos a su marido y a otros exiliados del rebelde free jazz. De vuelta en Estados Unidos, a veces con la ayuda de Lester, grabó discos excelentes que demostraban su talento compositivo; editados por pequeñas compañías, como Paula, pasaron desapercibidos.

Regresó al góspel, una música que suele perdonar a sus fugitivos. Era madre de cuatro hijos y eso también requería su dedicación. Ocurrió que sus joyas siguieron sonando en circuitos especializados, en el northern soul británico y en su equivalente estadounidense de la beach music; aunque no recibía royalties, su nombre se decía entre susurros.

Para su asombro, dos décadas después de su impacto, Rescue me volvió a ambientar anuncios y bandas sonoras. Fontella pleiteó para que se reconociera que era coautora de la pieza. Su nueva fama permitió que sacara No way tired (1995) en el sello Nonesuch, con distribución internacional.

También giró por Europa, con el proyecto From the root to the source y, más tarde, con su hermano David Peaston y el grupo Voices from St. Louis. Sabía exactamente lo que se esperaba de ella pero —como se pudo ver en su concierto en Galapagar, en diciembre de 2000— insistió en interpretar su cancionero religioso antes de deleitar a los espectadores con vibrantes recreaciones de Rescue me y demás maravillas de la era Chess.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/28/actualidad/1356656191_832527.html

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Otro año «político» más, el pasado domingo

El pasado domingo día 23 de diciembre y tal y como viene siendo costumbre desde hace ocho años, nuestro programa de radio «Diamantes Musicales de los años 60 y 70″ recibió en los estudios a los portavoces de todos los partidos políticos en el Ayuntamiento de Torrelavega, así como al Alcalde de la Ciudad.

En primer lugar, estuvo con nosotros  la portavoz del Partido Socialista, la ex-alcaldesa, Blanca Rosa Gómez Morante quien recordó vivencias pasadas, hablo sobre el futuro y trajo las canciones de Juan Carlos Calderón, «Bandolero» y «Mediterráneo» temas el primero compuesto por él y el segundo de cuyos arreglos fue responsable el músico cántabro.

Después intervino Esther García, portavoz de ACPT, hizo un balance de la situación actual y expuso cual era su visión sobre el futuro año 2013. Las canciones que trajo Ester fueron: «Cuervo ingenuo» de Javier Krahe y «Confidente secundaria» de Los Teen Tops.

Dani, Ildefonso (Alcalde); Esther (ACPT); Blanca Rosa (PSOE) y Pedro (PRC)

El Alcalde, Ildefonso Calderón Ciriza,  además de comentar temas de actualidad  seleccionó dos temas musicales de plena Navidad como fueron «White Night» de Bing Crosby y «La canción del tamborilero» intrepretada por Raphael.

A continuación, Pedro García Carmona, Portavoz del Partido Regionalista de Cantabria, fue quien nos acompañó y que después de hacer un balance de este año que termina y del futuro, trajo de casa y puso los temas: «You don’t bring me flowers» de Barbra Streisand acompañada de Neil Diamond y el tango «El día que me quieras» de Diego El Cigala.

Finalmente intervino la Portavoz del Partido Popular, Maria Luisa Peón, quien al igual que sus predecesores hablo del año 2012 y del próximo Año Nuevo. Las canciones que seleccionó, fueron: El cover de «Your song» de Elton John interpretado por Ewan McGregor y Alessandro Safina  de la película «Moulin Rouge», y, el «Rock And Roll Star» de Loquillo y Los Trogloditas.

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Muere Lee Dorman, bajista de Iron Butterfly

Fue encontrado en su coche a los 70 años cuando iba al médico.

Por Rolling Stone

Lee Dorman, en su época dorada.

Lee Dorman, bajista de Iron Butterfly, murió el pasado viernes a los 70 años. El músico fue encontrado muerto en su coche en su casa de Laguna Nigel (California), donde parece que sufrió un ataque al corazón provocado por una de las periódicas crisis cardíacas que tenía. Según ha afirmado la policía el bajista iba en ese momento al médico.

Natural de St. Louis, Missouri entró en Iron Butterfly un poco antes de que el grupo lanzase su segundo disco y el más conocido: In-A-Gadda-Da-Vida, publicado en 1968. En él estaba la canción homónima de 17 minutos, que ocupaba toda la cara B del disco y  que ayudó a que el álbum vendiese más de 30 millones de ejemplares.

En la década de los setenta, durante una separación temporal de Iron Butterfly, Lee formó junto al guitarrista Larry Reinhardt y Rod Evans, de Deep Purple, el grupo Captain Beyond.

Así sonaba el gran éxito de Iron Butterfly.

http://rollingstone.es/noticias/view/muere-lee-dorman-bajista-de-iron-butterfly

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El vinilo se revoluciona

    Los discos llevan tiempo de moda: en su versión original o con remasterizaciones como la que acaba de hacerse con los Beatles

«Sgt. Pepper’s…», uno de los grandes discos de los Beatles, que acaba de ser remasterizado

23 de diciembre de 2012. 21:44h Ulises Fuente.  Madrid.

«Si es que las cosas ya no se hacen como antes» es la frase favorita de algunas generaciones. Y es casi siempre verdad: los tópicos no fallan, aunque en el caso de la música este tipo de afirmaciones haya que cambiarlas a veces por un «hay que ver lo que inventan, hijo». Por esa manera de hacer las cosas «a la antigua» se explica el auge desde hace unos años que viene protagonizando el soporte en vinilo, que ha dejado de ser nicho de coleccionistas para pasar a un segmento popular medio-alto, pero que tenía un lunar fundamental que acaba de subsanarse: EMI, el sello de los derechos de los de Liverpool, ha remasterizado toda la discografía de la banda especialmente para el soporte en vinilo. Y aparecen sonidos que no estaban ahí antes.

Sonido cálido

Pero volvamos al caso del principio. Los melómanos más veteranos no tienen dudas: el vinilo suena mejor, eso es una verdad universal que también ahora esgrimen los más jóvenes que se han gastado unos euros en un plato y una incipiente colección de discos de plástico. Cualquiera que ose contradecir esta verdad no sabe nada de música. Pero Javier Pintor, de la compañía EMI, aclara: «En realidad, las diferencias son mínimas. Se trata de conceptos más subjetivos como la calidez o la profundidad del sonido, que es mucho más amplia. Hay a quien no le gusta el sonido de un vinilo», asegura. Aún más, si insistimos, «tampoco el oído humano es capaz de discernir a la primera si se trata de remasterizaciones o no. Eso se puede apreciar con cierta facilidad, pero sólo si comparamos inmediatamente las dos versiones, o dos fragmentos. Pero si entre uno y otro pasan unos minutos, tampoco es fácil percibirlo».

Ahora bien, lo que es un hecho, y en lo que se han centrado los trabajos de Apple, el sello de The Beatles y que ha demorado los trabajos casi dos años, es en el salto de calidad entre las grabaciones originales y las presentes. «Los discos que se editan ahora no tienen nada que ver con los originales. El que se haya quedado en los antiguos vinilos, encontrará algo totalmente diferente», dice Pintor. «Fueron los propios Ringo y McCartney los que insistieron en que se hiciese un trabajo nuevo especial para los discos de vinilo», asegura Pintor.

Ellos dos y Yoko Ono y Olivia Harrison tienen la última palabra sobre el uso de su obra. También fue suya la decisión final sobre entrar en iTunes. Y ellos mismos decidieron cómo se debía hacer el proceso. Pintor lo explica: «Los discos que han grabado a partir de las cintas originales, la primera de ellas, del año 62 –explica–, estaban muy bien conservadas en Abbey Road, pero son cintas analógicas que llevan una emulsión que se va perdiendo. Incluso en muchos casos, esas cintas analógicas se tienen que hornear antes de ponerlas en reproductores». ¿Hornear? «Sí, para que el rollo de cinta se despegue sin arrancar la emulsión de la capa de debajo».

Inconvenientes del directo

Después de ese paso, se limpiaron todos los ruidos de fondo. «Los Beatles grabaron tocando en directo y con micros de ambiente, que son esos que cuelgan sobre la batería, por ejemplo; y a veces, Harrison, Lennon y McCartney cantaban juntos en el mismo. Al tocar en directo, el sonido de la batería se mete por el de las voces y al revés. Se forma un batiburrillo que hay que limpiar. Hoy se hace con un «software», pero antes se tenía que hacer con los antiguos reproductores, eliminando ruido de fondo de cada pista. Ha llevado años», explica Pintor.

Detalles como los sonidos que nunca se han escuchado nítidos al final de «Sgt. Peppers» ahora pueden apreciarse. Incluso se han bajado los niveles de volumen en la voz para las palabras cantadas que empiezan por las letras «S» o «T», que generan distorsión. Todo para evitar interferencias cuando la aguja viaje por el surco. Otra desviación frecuente es cuando la aguja se acerca al centro del vinilo. Se alteran las lecturas, cambian las frecuencias y se difumina la voz. No lo habrán notado, pero así es. Ahí también se ha intervenido para evitarlo. Los discos finales para la fabricación han pasado varios controles de calidad de fábrica.

El espíritu es que suene nuevo pero respetando el original, es decir, acrecentando la mitomanía de los beatlemaniacos. Se ha hecho una reedición facsimilar, a partir de una en especial: la primera edición británica en estéreo. Todos los discos son réplicas exactas de aquella versión inglesa e incluyen lo mismo que en los años de su edición: el recortable del cuadernillo del Sgt. Peppers, el póster del Disco Blanco… Las mismas fotografías de portada, los mismos textos en el cuaderno y en la «galleta» del disco. Todos los detalles de 14 álbumes (dos de ellos dobles) que se publican sueltos y en una caja, con un libro de lujo y fotografías inéditas.

La venta de vinilos en España lleva cuatro años creciendo. En 2006 se vendieron 19.000, al año siguiente 99.000, cifra que se mantuvo estable hasta 2010. El pasado, se despacharon 141.000 copias en disco de ese plástico. En Estados Unidos, el mercado más importante del mundo, la tendencia es la misma, con algunos ceros. En 2010 las ventas ascendieron a 2,8 millones. En 2011, más de 3,9. Según los primeros datos, en el primer semestre del año también subieron con respecto al ejercicio anterior. Es la consecuencia lógica de la venta de platos, que marca la pauta, también de la apuesta comercial de las discográficas (hoy publican vinilos de Alejandro Sanz a Pastora y de Loquillo a The New Raemon) y finalmente una pequeña consecuencia positiva para la industria de la aparición del soporte digital. El disco bien editado se ha convertido en una posesión de indudable valor. En cambio, tienes 50.000 canciones en un iPod y, al mismo tiempo, no posees nada.

En todo caso, el lanzamiento de los vinilos de los de Liverpool será, seguro, un bombazo. La reedición en CD ya arrasó en ventas y barrió con las perspectivas. En siete meses se vendieron 17 millones de ejemplares. En esta apuesta que acaba de llegar a las tiendas también confía la discográfica, pero, si la quieren completa, preparen la cartera: la broma sale por unos 400 euros. Y aún no queda así la cosa: en 2013 está previsto el lanzamiento de los LP remasterizados… con sonido mono.

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/477391/cultura+musica/el-vinilo-se-revoluciona

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‘The Beatles 50 aniversario’ presenta imágenes inéditas de la historia del cuarteto

Exposición en Pamplona

The Beatles, en una playa de Miami durante su gira por EEUU (1964). | Getty Images

Europa Press | Pamplona
Actualizado sábado 22/12/2012 15:47 horas

Fotografías de Ringo Starr, George Harrison, Paul McCartney y John Lennon en conciertos o en platós de televisión de países como Estados Unidos o Suecia o recibiendo premios. Imágenes del cuarteto fuera de los escenarios, en actitudes relajadas y curiosas, como por ejemplo un baño en las playas de Miami, en un café en Estocolmo, jugando a las cartas, siendo recibidos por una multitud en Londres o compartiendo vagón de tren con Mick Jagger.

El Ayuntamiento de Pamplona presenta la exposición ‘The Beatles 50 aniversario’, una muestra que nunca se ha visto fuera de Londres y que recoge 35 fotografías, en color y en blanco y negro, de los componentes de la mítica banda de Liverpool.

Estas instantáneas ‘unseen’, propiedad de la agencia mundial más importante en la creación y distribución de fotos, Getty Images, ofrecen al visitante un recorrido por la historia del grupo desde su nacimiento hasta su última actuación pública en el tejado del edificio de su discográfica en 1969.

En esta imagen, que abre la exposición, aparecen los ‘Fab four’ en pleno concierto antes de que la policía decidiera intervenir para suspenderlo (el concierto duró 42 minutos) tras las quejas de los vecinos por el ruido que estaban provocando tanto los músicos como la gente concentrada en la calle y en las escaleras.

Ringo Starr, George Harrison, Paul McCartney y John Lennon nos enseñan en esta exposición su lado menos conocido por el gran público, que va a poder ver a los cuatro Beatles ensayando en una habitación de un hotel sueco (Suecia fue el primer país fuera de las islas que acogió una gira del grupo), tomando café en un aeropuerto o dándose un baño en las playas de Miami.

La gira de 1964 por Estados Unidos, los momentos de ensayo y de grabación para diferentes televisiones, los rodajes para las películas ‘Help!’ o ‘The Magical Mystery Tour’ y sus encuentros con los fans son algunos de los escenarios que el espectador puede visitar a lo largo de la exposición.

Una de las joyas de la colección es la fotografía que muestran a los policías tratando de contener en Buckingham Palace a una multitud de fans que quiere acceder para ver como The Beatles reciben la Orden del Imperio Británico de manos de la Reina Isabel II de Inglaterra. Estamos hablando del año 1965, cuatro antes de que John Lennon decidiera devolverla.

Era un 25 de noviembre de 1969 cuando el guitarrista y vocalista del grupo leía las noticias que hablaban de la guerra de Vietnam y de la muerte de niños en Biafra. Cuentan que en ese momento, Lennon llamó a su chófer y le pidió que cogiera la medalla y la llevara de vuelta a la reina con una carta que decía: «Su Majestad, le devuelvo mi MBE como protesta contra la intervención de Gran Bretaña en el asunto Biafra, por apoyar a Norteamérica en la Guerra de Vietnam y por el descenso de ‘Cold Turkey’ en las listas de éxito. Con amor, John Lennon».

Para Daniel Gluckmann, director de Getty Images para España y Portugal, esta exposición permite ver además una auténtica gema «como es la fotografía de Victor Blackman, del Daily Express, que muestra a Paul McCartney y Mick Jagger en un compartimento de tren. No fue publicada en su día, y ha sido encontrada muy recientemente entre nuestros fondos. Es una fotografía muy especial, cargada de significado. Fue el comienzo del viaje a una conferencia de 10 días de meditación transcendental ofrecida en Bangor (Gales) por el gurú Yogi Maharishi Mahesh».

«A este viaje iniciático en la pasión por lo oriental y la trascendencia que impregnó gran parte de la cultura musical de los primeros sesenta acudieron no solamente los Beatles, sino también el citado Mick Jagger o Marianne Faithfull entre otros», agrega Blackman. «La foto muestra la relación de amistad que realmente existía entre ambas superbandas que diríamos hoy en día, en contra de la creencia popular. Asimismo, la imagen apunta al comienzo de la relación de Lennon con Yoko Ono, teniendo en cuenta la rocambolesca, por sus circunstancias, ausencia de Cynthia Lennon del pasaje».

La muestra se inaugurará este sábado a las 20.00 horas en la sala Conde Rodezno y contará con la actuación del grupo navarro The Beat-Less, conjunto que reproduce fielmente las canciones del cuarteto de Liverpool.

Estará abierta al público desde el domingo 23 de diciembre hasta el domingo 27 de enero, con entrada gratuita.

http://www.elmundo.es/elmundo/2012/12/22/cultura/1356187233.html

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Atracón navideño de Raphael en Madrid

El Niño de Linares continúa la tradición de cerrar su año de conciertos en la capital. La voz prodigiosa le flaquea en algún instante, pero el carisma y la entrega siguen intactos.

Por Jorge Arenillas


Raphael, agradecido ante su público, anoche en Madrid. (Foto: Ana Pérez)

Concierto: Raphael

Lugar: Palacio de Deportes (Madrid)

Fecha: 22/12/12

Precio: de 38 a 60 euros

Asistencia: 7.000 personas (lleno en esta configuración del recinto)

Buffet libre de canciones de Raphael anoche, en su fin de gira en el Palacio de Deportes. Y hubo variedad de platos en los que picar, unificados en bloques temáticos: desde el pop sesentero de Tu Cupido, Casi, casi y Todas las chicas me gustan, hasta los marcianos villancicos Llegó Navidad y Bendita y maldita Navidad; pasando por el tramo latinoamericano con dueto necrófilo con Carlos Gardel incluído. Un repertorio de 41 canciones, ahí es nada, en tres horas de recital que equiparan el directo de Raphael a los de Leonard Cohen y Bruce Springsteen. En el Olimpo de los grandes, vaya.

Pero ya sabemos que lo de “fin de gira” no es más que un eufemismo en el caso del Niño de Linares: desde que recuperara la salud y el vigor hace casi una década, vive atrapado en un bucle feliz, a caballo entre el día de la marmota y el Neverending Tour dylaniano. La tradición obliga a acabar el año en Madrid, bien con una tanda de conciertos en teatros, bien con uno grande en pabellón. Esta segunda opción resulta más práctica, pero el magnetismo que irradia Raphael se diluye un poco en grandes recintos (a cambio, si uno está sentado a partir de la fila 20 y se abstiene de mirar a las pantallas, se obra el prodigio de estar viendo al Raphael de 1965).

Con sillas en pista y telones para cubrir las gradas altas, el Palacio lucía ayer a la mitad de su aforo, sin que eso reste valor a la hazaña de convocar a 7.000 personas en estos tiempos difíciles. Pocos, muy pocos de esos espectadores veían a Raphael por primera vez en directo, pues si algo define a los fans de este artista es su fidelidad. La mayoría son contemporáneos suyos que se resignan al peaje de las canciones nuevas a cambio de olfatear una vez más ese aroma de su juventud que traen adheridos los clásicos.

El concierto arrancó pasadas las diez de la noche, con una puntualidad imprescindible vista la longitud del repertorio. Un sonido claro y robusto, pero con ecos de catedral, y una luminotecnia de alto nivel no disimulaban que el escenario, pensado para una gira de teatros, parecía mucho más modesto plantado en la pista del Palacio de Deportes. Cinco músicos (ninguneados por las luces y la realización de las pantallas, y ni siquiera presentados) tendían el colchón sonoro a la voz del cantante, indudable protagonista de la velada.

Sin embargo, amagos de afonía pusieron en aprietos a Raphael en temas como Eso que llaman amor o El tamborilero, esta última más graznada que cantada. Se sobrepuso a base de tablas, pero tal vez su calendario (una docena de conciertos en el último mes) sea excesivo para un artista de casi 70 años que le exige siempre el máximo a sus cuerdas vocales. Irónicamente, temas más desatados como Balada triste de trompeta los pasó con nota, desbocando sus característicos alaridos después de dos horas y media de espectáculo.

La voz, en cualquier caso, no es lo único que forja la leyenda de Raphael: también está el carisma. Y ese no flaqueó anoche. Rejuvenecía por momentos mientras movía las caderas al ritmo de Casi, casi, y se deleitaba interpretando, en sentido literal, las canciones: doblándose a sí mismo en Payaso mientras el joven Raphael nos cantaba desde la pantalla, poniendo carita de gato de Shreck antes de hacer mutis por el foro al final de En carne viva, o fingiéndose abrumado tras hablarle a una silla vacía durante Para volver a volver. El momento más surrealista fue cuando nos bendijo haciendo la señal de la cruz al final de un villancico. Varias veces durante las tres horas de concierto te sorprendías a ti mismo con una sonrisa estúpida en los labios, musitando “qué tío más grande”. Y grande es Raphael, no cabe duda.

La terrible Naturaleza muerta, con su burda denuncia del abuso de los recursos naturales por parte del hombre, fue el momento más bajo del show. Los coros de este tema eran pregrabados, al igual que algunas cuerdas y metales espolvoreados por el resto de las canciones (como la trompeta en, vaya, Balada triste de trompeta) . Nada de eso pareció molestar al respetable, que ovacionaba al final de cada tema, a veces por voluntad propia y otras condicionado por los focos que apuntaban hacia las gradas, dando la entradilla para el aplauso.

Podemos ponerle pegas, pues es cierto que el de ayer no fue un concierto memorable; pero fue uno de Raphael, y con eso está todo dicho. Medio siglo después de comenzar su carrera, su entrega y su personalidad le mantienen en la estratosfera de la canción melódica, y mirando tan por encima del hombro a todos los que sueñan con destronarle que no queda otra que seguir reverenciándole. Raphael se bajó anoche del escenario con la sonrisa satisfecha de quien sabe que aún le quedan muchas noches de gloria por delante. Ave, Raphael.

Repertorio: Mi gran noche, Cantares, Yo sigo siendo aquel, La noche, Digan lo que digan, Tu Cupido, Casi, casi, Todas las chicas me gustan, A pesar de todo, Poco a poco, Sin un adiós, Ella, Enfadados, Cuatro estrellas, Eso que llaman amor, Sexo sentido, Hablemos del amor, Estuve enamorado, Cuando tú no estás, Desde aquel día, Un sueño, Maravilloso corazón, Y fuimos dos, Naturaleza muerta, La fuerza del corazón, Adoro, Payaso, Nostalgias, Volver, Gracias a la vida, Llegó Navidad, Bendita y maldita Navidad, El tamborilero, Para volver a volver, En carne viva, Escándalo, Ámame, Qué sabe nadie, Balada triste de trompeta, Como yo te amo, Yo soy aquel

http://rollingstone.es/concerts/view/atracon-navideno-de-raphael-en-madrid

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El fin del mundo sonaría al ritmo de «The End», de The Doors

National Geographic Channel y Spotify han elegido la banda sonora para el Apocalipsis

OTR/PRESS / MADRID
Día 20/12/2012 – 18.34h

ABC – The Doors

Si el fin del mundo, como pronostica la profecía maya, se produjera este viernes 21 de diciembre sonaría al ritmo de «The End», de The Doors. Esta es la banda sonora para el apocalipsis elegida a través de la iniciativa de National Geographic Channel y el servicio de música digital Spotify.

El concurso, que se ha prolongado durante cinco semanas, ha contado con más de 10.000 participantes, que han ido depositando sus propuestas musicales para el apocalipsis en la página web del canal.

Cada semana se han publicado las canciones más solicitadas por los usuarios, hasta configurar la lista final, en la que además de la ganadora hay otros temas legendarios como «The Final Countdown», de Europe, «Viva La Vida», de Coldplay, «I Don’t Want To Miss A Thing», de Aerosmith, o «It’s the End of the World As We Know It (And I Feel Fine)», de R.E.M.

Queen entra en la lista con dos de sus éxitos, «The Show Must Go On» y «Bohemian Rhapsody», y John Lennon figura entre los finalistas con su inmortal «Imagine». Otras canciones incluidas son «Última noche en la tierra», de La Musicalité, «In the End», de Linking Park, «Highway To Hell», de AC/DC, o «Gangnam Style», de Psy.

Destaca también la presencia en la lista final de dos temas corales de la música clásica. Es el caso del famoso fragmento de Carmina Burana de Carl Off titulado «O Fortuna!» y el «Lacrimosa de la misa de Réquiem» que Mozart dejo inacabada antes de morir en 1791.

http://www.abc.es/cultura/musica/20121220/abci-doors-mundo-maya-201212201820.html

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Padres fundadores del ‘rock’n’roll’

El sello barcelonés HooDoo rescata clásicos olvidados de la cultura popular

Fernando Navarro Madrid 18 DIC 2012 – 21:17 CET

Tal y como es hoy el mundo de la música, cuesta imaginar que hubo una época en la que una cantante llamada Ruth Brown, desconocida para la gran mayoría de los oyentes en la actualidad, vendía más discos a mediados del siglo pasado que los que despacha ahora Rihanna. Como difícil es saber que, antes incluso que Elvis Presley, el incipiente rock tuvo a su mejor evangelista en un locutor de radio que respondía al nombre de Rufus Thomas. O que el hermanamiento entre blancos y negros en la sociedad estadounidense tuvo una de sus primeras cimas en el rockabilly del afroamericano Ray Sharpe. Cuesta pensar en un mundo musical muy distinto al conocido pero hubo un periodo en la historia protagonizado por nombres poco escuchados hoy en día que, con sus obras, construyeron los grandes pilares de la música popular que ahora apreciamos. Fue el tiempo de los padres fundadores del rock’n’roll.

Hoodoo Records, un sello nacido en Barcelona, perteneciente a Distrijazz, se ha lanzado a la aventura arqueológica de desenterrar a muchos de estos músicos que, desde sus distintas visiones del rhythm and blues en los cincuenta norteamericanos, dieron forma e identidad a todo el rock’n’roll posterior y sus muchas ramas estilísticas hasta nuestros días. “Hay muchos artistas que no están tan bien tratados como se merecerían por la historia”, dice Jordi Soley, responsable del sello, cuyo catálogo está formado por 68 álbumes que exploran con una admirable profundidad de rastreo el maravilloso legado de los pioneros a los que acudieron en sus comienzos The Beatles, The Rolling Stones, The Clash o Nirvana, entre tantos.


Desde los primeros trabajos de clásicos imperecederos como Elvis Presley, Roy Orbison, Little Richard, Brenda Lee, Johnny Cash o Chuck Berry hasta verdaderos ignorados por la memoria colectiva como Billy Lee Riley, héroe personal de Bob Dylan y gigante del rockabilly vibrante de Sun Records, Hank Ballard, influencia directa de James Brown con su sensual rhythm and blues, o Bobby Mitchell, joya oculta del sonido de Nueva Orleans que impulsó el nacimiento del soul. “En la época muchos tuvieron éxito aunque se perdieron con el ruido de los sesenta”, afirma Santi Comelles, productor de la colección. “Además, los sellos les pervertían mucho y les ponían la miel en los labios”, añade. En la Norteamérica segregacionista de los cincuenta, el vicio del engaño o la infravaloración no solo pasaba con los negros sino también con músicos blancos. “Johnny Burnette está en el repoker de mejores cantantes de rockabilly de todos los tiempos y se hubiese merecido un reconocimiento masivo”, afirma Comelles.

Desde que la industria discográfica está de capa caída con la piratería, han sido varios los sellos que se han dedicado a desempolvar sus archivos para ofrecer colecciones de un estilo determinado, cuidadas en su presentación y más o menos populares en su precio. Aparte del exhaustivo criterio de selección, el mimo con el que está elaborado cada disco de Hoodoo, que se hace acompañar de fotografías, memorabilia y un amplio libreto biográfico del artista, guarda el atractivo de otros celebrados catálogos como el de Ace Records con el jazz y el soul, Rhino con el rock y el rockabilly o Esoteric con el heavy-metal. “Queremos significar esta música”, dice Comelles. “No solo se trata de buscar un concepto y un tono atractivos sino también pasar los masters de sonido por laboratorios de tecnología punta”, apunta Soley.

En el caso de Hoodoo, que surgió de la pasión musical de Soley y Comelles hacia este tipo de sonidos, la publicación de los discos ha sido posible gracias a la polémica ley de dominio público contra la que combaten superestrellas como Paul McCartney o los Rolling Stones, temerosos de que sus primeras grabaciones se queden sin el copyright en unos años. En Europa, las obras musicales pierden sus derechos de autor a los 50 años de su creación mientras que en Estados Unidos perduran hasta los 95. “Investigamos cómo está el mercado y hacemos combinaciones para saber qué grabaciones podemos utilizar”, explica Soley. Y, de ese agujero de la industria, ha surgido la colección de Hoodoo, un enloquecedor viaje en el tiempo, explorando el alma original y menos conocida del rock’n’roll, un embriagador potingue sónico del que bebieron casi todos en el futuro.

Aquellos maravillosos años del ‘Rhythm & Blues’


De Wanda Jackson, reina del rockabilly, a The Isley Brothers, pioneros del sonido Motown, o Dale Hawkins, arquitecto de eso que se dio en llamar rock pantanoso, la música creada en los cincuenta y primeros sesenta y que se denominó con la etiqueta omnicomprensiva de rhythm & blues es objeto de rescate por sellos de reediciones como HooDoo Records o Ace, además de referencia ineludible, aún hoy, en artistas como Bob Dylan o la nueva generación de música estadounidense de raíces.

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/12/18/actualidad/1355861126_086178.html

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